RELEASE HISTÓRICO DE TODAS AS BANDAS NACIONAIS DE ROCK, MPB E BOLSA NOVA POR ROBERTO BARROS I
Quero dizer aqui com muito amor profundo em belas palavras que a música nacional revela o que somos porque sua letra pode nos formalizar sob nossos dilemas que traçamos em plena vida que tem em nossa alma um pedacinho do Brasil em que o rock nacional é feito sob uma genuinidade mais voltada para o cotidiano de jovens brasileiros que passam sua adolescência como um filme mais voltado para suas vidas, simplificamos uma lista de fatos e ideias que nos faz reagir sob um desejo fantástico destemido onde todas as histórias de sonhos desmotivadas são descritos entre lindas fantasias que buscamos respostas do passado ao futuro em que somos simplificados por uma harmonia que aplica humor, caráter, amor, ódio, medo, aventura em todos os matizes que a vida nos propõe sob um ego de felicidade viver em que nós implica ressuscitar sob a velha e inquieta tolice da juventude que nos ensina a viver e a melhorar a velha república que pode estar um pouco alienada de seus desejos. desenvolvimentos que nos estimulam a prescrever nas letras algumas reformas que talvez o rock nos consolem porque o Brasil precisa crescer junto com as pessoas que amam seus direitos e que a música pode unir e mudar grandes gerações facilitando o progresso e crescimento da juventude que fez o Brasil crescer e uniu todas as classes sob um direito popular de conquistar a vida e assim nos tornamos mais brasileiros e vamos falar da nova bolsa que mostrou a origem fundamental do nosso povo brasileiro que brotou como uma semente em vários estados brasileiros e nos fez entender o realismo e o cultural obra do brasileiro que nasceu entre rios e mares navegantes que hoje são histórias portuguesas que colonizaram nosso Brasil e Ao longo dos séculos 19 e 20, os portugueses constituíram a esmagadora maioria dos imigrantes na cidade do Rio de Janeiro. Distribuídos por toda a cidade, dominaram determinados segmentos ocupacionais, com grande destaque para o comércio varejista e comercialização de alimentos.
A cidade é mencionada oficialmente pela primeira vez quando a segunda expedição exploratória portuguesa, liderada por Gaspar Lemos, chega em janeiro de 1502 à baía, que o navegador compreensivelmente presumiu ser a foz de um rio, dando assim o nome à região do Rio de Janeiro que hoje se chama a cidade maravilhosa onde nasceu a nova bolsa, Bossa nova é o termo pelo qual se tornou conhecido um movimento de renovação do samba irradiado da Zona Sul da cidade do Rio de Janeiro no final da década. 1950 e que, portanto, veio a dar nome ao estilo de interpretação e acompanhamento rítmico de que surgiu, que ficou conhecido como "batida diferente"
Quero dizer aqui com muito amor profundo em belas palavras que a música nacional nos revela o que somos porque suas letras podem nos formalizar sob nossos dilemas que traçamos em plena vida que tem na alma um pedacinho do Brasil onde o rock se faz, samba, MPB, a velha bolsa nova e tudo mais simplifica uma interação íntima e profunda com nosso povo que cresceu em um país republicano que também conhecemos como um país das maravilhas natural onde não mudamos a música sem soar. um artista que ama seu país, que cresceu nele e morrerá feliz simplesmente pelo jeito como é brasileiro e se sente feliz e a melodia pode nos dizer mesmo no vazio que o melhor valor das coisas existe e que devemos sempre amar profundamente a lado suave da vida que se destaca sob uma relatividade da vida e assim nos tornamos brasileiros!
Barão Vermelho é uma banda de rock brasileira fundada em 1981, na cidade do Rio de Janeiro, Brasil. Junto com a Legião Urbana, Paralamas do Sucesso e os Titãs é considerada uma das quatro bandas brasileiras mais influentes fundadas na década de 1980.
História
O começo (1981-1982)
Após assistir a um show da banda Queen no Morumbi, em São Paulo, surgiu o desejo de Guto Goffi (Flávio Augusto Goffi Marquesini), bateria, e Maurício Barros (Maurício Carvalho de Barros), teclado, de 19 e 17 anos respectivamente, de formar uma banda de rock. Em outubro de 1981, os dois alunos do Colégio da Imaculada Conceição, no Rio de Janeiro, escolheram o nome: Guto sugeriu e Maurício concordou que a banda usasse o codinome do aviador alemão Manfred von Richthofen, principal inimigo dos Aliados em a Primeira Guerra: Baron Red. Dias depois, a dupla se juntou a Dé (André Palmeira Cunha), baixo, e Frejat (Roberto Frejat), violão. Os ensaios sempre aconteciam na casa dos pais de Maurício e, como a banda ainda não tinha vocalista, por meio de um amigo da escola, Guto entrou em contato com um vocalista chamado Léo Guanabara (que ficou conhecido como Leo Jaime). No entanto, seu timbre de voz foi considerado muito suave para o rock da banda, fazendo com que seus membros o desaprovassem. Léo Jaime não se incomodou com isso, pois já fazia parte de três bandas (entre elas João Penca e Seus Miquinhos Amestrados), e indicou o Cazuza (Agenor de Miranda Araújo Neto). O Barão Vermelho estava então completo.
Red Baron e Red Baron 2 (1982-1984)
Em 1982, o som do Barão Vermelho, lançado nas lojas no dia 27 de setembro, espalhou um pouco e agradou o produtor Ezequiel Neves (José Ezequiel Moreira Neves, jornalista) e o diretor da Som Livre Guto Graça Mello. Juntos, eles lançaram a banda e, com uma produção muito barata, em quatro dias, foi gravado o primeiro disco do Barão: "Barão Vermelho". Das canções mais marcantes destacam-se "Bilhetinho Azul", "Todo Amor Que Hár Nessa Vida", "Ponto Fraco" e "Down Em Mim". Após alguns shows no Rio de Janeiro e em São Paulo, a banda voltou ao estúdio, agora por um mês inteiro, e gravou o LP "Barão Vermelho 2", lançado em 1983.
Maior Abandonado e Rock In Rio (1984-1985)
Embora o quinteto pudesse ser promissor, as estações de rádio não achavam isso e se recusavam a tocar suas canções. Só depois que Ney Matogrosso gravou "Pro Dia Nascer Feliz" é que as rádios começaram a tocar a versão original de Barão Vermelho. Ao mesmo tempo, Caetano Veloso reconheceu Cazuza como um grande poeta e incluiu no repertório de seu show a canção "Todo amor que existe nesta vida". A banda passou a ter o destaque que merecia, a repercussão foi tão grande, que foram convidados a compor a trilha sonora do filme Bete Balanço, de Lael Rodrigues, em 1984, e sua sonoridade se espalhou pelo Brasil. Aproveitando o momento, o grupo lançou seu terceiro álbum, Maior Abandonado, em 1984, conseguindo vender mais de 100 mil cópias em apenas seis meses.
Em 1984, Barão Vermelho tocou com a Orquestra Sinfônica Brasileira e, em 1985, foi convidado para abrir shows internacionais do Rock in Rio. Depois de tanto sucesso, ficou claro para todos que a carreira da banda estava consolidada.
Sem Cazuza e Volta ao Sucesso (1985-2001)
Cazuza já havia manifestado o desejo de fazer um trabalho solo, e foi apoiado por Frejat, desde que ele não saísse da banda por conta disso. A partida, porém, anunciada ao público no final de um espectáculo, foi perturbada, provocando o rompimento da forte amizade que unia Cazuza a Frejat e que só se reconciliou anos depois. Com a saída, Cazuza ainda levou algumas músicas para seu primeiro disco solo. A banda se destacou, lançando a música "Torre de Babel", agora com Frejat nos vocais.
Em 1986 lançam o seu quarto álbum - "Declare Guerra" - e, embora as composições contassem com a ajuda de grandes nomes como Renato Russo e Arnaldo Antunes, o álbum foi pouco divulgado (até porque Cazuza era filho do presidente da Som Free, o que gerou conflito de interesses nos bastidores, embora não por parte dos músicos). A banda então, sentindo-se abandonada, fechou contrato com a Warner e, em 1987, lançou o álbum Rock'n Geral, que teve a participação mais ativa dos demais integrantes nas composições. Embora o disco tenha recebido boas críticas, não vendeu mais de 15.000 cópias. No mesmo ano, Maurício deixou a banda, juntando-se o guitarrista Fernando Magalhães e o percussionista Peninha.
Com apenas três dos integrantes originais, a banda lançou, em 1988, o álbum Carnaval, misturando rock pesado e letras românticas. O álbum chegou às rádios com a música "Pense e Dance", da novela "Vale Tudo", de Gilberto Braga, e foi um sucesso absoluto, garantindo ao Barão Vermelho a oportunidade de abrir a turnê de Rod Stewart no Brasil. No ano seguinte, 1989, ainda com grande popularidade, o Barão lança o sétimo álbum Barão ao Vivo, gravado em São Paulo, e, nesse mesmo ano, o selo Som Livre lança a coletânea "Os melhores momentos do Cazuza e o Barão Red" , incluindo vários êxitos como “Dia pro para nascer feliz”, “Bete Balanço” e muitos outros. Esse álbum também conta com diversas raridades, como a música "Eclipse Oculto" (inédita) e "Eu queria ter uma bomba", música que só apareceu na trilha sonora nacional da novela "A gata comeu", exibida em 1985.
Em 1990, após constantes desentendimentos, o baixista Dé deixou a banda, dando lugar a Dadi, ex-integrante dos "Novos Baianos" e "A Cor do Som". Paralelamente, Maurício Barros volta aos teclados da banda. Ainda nesse ano, Barão gravou o disco Na Calada da Noite, mostrando o lado mais acústico do grupo. A música "O Poeta está Vivo" está neste álbum; uma alusão a Cazuza, que morreria poucos meses depois de complicações causadas pelo vírus da AIDS.
Ainda em 1990, todos os integrantes da banda são apontados como os melhores em suas categorias e, em 1991, a banda é eleita, por unanimidade de público e crítica pela revista Bizz, como a melhor banda do ano. Em 91 e 92, o Barão Vermelho recebe o Prêmio Sharp de melhor grupo de rock e, ainda em 92, é eleito a melhor banda de Hollywood Rock daquele ano. O baixista Dadi foi então substituído por Rodrigo Santos.
Em 2001, após se apresentar no Rock in Rio 3 Por Um Mundo Melhor, os integrantes resolveram dar um "descanso" da banda para desenvolver projetos pessoais.
Retorno (2004-2007)
Barão Vermelho 2017 - Foto: Luís Parente
Em 2004, o Barão Vermelho voltou a reunir-se e lançou um disco com o mesmo nome, com puro rock'n'roll do início da carreira, incluindo êxitos como "Cuidado" e "A Chave da Porta da Frente".
Em agosto de 2005, a banda gravou o primeiro DVD de sua carreira. Gravado no Circo Voador, o MTV ao vivo - Barão Vermelho teve alguns sucessos como o inédito "O Nosso Mundo" e a regravação de "Codinome Beija-Flor", com a inclusão da voz de Cazuza no telão do programa. O álbum fez sucesso e garantiu mais um disco de ouro para a banda.
Após uma turnê de 2 anos, em 12 de janeiro de 2007, a banda faz seu último show no Rio de Janeiro, antes de uma nova parada de "férias" - a segunda da década. Seus integrantes passaram a se dedicar a projetos solo. Antes da segunda parada, a banda lançou um livro sobre sua carreira e um DVD com o histórico show do Rock in Rio I.
30 anos de carreira, turnê comemorativa e a morte de Peninha (2012-2016)
Em 2012, Frejat e Rodrigo Santos confirmaram em entrevistas e nas redes sociais a segunda volta da banda após 5 anos. O encontro foi uma celebração dos 30 anos de carreira do grupo e o lançamento de seu primeiro álbum. Além das comemorações com uma turnê de seis meses, houve o relançamento do álbum Barão Vermelho, gravado em 1982, remixado e remasterizado, com faixas bônus, raridades e uma música inédita. O show teve o baixista Dé Palmeira como convidado especial. Naquela época, estava previsto um novo programa em parceria com a MTV Brasil, com transmissão ao vivo direto da Praia do Arpoador, no Rio de Janeiro e um documentário, contando a história do grupo, algo que não aconteceu. Após esses eventos, a banda entrou em recesso novamente, a partir de março de 2013, sem previsão de retorno.
Três anos após o último encontro, em 19 de setembro de 2016, o percussionista Peninha morreu de hemorragia estomacal. O músico estava internado no Hospital da Lagoa, na zona sul do Rio de Janeiro desde o início do mês, com problemas digestivos.
Retornar sem Frejat (2017-atualmente)
No dia 17 de janeiro de 2017, a banda anunciou seu retorno oficial aos palcos, porém, sem a participação de Roberto Frejat. Em seu lugar, vem o cantor e guitarrista Rodrigo Nogueira, também conhecido como Rodrigo Suricato, líder da banda Suricato, revelado no show de talentos Superstar, da Rede Globo, em 2014. Frejat afirmou ainda que atualmente não tem interesses profissionais com o grupo e que pretendia se reunir com Barão quando a banda completasse 40 anos de existência em 2021, mas isso não estava nos planos dos demais integrantes, que decidiram voltar aos palcos com o novo vocalista. A banda também lançou o planejado documentário em 2013, intitulado Porque somos assim, dirigido pelo cineasta Mini Kerti. O longa-metragem fecha o ciclo Frejat do grupo. Em novembro de 2017, o baixista e ocasional vocalista Rodrigo Santos deixa a banda para se dedicar exclusivamente aos seus projetos pessoais.
Cinema
O Barão teve uma participação no cinema em 1984 com o filme Bete Balanço, onde Cazuza (ainda vocalista na época) compôs a música tema do filme, ambos interpretando a si próprios, e Cazuza interpretando o compositor Tininho.
Blitz é uma banda de rock brasileira. É um dos precursores da chamada banda "BRock". O grupo foi formado na cidade do Rio de Janeiro em 1982. Originalmente era formado por Evandro Mesquita (vocal e violão), Fernanda Abreu (backing vocals), Marcia Bulcão (backing vocals), Ricardo Barreto (violão), Antônio Pedro Fortuna (baixo), Billy Forghieri (teclados) e Lobão (bateria).
Carreira
1981–83: As Aventuras de Blitz e Radioatividade
No início de 1981 Evandro Mesquita e Lobão foram convidados por Mauro Taubman, dono da marca Company para bater no Caribe, bar o empresário foi inaugurado na orla de São Conrado Embora na época tocado apenas pelo hobby, ambos aceitaram e recrutaram amigos músicos para fazer a apresentação na estreia do bar, no dia 21 de fevereiro, gerando grande repercussão no local, o que motivou uma série de outras apresentações com rodízio de músicos convidados, mantendo apenas os dois fixos. Buscando a profissionalização, os dois amigos buscaram músicos para se juntarem a eles, trazendo Fernanda Abreu e Márcia Bulcão para backing vocals, Ricardo Barreto na guitarra, Antônio Pedro Fortuna no baixo, Billy Forghieri nos teclados, e o próprio Evandro nos vocais e Lobão nos bateria. No dia 15 de janeiro de 1982, a banda subiu ao palco do Circo Voador, maior casa de shows do Rio na época, tocando pela primeira vez com o nome de Blitz - nome sugerido por Lobão (e logo aceito pelos demais) inspirado em a quantidade de vezes que Evandro foi parado pela polícia e multado. A repercussão chamou a atenção da EMI, que fechou contrato com a banda e, no dia 20 de julho, é lançado o primeiro single, "Você Não Soube Me Amar". Em três meses, o single com apenas aquela faixa vendeu 100.000 cópias, tornando-se sua música de maior sucesso. [6] Com isso, foi lançado o primeiro álbum, As Aventuras da Blitz 1, que vendeu 300 mil cópias e gerou grande repercussão pela mistura de música humorística e figurinos futuristas.
As diferenças artísticas entre Lobão e Evandro cresceram descontroladamente e, dias após o lançamento do álbum, Lobão decidiu deixar a banda, sendo substituído por Juba na bateria. BLITZ tornou-se um dos pioneiros do movimento rock brasileiro dos anos 1980. O segundo single lançado, "Mais Uma de Amor (Geme Geme)", tornou-se o segundo maior hit da banda, embora tenha sofrido censura por composição com conteúdo sexual. "Cruel Cruel Ezchizfrenético Blues" foi lançado como terceiro single. Em junho de 1983, foi lançado o novo single do grupo, "Dois Passos do Paraíso", trazendo um tema mais leve para não ser bloqueado pela censura. Em seguida, chega "Betty Frígida", a música mais ácida da banda, que contou a história de uma relação sexual que fez mal para os dois lados. No dia 10 de setembro é lançado o segundo álbum, Radioactivity, com uma grande festa organizada na sede da EMI, que reuniu grandes artistas como Caetano Veloso e Paulo Cézar Lima. A turnê da banda, dirigida por Patrícya Travassos, atingiu recorde de público e os primeiros shows chegaram a 50 mil pessoas. O terceiro e último single lançado foi "Weekend".
1984–86: Blitz 3 e separação
No dia 23 de março de 1984, o grupo participou do especial infantil Plunct, Plact, Zuuum ... 2, da Rede Globo, onde também interpretou uma nova faixa, "A Verdadeira História de Adão e Eva", incluída na trilha sonora do programa . No dia 7 de julho, o grupo realiza seu show de maior repercussão na Praça da Apoteose, que atraiu 30 mil pessoas. No dia 14 de setembro, a banda estrela seu próprio especial na Rede Globo, Blitz Contra o Gênio do Mal, mesclando dramaturgia e musical. Logo em seguida, o novo single "Egotrip" é lançado. O terceiro álbum, BLITZ 3, é lançado no dia 15 de dezembro, em três formatos com diferentes capas, produzidos pela empresa de design A Bela Arte. [22] Em 1985, a banda se apresentou em duas datas da primeira edição do Rock in Rio - 13 de janeiro, para um público de 110 mil pessoas, e 20 de janeiro, para 200 mil pessoas. Logo em seguida, "Eugênio" e "Louca Paixão" foram lançados como segundo e terceiro singles do álbum, respectivamente. A superexposição e a demanda exagerada de trabalhos geraram conflitos internos e os integrantes entenderam que era hora de dar um hiato no trabalho da banda, anunciando que seu próximo trabalho, intitulado O Última da Blitz, seria o último. gravada, já que Ricardo e Márcia deixaram a banda no final de 1985 e, em 3 de março de 1986, o BLITZ anunciou sua separação oficial.
1994–99: Return, Live BLITZ and Languages
Em 1994, teve a música "Mais uma de amor (mome geme)" como tema do romance A Viagem, da personagem interpretada por Fernanda Rodrigues. Nesse mesmo ano, alguns ex-integrantes se juntaram por 5 anos e gravaram os discos "BLITZ Ao Vivo" em 1994 e "Línguas" em 1997, período em que trocaram duas vezes de gravadora. Formação do período: Evandro Mesquita, Juba, Ricardo Barreto, Antônio Pedro, Billy Forghieri e a estreante Hannah Lima nos vocais ao lado da veterana Márcia Bulcão.
2006 – Presente: Segundo retorno e estabilidade
Em 2006 a banda se reuniu e lançou os discos "Blitz - Ao Vivo e a Cores" e "Eskute Blitz", mas os únicos membros restantes da banda são Evandro Mesquita e Billy Forghieri. Em 2017, o álbum Aventuras II foi nomeado para o Grammy Latino 2017 de Melhor Álbum de Rock ou Alternativo em Língua Portuguesa.
Camisa de Vênus é uma banda de rock brasileira formada em Salvador em 1980 e ativa até hoje. Foi um grande sucesso na cena brasileira dos anos 80, sendo uma banda considerada mais "safada" do que as outras por causa do nome (na época era usado como sinônimo de camisinha) e dos palavrões nas letras. Suas principais músicas são "Bete Morreu" e um cover de "Negue", do primeiro álbum; “Eu Não Killed Joana D'Arc”, “Today” e um cover de “Gotham City”, do segundo álbum; "Silvia" e um cover de "My Way" do primeiro álbum ao vivo; "Simca Chambord", "Deus me Da Grana" e "Só o Fim", do terceiro álbum.
História
A banda foi formada em 1980 quando Marcelo Drummond Nova, que trabalhava na rádio Aratu de Salvador, conheceu Robério Santana, que trabalhava na TV Aratu. Por falar em música, os dois descobriram que tinham gostos em comum e decidiram formar uma banda. Marcelo Nova seria o vocalista e Robério Santana o baixista. Robério resolveu chamar o amigo Karl Franz Hummel para assumir o violão e ele, por sua vez, chamou o amigo Gustavo Adolpho Souza Mullem para tocar bateria. O guitarrista solo Eugênio Soares se juntou ao grupo.
Nos ensaios, as pessoas que compareceram disseram que o som da banda era muito desconfortável. Por isso, Marcelo Nova sugeriu o nome de Camisa de Vênus, pois achava muito desconfortável a camisinha. Após duas apresentações em Salvador, Eugênio Soares deixa o grupo e Gustavo Mullem, que queria tocar violão solo, chama Aldo Pereira Machado para assumir a bateria. Essa seria a formação que tocaria junto até a primeira separação da banda, em novembro de 1987.
Com a realização de alguns shows na capital baiana, uma pequena gravadora local, chamada NN Discos, se interessa pela banda e os convida a gravar um single, com possibilidade de gravar um álbum. [1] A banda grava duas músicas em Salvador: "Controle Total" e "Meu Primo Zé". O lado A continha uma música "sugada" do "Controle Completo" do The Clash, mas com letras que falavam da vida na Bahia. O lado B foi composto por uma versão da música "My Perfect Cousin" do The Undertones. O single foi lançado em julho de 1982.
Após o single, a gravadora decide dar a eles a oportunidade de gravar um álbum. Porém, com o sucesso de outras bandas do incipiente rock brasileiro dos anos 80 - o primeiro single de Blitz é de 1982, assim como de Paralamas do Sucesso e Kid Abelha -, a Som Livre tem interesse em lançar o álbum nacionalmente. Assim, Marcelo Nova é convocado para uma reunião com os executivos da gravadora Som Livre, Heleno de Oliveira e João Araújo, pai de Cazuza. Nesse encontro, expõem um "problema" para Marcelo Nova: o nome da banda atrapalharia a divulgação de seu primeiro trabalho (nos jornais Camisa de Vênus era tratado como "Camisa de…"). Eles sugeriram que o nome fosse alterado para um "melhor". Marcelo Nova diz que aceitaria a mudança de nome e propõe que o novo nome seja "Capa de Pica".
Esse encontro selaria o destino do Camisa de Vênus na gravadora Som Livre e seu primeiro disco homônimo, lançado em 1983, teria sua distribuição prejudicada. O disco continha a música Bete Morreu, que faria sucesso nacional, mas que, logo em seguida, teria sua veiculação radiofônica proibida em todo o território nacional pela censura.
Após o lançamento, a banda fica quase um ano sem gravadora, mas acaba assinando com a RGE. Assim, em 1984, foi lançado o segundo álbum da banda, batizado de Batalhão de Estranhos. O álbum traz uma banda mais madura com melhores recursos de estúdio à sua disposição, o que proporciona a realização de um som mais polido e menos agressivo. O segundo álbum da banda traz mais um sucesso de rádio, Eu Não Matei Joana D'Arc e eles voltam em turnê.
Mudança de rótulo
Enquanto assiste a um show da banda, André Midani (na época diretor do selo WEA) vai ao camarim da banda perguntar o que ele precisa para "contratar aquele insulto". Ficou acertado então que Camisa de Vênus lançaria um álbum com gravação ao vivo de um show da turnê, produzido pela Pena Schmidt e lançado pelo selo RGE. Ao analisar o material, decidiram lançar um show em Santos, no dia 8 de março.
Marcelo Nova, que já tinha experiência com canções censuradas, decidiu não enviar o álbum para a Censura, que continuou em vigor apesar do fim da ditadura militar. O álbum Viva foi lançado em 1986 e, quando teve cerca de 40 mil cópias vendidas, foi arrecadado pela Polícia Federal por meio de censura. O próprio Marcelo Nova testemunhou cópias de seu álbum sendo coletadas em São Paulo.
Após esse episódio, o álbum teve oito das dez músicas censuradas por conterem linguagem imprópria. Porém, com a retomada das vendas, apesar da proibição de radiodifusão e, talvez, devido ao impulso obtido com a notícia da censura do álbum, suas vendas atingem a marca de 180.000.
Ainda em 1986, voltaram a entrar em estúdio e gravaram o álbum Correndo o Risco, o primeiro pelo selo Warner. O álbum é produzido por Pena Schmidt, dando continuidade à parceria que só se encerraria com o fim da banda. Vende 300 mil cópias e a canção "Só o Fim" passa a ser a mais tocada nas rádios naquele ano. Além das citadas, os destaques do álbum são as canções "Simca Chambord" e "Deus Me Dé Grana".
Fim da banda
Após mais uma turnê, a banda se reúne em estúdio para gravar um novo álbum. Chamam Raul Seixas para uma participação, que resulta na composição e gravação de Muita Estrela, Pouca Constelação. Marcelo Nova e Camisa de Vênus conheciam Raul desde uma apresentação no Circo Voador, no Rio de Janeiro, em 1984, quando foram informados que Raulzito viria vê-los e acabaria tocando uma seleção de covers de clássicos do rock.
Assim, em outubro de 1987, lançaram o primeiro álbum duplo de rock nacional, Duplo Sentido. A recepção do álbum é menor do que o anterior, talvez refletindo o grande número de músicas. Apesar disso, as vendas totalizam cerca de 40.000, mesmo sem uma grande turnê de promoção.
Desde o álbum anterior da banda, Marcelo Nova vinha pensando em sair para seguir novos caminhos. As relações entre os membros também foram prejudicadas pelos vários anos de convivência. Então, logo após o lançamento deste álbum, ele anuncia à banda que estava deixando o grupo para seguir carreira solo, mas que eles poderiam continuar se quisessem. No entanto, os outros membros decidem encerrar a carreira do grupo.
Em 1995
Em meados de 1995, Karl Hummel ligou para Marcelo Nova querendo voltar com a banda. Para convencer Marcelo Nova disse ter ouvido outro dia na TV que o Skank era a "nova sensação do rock nacional" e que, portanto, eles precisavam voltar. Chamam Robério Santana para retomar o baixo, mas Gustavo Mullem e Aldo Machado decidem não participar. Gustavo Mullem estava trabalhando no exterior e Aldo Machado se tornou cristão e não queria mais jogar no Camisa.
Para completar a banda, Marcelo Nova reúne metade do Camisa de Vênus original com a metade de sua banda suporte do álbum A Session sem Fim. Assim, completam a formação dois antológicos músicos do rock nacional, Luis Sérgio Carlini no violão solo e Franklin Paolillo na bateria, além de Carlos Alberto Calazans nos teclados, músico que acompanha Marcelo Nova desde sua saída do Camisa de Vênus.
Carlini foi guitarrista de Tutti Frutti, banda de Rita Lee nos anos 70 após a saída dos Mutantes e Paolillo tocou com Carlini na Tutti Frutti, participando do álbum Fruto Proibido, e também na formação original do Joelho de Porco.
Com a nova formação, Camisa dá início a uma série de shows e fecha contrato com a Polygram para lançamento de dois discos. Assim, ainda em 1995, gravam um show no Aeroanta, em São Paulo, e lançam o álbum ao vivo Plugado !. O álbum teve boa repercussão, apresentando Camisa para uma nova geração de fãs.
Para consolidar essa fase, no ano seguinte a banda entra em estúdio para gravar o álbum Quem É Você ?. Este álbum conta com a participação de Eric Burdon, lendário vocalista do The Animals, dividindo os vocais com Marcelo Nova e também produzindo um cover de Don't Let Me Be Misundersained. Além disso, conta ainda com a participação de Raimundos na faixa "Essa Linda Canção", que teve grande repercussão na MTV.
Após um ano em turnê, Marcelo Nova decide romper com o Camisa de Vênus e voltar à carreira solo no ano seguinte.
Reunião de 2004
Em janeiro de 2004, a banda se reuniu para tocar na 6ª edição do Festival de Verão de Salvador e também para realizar outros shows. Camisa se apresenta com Marcelo Nova, Karl Hummel e Gustavo Mullem - da formação original - além de Lu Stopa no baixo, Johnny Boy nos teclados e guitarra adicional e Denis Mendes na bateria como banda de apoio. A performance é gravada e lançada no mesmo ano como um DVD ao vivo. No final do ano, a Camisa de Vênus se desfaz novamente.
Reunião de 2007
Em 2007, eles se reuniram para uma turnê com alguns shows pelo Brasil, e também gravaram um DVD ao vivo de um show em Divinópolis. Neste encontro, a banda é formada por Marcelo Nova, Karl Hummel, Robério Santana e Gustavo Mullem, da formação original, além de Luiz Carlini e Denis Mendes.
Reunião de 2009
A banda volta a se reunir no dia 3 de maio de 2009 para show na 5ª edição da Virada Cultural de São Paulo, com a seguinte formação: Marcelo Nova (voz), Robério Santana (baixo), Karl Franz Hummel (guitarra base), Gustavo Mullem (solo de guitarra), Ivan Busic (bateria) e Luiz Carlini (guitarra). Na mesma noite do festival, também se apresentaram bandas de rock como Tutti Frutti, Joelho de Porco e Velhas Virgens. Após a apresentação, Robério Santana, Karl Hummel e Gustavo Mullem decidiram continuar com a banda, mesmo sem a presença de Marcelo Nova. Assim, no início de 2010, a banda anuncia o retorno oficial, porém, com a presença de Eduardo Scott (ex-Gonorréia) nos vocais e Louis Bear na bateria. Essa volta começa com uma série de shows pelo país junto com a banda Raimundos. No final de 2010, Robério Santana volta a deixar Camisa com um músico coadjuvante em seu lugar, o baixista Jerry Marlon. A banda - agora formada por Hummel, Mullem e Scott, além de dois músicos coadjuvantes no baixo e na bateria - planeja lançar álbuns em 2011. Assim, em 2011, a banda lança de forma independente uma compilação - Mais Vivo do que Nunca - com Scott interpretando os clássicos que ficaram imortalizados na voz do Marcelo e com uma música inédita, "Sem Nada". Porém, em 2012, Marcelo Nova, alegando insatisfação com o que considera a má qualidade do lançamento e também com o fato de a banda ter recebido uma bolsa de edital de incentivo à cultura do governo baiano, vai à Justiça para impedir que os três lançam mais álbuns usando o nome "Camisa Venus".
Em 2014, lançou sua terceira temporada com apenas Gustavo Mullem e Karl Hummel da formação original, além de Eduardo Scott nos vocais, mas agora com Ivan Oliveira no baixo e Cloud na bateria.
Turnê de 35 anos
Em 2015, Marcelo Nova e Robério Santana anunciaram a turnê Camisa de Vênus em comemoração aos 35 anos da banda, contando com músicos da carreira solo de Marcelo como banda suporte (Drake Nova, filho de Marcelo, na guitarra; Leandro Dalle na guitarra; outra guitarra; e Célio Glouster na bateria). Nessa turnê, a banda visitou as principais capitais do país, como São Paulo, Rio de Janeiro, Salvador, Curitiba e Recife. A formação atual foi definida como um "rolo compressor" [20] no palco, tocando pelo menos uma música de cada um de seus sete álbuns lançados até agora. [21]
Novo álbum inédito
Show no Sesc Jundiaí no dia 22 de julho de 2016 - Turnê de Lançamento "Dançando na Lua"
Em julho de 2016, após 20 anos sem lançamentos, a banda anunciou a digressão "Dançando na Lua", homónima ao novo álbum, contendo apenas faixas novas.
No dia 22 de julho é lançado oficialmente o novo álbum, tendo como primeiro single a música "Raça Mansa".
Formações
Veja também: Lista de formações da Camisa de Vênus
Atualmente
Marcelo Nova: vocal.
Drake Nova: guitarra.
Leandro Dalle: violão.
Robério Santana: baixo.
Celium Glouster: bateria.
A Cor do Som é um grupo brasileiro formado a partir do seguimento de músicos que acompanharam Moraes Moreira após sua saída de Novos Baianos. Originalmente era esse o nome da banda instrumental que acompanhava Novos Baianos, título sugerido por Caetano Veloso.
História
A banda surgiu em meados de 1977, formada por músicos experientes no cenário nacional. Experimentando novos padrões sonoros, valeu-se de experiências anteriores com Moraes Moreira, Pepeu Gomes, entre outros, sendo considerado um movimento pós-tropicalista. No seu primeiro álbum com o mesmo nome (WEA 1977), os integrantes eram Dadi Carvalho (ex-Novos baianos e Jorge Ben) no baixo, seu irmão Mú Carvalho (ex-A Banda do Zé Pretinho) nos teclados, Gustavo Schroeter (ex -A Bolha) na bateria e Armandinho Macêdo (Trio Elétrico Armandinho, Dodô e Osmar) na guitarra, bandolim e violão baianos. Do segundo álbum, Ao Vivo em Montreux, passa a integrar o percussionista (e colega de Armandinho na outra banda) Ary Dias.
Misturando rock, ritmos regionais e música erudita, foram convidados por Claude Nobs para participar do Festival de Jazz de Montreux, na Suíça, tornando-se o primeiro grupo musical brasileiro a participar do evento. A apresentação contou com quase todo o material inédito e resultou em um álbum ao vivo. A partir do terceiro trabalho, à frutificação, passam a executar canções cantadas a pedido da gravadora, o que os eleva a novos patamares de popularidade.
Após o álbum Changing Station de 1981, Armandinho deixou o grupo para dar continuidade ao projeto anterior e trilhar novos rumos na carreira solo. Foi então substituído por Victor Biglione, que gravou Magia Tropical, em 1982, e As Quatro Fases do Amor, em 1983. Em 1984, voltaram a lançar o álbum instrumental Intuição, já sem Victor Biglione, mas com participações de Egberto Gismonti, Tulio Mourão e Perinho Santana. No ano seguinte, com Perinho nas guitarras, lançaram Som da Cor. Em 1986 gravam Gosto do Prazer (cuja faixa-título passou a integrar a trilha sonora da novela Hipertension). Em 1987, outra mudança: Perinho Santana e Gustavo Schroeter saem e Jorginho Gomes (ex-Novos Baianos) na bateria e Didi - “Claudimar Gomes” (também experiente, tendo tocado com seu irmão Pepeu Gomes e outros) no baixo, levando Dadi para assumir as guitarras. Em 1996, o grupo se juntou à formação original para gravar o disco A Cor do Som Ao Vivo no Circo, gravado no Circo Voador, no Rio de Janeiro. Naquele ano, eles receberam o Prêmio Sharp de Melhor Grupo Instrumental.
Em 2005, com a formação original, o grupo se apresentou no Canecão, no Rio de Janeiro. O show contou com a participação especial de Caetano Veloso, Daniela Mercury, Moraes Moreira, Davi Moraes e Coral dos Canarinhos de Petrópolis, além dos músicos Nicolas Krassik (violino), Nivaldo Ornelas (sax soprano), Marcos Nimrichter (acordeão e teclados ), Jorge Helder (contrabaixo, violão e contrabaixo), Jorginho Gomes (bateria e percussão), Marco Túlio (flauta), Francisco Gonçalves (oboé), Bernardo Bessler (violino), Marie Cristine (viola) e Marcio Mallard (violoncelo).
O show gerou o CD e DVD A Cor do Som Acústico, lançado no mesmo ano com produção musical de Sérgio de Carvalho. Em 2006, receberam o Prêmio Tim de Melhor Grupo, na categoria Canção Popular, desse álbum. A banda continua se apresentando esporadicamente.
Dra. Silvana & Cia. é uma banda brasileira de pop-rock, formada no Rio de Janeiro, capital do estado do Rio de Janeiro.
Suas canções tornaram-se conhecidas nacionalmente por suas letras bem-humoradas e de duplo sentido.
Carreira
Dra. Silvana & Cia. foi formada em 1984 por Ricardo Zimetbaum, Cícero Pestana, Jorge Soledade e Edu Lissovsky, no Rio de Janeiro.
Ele lançou um single na CBS em 1984, Eh! Oh !, e um LP da mesma gravadora no ano seguinte, intitulado Dr. Silvana & Cia. [2] Duas músicas do disco logo se tornaram sucesso: Serão Extra e Taca a Mãe para Ver se Quica.
Em 1985, Dra. Silvana & Cia. participou da coletânea Que Delícia de Rock, também lançada pelo selo CBS.
Em 1987, o segundo álbum, Tide, é lançado.
Em 1989, o grupo lança o terceiro álbum: Ataca Outra Vez, agora pela RGE.
Em 1993, é lançado o quarto álbum do grupo, A Vingança, não tendo o mesmo impacto dos álbuns anteriores.
Em 2005, o álbum Choco, Choco, Chocolate foi lançado.
Em 2015, eles gravaram um DVD em comemoração aos 30 anos de carreira no Rio de Janeiro.
Atualmente, a banda está com uma nova formação e se apresenta em todo o Brasil em eventos próprios ou festas na década de 1980.
Membros atuais
Cícero Pestana (voz e guitarra)
Vagner Beraldo (baixo)
Maurício Mello (bateria)
Egotrip foi uma banda brasileira de pop / rock.
História
O baixista Arthur Maia - que já havia trabalhado com veteranos da MPB como Gal Costa, Caetano Veloso, Roberto Carlos, Djavan e Milton Nascimento - fundou a Egotrip em 1985. Seu álbum de estreia autointitulado foi lançado em 1987. A música "Viagem ao Fundo" do Ego "foi um grande sucesso logo em seguida, sendo incluída na trilha sonora da novela Mandala, da Rede Globo. Outro grande sucesso do grupo foi a canção" Kamikaze ", que alcançou o topo de diversas rádios do Brasil no Brasil. Tempo.
O Egotrip não durou muito, porém: eles se separaram depois que o baterista Pedro Gil (filho de Gilberto Gil) morreu em um acidente de carro em 1990.
Membros
Arthur Maia (baixo, voz, teclado);
Nando Chagas (voz, violão, teclado);
José Rubens (saxofone, teclado);
Francisco Frias (guitarra, violão sintetizado, teclado, arranjos e programação de computador);
Pedro Gil (bateria, teclado).
Engenheiros do Hawaii foi uma banda brasileira de rock, formada em 11 de janeiro de 1985 [1] na cidade de Porto Alegre por Humberto Gessinger (voz e baixo), Carlos Stein (guitarra), Marcelo Pitz (baixo) e Carlos Maltz (bateria) ), que alcançou grande popularidade com suas canções líricas e críticas. Antes de chegar a sua formação final, a banda passou por algumas mudanças, sendo Gessinger o último membro da formação original a permanecer na banda até o "break" ocorrer em 2008, por motivos particulares da banda.
Trajetória
Os primeiros anos (1984 - 1989)
Quatro alunos da Faculdade de Arquitetura da UFRGS - Humberto Gessinger (voz e violão), Carlos Stein (guitarra), Marcelo Pitz (baixo) e Carlos Maltz (bateria) - decidiram formar uma banda para apresentação em festival universitário, que ocorreria protestando contra a suspensão das aulas. O primeiro show da banda foi no dia 11 de janeiro de 1985, eles escolheram o nome Engenheiros do Havaí para satirizar os estudantes de engenharia que usavam shorts de surfista, com os quais tinham certa rivalidade. Começaram a surgir propostas de novos shows e, posteriormente, algumas apresentações em palcos alternativos de Porto Alegre, além de uma série de shows no interior do Rio Grande do Sul. A banda, em menos de quatro meses de carreira, já conseguiu gravar duas músicas da coletânea Rock Grande do Sul (1985) com diversas bandas gaúchas, devido a uma das bandas vencedoras no concurso que somou a compilação desistiu de participar do álbum no último minuto. Quando a banda continuou com os ensaios, durante a greve da faculdade, Carlos Stein fez uma viagem que acabou inviabilizando sua permanência no grupo e, algum tempo depois, ingressou na banda None of Us. Meses se passaram, e Engenheiros do Hawaii gravaram seu primeiro álbum: Longe Demais das Capitals, em 1986. O norte musical do álbum apontava para um som voltado para a música pop, muito próximo ao ska de bandas como The Police e Os Paralamas do Sucesso. Destaque para as canções “Toda Forma de Poder”, que foi tema das novelas Hipertension da Rede Globo e Vitória da RecordTV. "Segurança", assim como "Sopa de Letrinhas" e "Longe Demais das Capitais".
Antes de iniciar as gravações do segundo álbum, Marcelo Pitz deixou a banda por motivos pessoais. Com Gessinger assumindo o baixo, entra o guitarrista Augusto Licks, que já havia trabalhado com Nei Lisboa, conhecido músico gaúcho. Os Engenheiros lançaram o álbum A Revolta dos Dândis, em 1987. A banda mudou o rumo temático, dando início a uma trilogia baseada no rock progressivo, com álbuns com repetições de temas gráficos e musicais e letras em que ocorrem autocitações. Os arranjos musicais são influenciados pelo rock dos anos 1960, as letras são críticas, com a ocorrência de várias antíteses, paradoxos e citações literárias de filósofos como Albert Camus e Jean-Paul Sartre. Destaque para os sucessos "Infinita Highway", "Land of Giants", "Chorus of Bolero" e a faixa-título, dividida em duas partes. Os shows começam para grande público nos centros urbanos do país, como o festival Alternativa Nativa, realizado entre 14 e 17 de junho de 1987. A partir daquela data, os Engenheiros lotariam ginásios e estádios de todo o Brasil. No entanto, houve polêmicas e a banda foi acusada de ser elitista e fascista pelo conteúdo de suas letras. A controvérsia se intensificou quando os membros da banda se apresentaram vestindo camisetas com a estrela de David e a suástica. O próximo álbum, Ouça o que Eu Digo: Não Ouça Ninguém, de 1988, pode ser visto como uma continuação do anterior, tanto pelo trabalho de capa quanto pelo tema e estilo de suas canções. Destaque para as músicas "We Are Who Can Be", "City in Flames", "Tribos & Tribunais", a faixa-título e "Variações Sobre o Same Tema", esta última uma homenagem à banda Pink Floyd, com sua estética progressiva e dividido em três partes. O álbum também marca a saída de Engenheiros de Porto Alegre, mudando-se para o Rio de Janeiro. Com a consolidação da nova formação, os Engenheiros lançaram Alívio Imediato, de 1989, o quarto álbum da banda e seu primeiro disco ao vivo. Suas canções mostram uma retrospectiva de suas principais canções e as novas perspectivas a serem incorporadas, principalmente a sonoridade mais eletrônica, presente na faixa-título e na canção "Nau à Deriva", ambas gravadas em estúdio e as demais gravadas ao vivo no Canecão , no Rio de Janeiro.
Mudança para o Rio de Janeiro (1990 - 1993)
O álbum seguinte, O Papa é Pop, de 1990 consolida a mudança sonora da banda. Puxado pelo hit "Era um menino que como eu amou os Beatles e os Rolling Stones", regravação de uma velha canção do grupo Os Incríveis (por sua vez uma versão da canção "C'era un ragazzo che come me amor i Beatles ei Rolling Stones "de Gianni Morandi), e a faixa-título, quinto álbum dos Engenheiros, investe em um som progressivo, baseado nos solos de guitarra de Licks e uma base mais eletrônica de teclado e bateria. Gessinger também assumiu o piano elétrico e o piano da banda e baladas de voz começaram a surgir. Suas músicas são "Anoiteceu em Porto Alegre", "O Exército de um Homem Só" (dividido em duas partes), "Pra Ser Sincero" e "Perfeita Simetria" (versão alternativa da música "O Papa é Pop"). Entre os novos sucessos, uma música antiga, "Refrão de Bolero", do segundo álbum, A Revolta dos Dândis, também foi muito tocada nas rádios. Aclamados pelo público e massacrados pela crítica, os Engenheiros do Hawaii se consagram no Rock in Rio II, recebendo elogios do jornal americano The New York Times, apesar de serem ignorados pela Folha de S. Paulo. O ano de 1991 marca o lançamento do sexto álbum, Various Variables, que completa a trilogia iniciada no segundo e terceiro álbuns da banda. Há uma redução dos efeitos eletrônicos e a retomada de um som mais rock 'n' roll, mas não repete o mesmo sucesso do anterior, mesmo com a música "Herdeiro da Pampa Pobre", uma regravação de Um hit antigo do Gaúcho da Fronteira, bem executado. nas rádios. Este é um dos álbuns que contém as melhores letras do grupo, porém, o som não é o mais forte do álbum, sendo o mesmo questionado até hoje pelo próprio Gessinger. Pode-se dizer que foi um disco seminal, já que canções como "Piano Bar", "Muros & Grades" e "Ando Só", regravadas em outros discos, se estabeleceram como algumas das melhores da banda.
No ano seguinte, 1992, é lançado o sétimo disco, Gessinger, Licks & Maltz, ou GLM, inspirado no famoso logo ELP de Emerson, Lake & Palmer. A sonoridade segue mesclando elementos da MPB e rock progressivo, com destaque para as canções "Ninguém = Ninguém", "A Conquista do Espaço", "Pose (anos 90)" e "Parabólica", canção que Gessinger escreveu em homenagem a seu. filha Clara, nascida em fevereiro do mesmo ano. O oitavo álbum de Engenheiros é o semi-acústico Filmes de Guerra, Canções de Amor, de 1993, gravado ao vivo na Sala Cecília Meireles, no Rio de Janeiro. A banda considerou este álbum como acústico, pois condicionou este formato à ausência de bateria e violão semi-acústico. Na época, não havia febre acústica registrada pelos grandes nomes nacionais, o que denota o caráter visionário da banda. O álbum foi gravado ao vivo a partir de uma decisão da banda de gravar um álbum ao vivo a cada três álbuns, ideia da banda Rush, que faz o mesmo. Com violões, percussão, piano, acordeão e participação da Orquestra Sinfônica Brasileira em três faixas, regidas por Wagner Tiso, as canções antigas - como "Muros & Grades", "The Army of a Man Only" e "Chrônica" - e composições inéditas - como "Mapas do Acaso" e "Quanto Vale a Vida?", ganharam arranjos que apontaram para o blues, música tradicionalista e erudita, destacando a excelente qualidade das letras de Engenheiros do Hawaii. No mesmo ano, a banda participou do festival Hollywood Rock Brasil, ao lado de brasileiros de Bikini Cavadão, De Falla, Dr. Sin e Midnight Blues Band. No entanto, não foram bem recebidos e receberam muitas vaias. Eles se apresentaram no mesmo dia que L7 e Nirvana. 1993 também marca a primeira turnê dos Engineers no Japão e nos Estados Unidos. Porém, no final do mesmo ano, brigas e brigas internas acabaram resultando na saída do guitarrista Augusto Licks. Começa uma longa disputa judicial pela marca "Engenheiros do Hawaii", com Gessinger e Maltz finalmente levando o nome da banda.
Stormy Times e Gessinger Trio (1994 - 1999)
O passo seguinte foi a remontagem dos Engenheiros, com a entrada do violonista Ricardo Horn. Posteriormente, também integram a banda Paolo Casarin (acordeão e teclados) e o guitarrista Fernando Deluqui (ex-RPM). Depois de dois anos sem gravar, em 1995 os Engenheiros lançam o álbum Simples de Coração. O som é mais pesado, com clima gaúcho regional dado pelo acordeão de Casarin. Destaque para as músicas "A Promessa", "A Perigo", "Dice Throw", "Ilex Paraguariensis" e "Simples de Coração". Houve ainda a canção "O Castelo dos Destinos Cruzados", em que o baterista Maltz assumiu a voz. O álbum Simples de Coração também teve uma versão em inglês, que não atingiu as vendas. Os fãs mais assíduos possuem apenas os MP3s. Paralelamente às gravações do Simples de Coração, Gessinger monta o trio "33 de Espadas", para tocar música instrumental. Ao final da turnê do Simples de Coração, a banda passou por uma grave crise, pois a formação do "quinteto" foi temporária. Longe do sucesso de outros tempos, os Engenheiros estão começando a pensar em seguir outros caminhos. "33 de espadas" faz sua estreia com a formação que viria a se chamar "Humberto Gessinger Trio", com Luciano Granja na guitarra e Adal Fonseca na bateria. O grupo lançou o álbum, também intitulado "Humberto Gessinger Trio" (HG3), em 1996. O clima clean do álbum, basicamente com bateria, baixo e guitarra, lembra os primeiros trabalhos de Gessinger, a exemplo das canções "Vida Real" " Freud Flintstone "," From Faith "e" The Price ". Paralelamente a isso, Carlos Maltz se engaja em um caminho místico e decide abandonar os Engenheiros. A partir daí, o baterista monta o grupo "A Irmandade". Durante a turnê do Humberto Gessinger Trio, há uma mudança constante de nomes de bandas. Os programas que deveriam ser anunciados como HG3 ainda eram apresentados como Engineers of Hawaii.
A verdade é que para um produtor anunciar um show dos Engenheiros do Havaí, uma banda nacionalmente conhecida era muito mais fácil e mais lucrativa do que apresentá-los como Humberto Gessinger Trio, um nome absolutamente desconhecido. Reconhecendo que era inviável continuar com o nome da nova banda, Gessinger volta a se admitir como um Engenheiro do Havaí. Para que haja alguma diferença entre o HG3 e os “novos” Engenheiros do Havaí, ele convida Lúcio Dorfmann para assumir os teclados do grupo, configurando uma nova sonoridade para o grupo, muito próxima do pop que predominou no mercado musical no Brasil. Tempo. O álbum Minuano, de 1997, marca a volta dos Engenheiros do Havaí com esse nome. O álbum mistura influências regionalistas, tecnologia e apresenta arranjos de violino que lembram folk, tornando-o o álbum mais leve e vago da banda. O sucesso de "A Montanha" é grande, assim como outras lindas canções como "Nuvem", "Faz Parte" e "Alucinação", cover de uma velha canção de Belchior. O recorde também marcou a saída de Engenheiros do Havaí do BMG. A saída se deu com o lançamento de uma caixa em formato de lata, intitulada Infinita Highway, contendo o relançamento de todos os dez álbuns da banda até o momento. Todos foram remasterizados, com exceção dos dois últimos (Simples de Coração e Minuano já gravados em CD). ¡Bye Radar !, de 1999, marca a entrada dos Engineers no Universal Music Group e mostra um maior amadurecimento do grupo, onde as influências musicais da banda são mais evidentes (folk rock, rock'n roll dos anos 60, rock progressivo e MPB) com lindas composições de Gessinger, como "Eu Que Não Amo Você", "Seguir Viagem" e "3 X 4", além de duas covers: "Negro Amor" ("It's All Over Now Baby Blue", de Bob Dylan) e "Cruzada" (de Tavinho Moura e Marcio Borges), traz arranjos orquestrais, como é comum em várias faixas do disco.
Nova fase (2000 - 2003)
Do ¡Bye Radar! veio o terceiro álbum ao vivo da banda, e o décimo segundo da carreira: 10.000 Destinos. Mais uma vez, Gessinger revê o repertório consagrado da banda em novas versões divididas em acústico e elétrico e conta com a participação de Paulo Ricardo, cantando "Rádio Pirata" da RPM, e do gaiteiro Renato Borghetti nas canções "Refrão de um Bolero" e " Todas as formas de poder ". Como faixas bônus, gravadas em estúdio, acompanham os inéditos "Números" e "Novos Horizontes", além da regravação de "Quando o Carnaval Chegar", de Chico Buarque. Poucos meses após a apresentação no Rock in Rio III (2001), Lúcio, Adal e Luciano deixam a banda e formam outro grupo, Massa Crítica, mudando mais uma vez a formação dos Engenheiros. Lúcio, Adal e Luciano são substituídos por Paulinho Galvão (guitarra), Bernardo Fonseca (baixo) e Gláucio Ayala (bateria). Gessinger volta a tocar violão, após 14 anos responsável pelo contrabaixo dos Engenheiros. Com a nova formação, eles regravam algumas músicas da banda e lançam a reedição de seu último álbum, agora intitulado 10.001 Destinos. Duplo traz as mesmas faixas do primeiro disco, e novas versões de estúdio das canções "Novos Horizontes", "Freud Flinstone", "Nunca Se Sabe", "Eu Que não Amo Você", "A Perigo", "Concreto e Asfalto "" e "Sem você".
Comecei com essa formação, acompanhando novamente o mercado musical (quando bandas mais pesadas passaram a ter mais espaço), com um som mais limpo e pesado. Isso se confirma em 2002, com o lançamento do álbum Surfando Karmas & DNA, álbum que consolida a nova fase da banda, e que conta com a participação especial do ex-Engenheiros Carlos Maltz na faixa "E-stória". Os destaques do álbum são a faixa-título e as canções "Terceira do Plural", "Esportes Radicais", "Ritos de Passagem" e "Nunca Mais". Há influência do punk rock e do pop rock nas novas canções. O próximo álbum, Dançando no Campo Minado, de 2003, mantém a regra: soar muito parecido com o seu antecessor com canções curtas, violões pesados e poesia crítica de Gessinger denunciando os males da globalização, desilusões políticas e ideológicas e guerra, nas canções " Fusão a Frio "," Dançando no Campo Minado "," Dom Quixote "e" Segunda Feira Blues "(partes I e II, esta última novamente com a participação de Carlos Maltz), porém, coexistindo com certo otimismo nas partes mais emocionais vida. A música Till the End está no rádio.
Acoustic MTV e Acoustic II: New Horizons (Acoustic Tours) (2004 - 2008)
Em 2004, a Engenheiros do Hawaii lança o CD e DVD Acústico da MTV. A acústica conta com as participações dos músicos Humberto Barros (órgão Hammond) e Fernando Aranha (violão). Este último já havia feito uma participação especial no álbum anterior. O álbum se diferencia dos demais por não trazer participações especiais, apenas "fraternas": Clara Gessinger, filha de Humberto, divide a voz com o pai na música Pose (realizada com parte da letra cortada) e Carlos Maltz, cofundador e o ex-baterista dos Engenheiros, que canta junto com Gessinger a música After Us, dele. Além de grandes sucessos como Infinita Highway, Somos Quem Somos e O Papa é Pop e canções recentes como Surfando Karmas & DNA e Up to the End, o álbum traz as canções O Price e Vida Real, ambas do Humberto Gessinger. Álbum do trio. Por fim, são acrescentadas as novas canções "Armas Químicas e Poemas" e "Outras Frequências". Durante a turnê do Acústico, Paulinho Galvão deixa a banda e seu posto é assumido por Fernando Aranha. Já nos teclados, o jovem Pedro Augusto ocupa o lugar de Humberto Barros, que já fazia parte da banda de apoio do Kid Abelha.
O novo álbum, Novos Horizontes, foi gravado nos dias 30 e 31 de maio de 2007, em São Paulo, no Citibank Hall, e foi lançado em agosto de 2007 com nove novas faixas, além de nove regravações. O disco quebrou a seqüência de cada 3 discos no estúdio, um "ao vivo" é gravado. Foi também palco de novas experiências para Gessinger, como o violão sertanejo que ele usa em algumas músicas do álbum. Segundo ele, se tivesse que rever todas as obras dos Engenheiros do Havaí, 'Novos Horizontes' é quem não mudaria nada. Destaque para as novas faixas "Guantánamo", "Coração Blindado", "No Meio de Tudo, Você" e "Quebra-Cabeça". No final de 2007, o então baixista Bernardo Fonseca deixa a banda e Humberto Gessinger assume o baixo. Desde então, a banda voltou a usar guitarras em seus shows. Em 2008, após shows por todo o Brasil, a banda encerrou a turnê acústica, que começou no dia 23 de julho de 2004 com o lançamento de Acústico MTV.
Atividades interrompidas
Junto com o passeio, pelo menos temporariamente, as atividades dos Engenheiros do Havaí. O vocalista e líder da banda, Humberto Gessinger, declarou no site oficial da banda que os planos de retorno da banda são apenas no ano de 2017. Lembrando que é a quinta vez que Gessinger adia a volta dos Engineers. Entre 2008 e 2012 Gessinger se dedicou ao Pouca Vogal, em parceria com Duca Leindecker, vocalista do Cidadão Quem. Juntos, eles cantaram novas baladas e grandes sucessos de suas bandas. Gessinger dedica-se atualmente à sua carreira solo, que começou em 2013 com o lançamento do CD Insular, e continuou com o CD / DVD Insular ao vivo em 2014. Em 2016 inicia uma nova digressão intitulada "Crazy Pra Ficar Legal", excerto de a música "Pra Fica Legal" em 2002. Também lançou 5 livros: Meu Pequeno Gremista e Pra Ser Sincero - 123 Variações sobre o Mesmo Tema no final de 2009, Mapas do Acaso - 45 Variações sobre o Mesmo Tema em fevereiro de 2011, Em Entrelinhas do Horizonte em abril de 2012 e Six Seconds of Attention em agosto de 2013.
2017, 30 anos de A Revolta dos Dandis
No final de 2016, a expectativa de um encontro da aclamada formação clássica GL&M, para comemorar os 30 anos do álbum mais venerado pelos fãs e até por Humberto Gessinger, Augusto Licks e Carlos Maltz: A revolta dos Dândis. Licks é totalmente avesso a aparições públicas, mas em 2015 criou um workshop intitulado "From Quarto Para o Mundo", onde já visitou algumas capitais, e a grande surpresa foi subir ao palco com a cantora Tsubasa Imamura para participar no "Pra Sor Sincero, Gessinger / Licks "mais de 20 anos após o último show com os Engineers. Já Carlos Maltz passou por um momento difícil no final do mesmo ano, pois foi submetido a um procedimento para tratar um aneurisma de aorta. Gessinger manteve os fãs de Carlos atualizados com notas em seu perfil no Facebook e Twitter, fato que quase passou despercebido. Licks então entrou em contato com seu ex-colega de banda. Pelo que se sabe, foi a primeira vez que os dois se falaram desde a saída turbulenta de Licks dos Engenheiros, que segundo o próprio Maltz, foi uma das melhores coisas que lhe aconteceram em um momento tão difícil. Juntando tudo, surgiram rumores de que o tão esperado encontro aconteceria. Infelizmente isso não aconteceu, e dificilmente a marca Engenheiros do Hawaii volta a fazer show, seja com GL&M ou com outra lineup, até porque a carreira solo de Humberto Gessinger é um super sucesso, sucesso de público e crítica, um dos poucos artistas que conseguem se manter atualizados com um público fiel e longe dos grandes holofotes da indústria atual.
Um adendo a A Revolta dos Dandis: nesta fase da banda, a influência do filósofo existencialista francês Jean-Paul Sartre esteve muito presente. Na canção “Rodovia Infinita”, que mudou definitivamente a trajetória dos Engenheiros, por exemplo, há trechos como “a dúvida é o preço da pureza”, frase da obra O Muro, de Sartre. Essa música permite induzir a presença de um tema existencial. Além da citação de The Wall em “Infinita highway”, Sartre é mencionado em “Border Guards” (“Acontece que não tenho escolha / É por isso que sou livre / Não sou o mentiroso / Foi Sartre quem escreveu o livro. ”O próprio Humberto Gessinger, líder da banda Engenheiros do Havaí, diz que“ Infinita Highway ”coloca reflexões existencialistas inspiradas em Sartre numa base musical progressiva., é também o que mais revela as preferências de Humberto por Sartre. o grupo foi acusado de elitista e fascista pelo conteúdo de suas letras. Em resposta, Gessinger disse que o povo brasileiro entende tanto de existencialismo quanto de boxe, sendo os dois produtos de consumo. Entre as faixas que mais claramente demonstram o existencialismo As filosofias são: Rodovia Infinita, Terra de Gigantes, Chorus de Bolero e a faixa que dá nome ao álbum, A Revolta dos Dâ ndis.
Assim, da mesma forma, a filosofia de Camus, Nietzsche e Sartre estão presentes na obra dos Engenheiros do Havaí; a linguagem social dos livros de Ferreira Gullar, John Fante, Arthur Rimbaud e George Orwell; bem como os aspectos regionais e nacionais, característicos das obras de Moacyr Scliar, Carlos Drummond de Andrade e Josué Guimarães.
Quando surgiu a banda Engenheiros do Hawaii, Gessinger utilizou um experimentalismo de sonoridades herdado da Bossa-Nova, Jovem Guarda, Tropicalismo e Rock Progressivo, que ainda carrega o conceitualismo como marca em suas composições, ou seja, o engajamento em torno de um tema.
Formações
Humberto Gessinger é o único integrante da fundação do grupo que participou de todas as suas formações.
Última Formação
Humberto Gessinger - voz, baixo, bandolim, guitarra country, guitarra, acordeão, pedalboard midi, gaita, guitarra e piano (1984-2008)
Gláucio Ayala - bateria e voz (2001-2008)
Fernando Aranha - violão e violão (2004-2008)
Pedro Augusto - teclados (2005-2008)
The Fevers é uma banda brasileira de rock e pop formada no Rio de Janeiro em 1964 [1] e associada à Jovem Guarda. Fez muito sucesso na segunda metade da década de 1960 e início da década de 1970, ganhando fama na década de 1980 com a estreia das novelas (Elas por Elas e Guerra dos Sexos, da Rede Globo). O grupo continua em plena atividade até hoje.
Histórico
Criada em 1964, a banda se chamava originalmente The Fenders [2] e seus integrantes originais eram Almir Bezerra (voz e guitarra), Liebert (contrabaixo), Lécio do Nascimento (bateria), Pedrinho (guitarra), Cleudir (teclados). Em 1965, quando souberam que The Fenders era uma marca registrada do violão, tiveram que escolher outro nome e, influenciados pela música 'Fever' de Elvis Presley, decidiram colocar The Fevers. No primeiro semestre de 1965 chega o saxofonista Miguel Plopschi e em 1969 chega o crooner Luiz Claudio para cantar as canções em inglês.
Gravaram seus primeiros álbuns em 1965 e 1966 para a Philips, os compactos letkiss dance (versão Letkiss), Wooly Bully (Domingo Samudio, na versão) e eu não vivo na solidão. Em 1966, aparecem no filme Na Onda do Iê-Iê-Iê.
Mudando-se para a Odeon em 1966, eles se revelaram um dos mais importantes grupos vocal-instrumentais da Jovem Guarda. Realizaram (muitas vezes sem créditos nos discos) o acompanhamento instrumental de gravações de Eduardo Araújo (O bom), Deny e Dino (Coruja), Erasmo Carlos (os LPs O Tremendão e Você me light), Roberto Carlos (gravações como Eu darei o céu e estou apaixonado por você), Golden Boys, Wilson Simonal (faixas como Mamma passou açúcar em mim), Trio Esperança (LP A festa do Bolinha), Jorge Ben (LP O bidu / Silêncio no Brooklin) e o primeiro LP de Paulo Sérgio.
O grupo foi eleito o melhor conjunto para danças em 1968 e lançou o LP Os Reis do Baile. Em 1965, juntou-se o saxofonista Miguel Plopschi, em 1969 o vocalista Luís Cláudio juntou-se à banda cantando os maiores sucessos em inglês; em 1975 Augusto César ingressou, no ano seguinte Pedrinho deixou a banda. Em 1979, com a saída de Almir, a banda convidou Michael Sullivan.
Em 1982, a música Elas por Elas (Augusto César e Nelson Motta) estreou na novela da TV Globo, colocando o grupo como um dos maiores vendedores de discos e shows do país. Em 1983, outra estreia de novela: a canção Guerra dos Sexos (Augusto César e Cláudio Rabello) trouxe um público mais jovem para conhecer o trabalho do grupo. O componente Miguel Plopschi deixa a banda e assume a direção artística da gravadora BMG da época.
Em 1984, quando fizeram uma participação especial no LP da recém-criada banda infantil Trem da Alegria, ajudaram a elevá-lo ao estrelato, tendo papel fundamental na composição da lendária canção Uni Duni Tê, uma das melhores infantis. canções já criadas no Brasil.
Em 1985, Miguel Ângelo entra como tecladista da banda, Michael Sullivan sai no ano seguinte. Em 1988, Augusto César gravou um disco solo e convidou o talentoso vocalista e violonista César Lemos, que permaneceu no grupo por 3 anos. Em 1988, é a vez de Cleudir sair.
Nos anos 1990, outra mudança na banda: César Lemos sai e entra o guitarrista Rama. Devido a problemas de saúde, o baterista Lécio sai e Darcy entra. Em 1992, Almir Bezerra retorna à banda após 12 anos. Em 1994, Darcy substituiu o baterista Otávio. Com essa formação, o The Fevers passa os anos 90 fazendo hits, mas como se tivessem formado uma nova banda. Em meados de 2000, Almir deixa a banda novamente e quem assume o vocal principal agora é Luiz Claudio.
Em 2004, a maior parte das obras remasterizadas de seu catálogo EMI Music foram lançadas em formato de caixa (caixas comemorativas), em CD com o título “The Fevers Collection”. A coleção é composta por 21 títulos distribuídos em 10 volumes. O primeiro é 0 (zero), intitulado The Fevers and Friends (1966), seguido do volume 1 - A Juventude Manda (1966) e A Juventude Manda 2 (1967), vol. 2 - O Máximo em Festa (1968), v. 3 - The Kings of the Balls (1969) e The Fevers (1970), vol. 4 - The Fevers (1971) e The Fevers 'Musical Explosion (1971), vol. 5 - The Fevers (1972) e The Fevers (1973), vol. 6 - The Fevers (1974) e The Sun Rises for All (1975), vol. 7 - The Fevers Nadie Vive Sin Amor - espanhol (1975), vol. 8 - The Fevers (1976) Muitas dessas obras gravadas em vinil foram remasterizadas digitalmente por Marcelo Froes e relançadas em CD.
Os Fevers participaram ativamente da celebração dos 40 anos da Guarda Jovem. Junto com Erasmo Carlos, Wanderléa e Golden Boys, montaram, sob a direção geral de José Carlos Marinho, o projeto 40 Anos de Rock Brasil - Jovem Guarda, que percorreu as principais capitais atuando nos principais espaços dos Mega Espetáculos pelo Brasil, com extraordinária repercussão. O show foi gravado em DVD no Tom Brasil, em São Paulo, com os discos de ouro e platina. A Jovem Guarda - 40 Anos de Rock Brasil, continuou na estrada, com um novo título, “Festa de Arromba”, e se tornou um dos principais shows voltados para Eventos Coorporativos. Em 2006, administrando o tempo entre shows e outros compromissos, gravaram seu primeiro DVD ao vivo em uma grande apresentação realizada no Clube Português, em Recife. O repertório foi composto por grandes sucessos, como: “Mar de Rosa”, “Agora eu sei”, “Ei menina”, “Venha me ajudar”, “Nathalie”, “Cadê seus olhos negros”, “Se você quiser Eu ”,“ Candida ”,“ Alguém no meu caminho ”,“ Guerra dos sexos ”,“ Eles por eles ”,“ Garoto que amou os Beatles e os Rolling Stones ”,“ Linda garota ”“ Woolly Bully ”e“ Para Sempre". Momentos especiais do DVD, além da atuação perfeita de Fevers, foram as participações especiais de “Renato e Seus Blue Caps” e da Banda “Pholhas”. Direcção Artística de JC Marinho e Produção musical de Liebert Ferreira e Luiz Cláudio. No início de 2007 o DVD e CD, com o mesmo nome, foi lançado pelo selo Polydisc. Como esperado, a dobradinha novamente atinge um novo recorde de vendas, respondendo por mais um CD e DVD de ouro para o grupo. Empolgados com o sucesso do DVD, eles costuraram um novo show, lançando em agosto no palco do Canecão (RJ), o show “Vem Dançar”, com bilheteria esgotada. O repertório do show reproduz o do DVD, justificando muito bem o título “Vem Dançar”. O ritmo contagiante separa o público de um show por quase 2 horas do ritmo forte e contagiante da banda.
Um dos momentos mais importantes e emocionantes da carreira de Fevers foi em 2008, o Concerto “FEVERS INTERNATIONAL TOUR”, no Ontario Place, em Toronto e em Mississauga, Canadá, onde foram homenageados pela comunidade luso-canadiana. A turnê internacional continuou em julho de 2009, The Fevers se apresentou novamente no Canadá, desta vez com maior destaque na Chin Radio Pic Nic, considerado o maior pic nic ao ar livre do mundo, o evento reuniu um público de mais de 150.000 pessoas no Ontario Place em Toronto, realizada novamente em Mississauga e Winnipeg, todos os shows esgotaram. Este é o resultado do excelente trabalho da Band The Fevers e do bom relacionamento que a Marinho Produções mantém com o meio empresarial internacional. A meta da produção e das Fevers é manter o VEM DANÇAR Show pelos próximos três anos, superando a quantidade e a qualidade dos shows realizados em 2010
Comemorando o sucesso e a carreira ininterrupta de quatro décadas, FEVERS lança um novo álbum. E não é apenas “mais um disco” na extensa discografia da banda. É UM NOVO DISCO! Sim, eles não se contentaram com o título de “A Banda Mais Popular do Brasil” ou “A Melhor Banda do Show”. O grupo decidiu inovar, gravando um de seus melhores trabalhos fonográficos até hoje. Um “frescor” dos anos 2000 com a pegada FEVERS. Não é aquele som característico da banda, isso apenas em ouvir a fonte já identificada. Tem o toque do moderno com a qualidade dos 47 anos de experiência em estrada.
Trazendo músicas inéditas, algumas feitas por amigos renomados como os irmãos Rogério “Percy” Lucas e Robson Lucas (“Vício Sem Cura”), do grupo sulista None of Us (“You Will Remember Me”), Alex Cohen e Michael Sullivan (“Vai e Vem”), Cesar Lemos, Karla Aponte e Elsten Torres (“When A Man Cries / When A Man Cries”, além de composições dos integrantes da banda, “Sigo em Frente” (Luiz Cláudio e Francisdeo) e “ O Pecado Mora Ao Lado ”(Rama), este novo álbum do FEVERS aponta para a nova trajetória e sonoridade da banda. Desde 1969 e“ Um Louco ”(Ed Wilson), que a banda estourou em 1988, FEVERS mostrou sua versatilidade na recriação clássicos da carreira para novos ouvintes que chegam., alegria, confiança, com as regravações de “Énecess Saber Viver” (Roberto Carlos e Erasmo Carlos), “Boa Sorte” (O. Vera e H. Sotero - Paulo Coelho versão) e “Marcas do Que Se Foi” (Tavito, Paulo Sérgio Vale, Márcio Moura, Ribeiro, José Jorge e Ruy Mauriti). Para encerrar a obra, o registro que mostra a cara do FEVERS: a gravação de “Eu Nasci A Dez Mil Anos Atrás” (Raul Seixas e Paulo Coelho), com uma pegada e energia que justificam tantas bandas e músicos contemporâneos homenageando o grupo.
Para o resultado final com essa qualidade, buscamos trabalhar com os melhores profissionais e o melhor em tecnologia de equipamentos. Com isso, “Didier Fernan”, dirigiu toda a gravação no Copacabana Studio e em seu Home Studio (RJ), “Cesar Lemos” (ex-integrante do FEVERS), foi o responsável pela gravação no Miami Beat Studio (Miami, EUA) , “Guilherme Reis” mixado no Mega Studio (SP), e o celebrado “Luigi Hoffer” masterizado na DMS - Digital Mastering Solutions (RJ).
E as FEVERES não param. Este novo álbum foi indicado ao Prêmio Música Brasileira 2011. Concorreu com The Fevers, das bandas Clothes Nova e Sua Mãe, na categoria "Melhor Álbum de Canção Popular". A cerimônia de premiação aconteceu no Theatro Municipal do Rio de Janeiro, em julho de 2011, e a banda vencedora foi Roupa Nova. No entanto, para o Fevers a indicação ao prêmio foi uma grande vitória. Com uma agenda de shows bastante requisitada, o Fevers mantém uma média anual de mais de 100 apresentações ao vivo, se apresentando de norte a sul do país e no exterior.
Desde festas populares, passando por eventos corporativos e recepções das camadas mais elitistas da sociedade brasileira, Suas canções marcam épocas, o que prova que The Fevers está marcado no coração de seus fãs e na música popular brasileira. O fato independe de classe social e evidencia o lado cult da banda, confirmando o resultado de pesquisa do Fantástico, da TV Globo: The Fevers é a "Banda Mais Popular do País". Hoje a banda se apresenta no Brasil realizando todos os grandes sucessos de sua carreira com Liebert, Luiz Claudio, Rama, Otávio Monteiro e Claudio Mendes.
Golden Boys é um grupo vocal do movimento Jovem Guarda no Brasil. [1] São originalmente um quarteto doo-wop, formado por três irmãos: Roberto (falecido em 2016), Ronaldo, Renato Corrêa e um amigo, Waldir da Anunciação, falecido em 2004, que os irmãos Corrêa conheceram na Escola Ferreira Viana. Com o sucesso do grupo, Waldir foi apresentado como um "primo" para que os membros parecessem pertencer à mesma família.
Histórico
Os Golden Boys começaram sua carreira muito jovens, por volta de 1958, como uma versão brasileira do ensemble americano The Platters. Destacaram-se em apresentações de rádio e televisão e, inspirados nos quartetos norte-americanos, gravaram diversos discos voltados para o público jovem.
Os irmãos Roberto, Renato e Ronaldo também atuaram como compositores de canções de sucesso gravadas por outros artistas, além de produtores. Os Golden Boys fizeram turnê na década de 1960 por países da América do Sul e gravaram vários álbuns.
Os maiores sucessos foram reunidos em uma coleção de dois volumes da série Best Moments. Algumas dessas faixas são "Cabeção" (Roberto Corrêa / Silvio Sion), "Alguém na Multidão" (Rossini Pinto) e versões de canções dos Beatles, como "Michelle" e "Ontem" ("Ontem").
Depois de se dedicarem ao "iê-iê-iê" brasileiro, no final dos anos 60 e início dos 70 participaram de diversos discos de artistas da música popular e pop-rock brasileira, discos que no futuro se tornariam culto e objeto de desejo dos colecionadores, como o clássico Carlos, Erasmo de Erasmo Carlos, nos discos de Marcos Valle, e até do disco A Matança do Porco do grupo de rock progressivo Som Imaginário.
Os irmãos mais novos formaram o Trio Esperança, com Regina, Mário e Evinha, posteriormente substituídos pela irmã mais nova, Marizinha.
Grafite é uma banda brasileira fundada em 1982. A banda começou a ganhar destaque logo após sua fundação, aparecendo em diversos programas de entrevistas na televisão brasileira, principalmente naquele estrelado pelo apresentador Chacrinha, responsável pela entrega de seus seis álbuns de ouro. Foi formada por Chico Donghia, Humberto Donghia (Tuca) e Paulo de Tarso Donghia e continua na ativa, cujo maior hit foi a música "Mamma Maria".
A formação que alcançou sucesso na década de 1980 também contou com a participação de Cláudia Diniz e Sônia Mattos. Grafitte totalizou mais de 2.000 apresentações em shows ao vivo em sua carreira. Hoje, Grafite tem mais de 10 milhões de visualizações na internet. E ainda hoje, o sucesso Mamma Maria consegue mais de 5.000.000 de visualizações no You Tube e cerca de 200 reproduz nas rádios brasileiras diariamente.
Histórico
Anos 80, lançamento e apogeu
A Banda Grafite foi fundada em meados de 1982 pelos irmãos Chico Donghia, Paulo de Tarso e Humberto Donghia, apresentando os sucessos Seu Lugar (1983, composição de Chico Donghia) Siga-me (1985, de Vinícius Cantuária, recriada com a produção de renomado maestro e o arranjador Lauro Salazar) e o hit Mamma Maria (1984, de Minellono e Farina, com versão em português de Paulinho Camargo), gravada originalmente pelo trio italiano Ricchi & Poveri, rearranjada pelo maestro Lincoln Olivetti, chegando ao topo das paradas nacionais durante vários meses, com milhares de execuções em todas as estações de rádio e televisão de todo o Brasil, bem como execuções em Portugal.
A Grafite, cuja formação original incluía também Cláudia Diniz, Sônia Mattos e Celso Escobar (substituído pouco tempo depois por Paulo Morais), começou a ganhar destaque aparecendo em diversos programas da televisão brasileira, principalmente no estrelado pelo apresentador Chacrinha, com 6 ouros. recordes do programa Cassino Do Chacrinha (Rede Globo de Televisão), programa em que a banda já se apresentou mais de 40 vezes, tornando-se o maior palco de suas apresentações na televisão. A Banda também realizou centenas de apresentações musicais em programas de TV de outras emissoras, como Perdidos na Noite (de Fausto Silva), Programa Raul Gil, Programa Gugu, Programa Sílvio Santos, Hebe Camargo, Barros de Alencar, Flávio Cavalcante, Bolinha, Xou da Xuxa e Jota Silvestre. Em 1989, realizou mais de duas mil apresentações em todo o país.
Anos 90 e 2000
Grafite faz centenas de shows nos anos 90. Em 1992, começaram a gravar o LP Ninive (Oficina do Amor), voltado para a música religiosa, tendo sido lançado oficialmente em 1993.
No início dos anos 2000, trouxeram ao público o show "Beatles in Concert", período que resultou em duas apresentações no Cavern Club de Liverpool, na Inglaterra, e diversas apresentações, durante anos no Teatro Municipal de Niterói (RJ)
Em 2007 a banda Grafite lançou o DVD Festa Ploc 2, gravado no Circo Voador / RJ, com grandes sucessos dos anos 80.
Em 2009 realizaram uma apresentação que contou com dezenove de suas canções intitulada "Grafite História 1982-1989". No ano seguinte, em parceria com a cantora catarinense Marília Dutra, a banda, novamente com Chico Donghia, Paulo de Tarso Donghia e Humberto Donghia em formação, regravou o clássico dos anos 80 Mamma Maria, estreando na novela Malhação , na Rede Globo. Desde 2012 com a formação atual, a Grafite gravou e lançou o álbum Beatles Boleros, em junho de 2017, em plataformas digitais pelo selo Seven Art-Sony Music.
Desde abril de 2015, a banda apresenta o show Beatles Flashback, em homenagem ao grupo homônimo, os Beatles.
Los Hermanos é uma banda brasileira de rock alternativo, formada no Rio de Janeiro em 1997. O som do grupo foi fortemente influenciado por bandas underground da década de 1990, como Acabou La Tequila, Carne de Segunda e Mulheres Q Dizem Sim, entre outras, e por o som de bandas estrangeiras como Weezer e Squirrel Nut Zippers
História
1997 - 1998: O início e a repercussão
Até então, alunos da Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro (PUC-Rio), Marcelo Camelo (jornalismo) e Rodrigo Barba (psicologia) formavam uma banda que neutralizava o peso do hardcore com a leveza das letras sobre o amor. Além disso, a banda contava com um saxofonista e, posteriormente, o tecladista Bruno Medina, aluno de publicidade da mesma faculdade, foi incorporado à formação do grupo. Com a entrada dos músicos Rodrigo Amarante (vocal, violão e percussão) e Patrick Laplan (baixo) e com a saída de três músicos de sua formação (trompetista Márcio e os saxofonistas Carlos e Victor), em 1997 a banda gravou seus primeiros materiais: o demos "Chora" e "Amor e Folia".
As demos repercutiram na cena underground carioca e, posteriormente, Los Hermanos foram convidados para tocar no "Superdemos", grande festival de música independente do Rio, e no festival Abril Pro Rock de Recife, considerado um dos festivais que mais a maioria revela artistas nacionais.
1999 - 2001: Los Hermanos e o sucesso
Em 1999, a banda assinou com a Abril Music e lançou seu primeiro álbum, o homônimo Los Hermanos, que reverberou entre o público jovem, identificado com as letras do estilo Jovem Guarda, mesclado a um grupo musical influenciado pelo rock, ska e samba. O sucesso do álbum foi impulsionado pela música "Anna Júlia", escolhida - pela gravadora - como o primeiro single da obra. O álbum foi produzido pelo famoso produtor Rick Bonadio, conhecido por fazer bandas-fenômenos. Segundo Bonadio, ele foi o responsável por convencer os integrantes da banda a incluírem a música na seleção do repertório final do álbum. O single é inspirado na paixão do produtor da banda e levou a banda não só a rádios de todo o país, mas a diversos eventos, como feiras agrícolas, estádios de futebol e micaretas, além de tocar para mais de 80 mil pessoas em alguns festivais do país, mesmo com um único álbum lançado. A banda foi presença constante em programas populares de audiência ao vivo em canais abertos. Em apenas um semestre, "Anna Julia" já ocupava as primeiras posições das principais rádios do país. Seu videoclipe, que contou com a participação da atriz Mariana Ximenes, foi veiculado constantemente em programas dedicados ao gênero tanto em canais abertos quanto na MTV. Só naquele ano, Los Hermanos já havia vendido 300 mil cópias e tinha dois singles na parada de sucessos, como o já citado "Anna Julia" e o segundo single, "Primavera". O álbum também ganhou uma indicação ao Grammy de 2000.
Na entrega do Prêmio Multishow de Música Brasileira 2000, Marcelo Camelo mostrou que teve vergonha de conquistar Chico Buarque na categoria melhor música, com "Anna Julia". Constrangido, disse: "Cara, nem sei o que dizer. Tenho vergonha de ganhar um prêmio em uma categoria em que o Chico Buarque está competindo".
Em 2001, a música "Anna Júlia" foi gravada pelo ex-Beatle George Harrison. Antes de sua morte, Harrison se juntou ao vocalista Jim Capaldi do Traffic para gravar uma versão em inglês do hit.
2001 - 2002: Bloco Me Alone
Dois anos depois, em 2001, o grupo lançou o álbum Bloco do Eu Sozinho, também na Abril Music. Algumas músicas desse álbum foram tocadas no Rock in Rio III. A banda havia perdido o baixista Patrick Laplan, alegando diferenças musicais, que formou sua própria banda, Eskimo. O Bloco do Eu Sozinho surpreendeu grande parte do público por ser um disco (quase) sem vestígios do anterior. À sonoridade da banda, somaram-se samba melancólicos, bossa nova e outros ritmos latinos. A euforia do primeiro álbum não se repetiu nas vendas e a banda passou a tocar em casas de show menores, com a diminuição de seu público. Porém, a partir daí, a banda ganhou um grande aliado em sua trajetória, justamente o público, que se mostrou cada vez mais fiel. Músicas como o primeiro single "Todo Carnaval tem seu Fim", "A Flor", "Sentimental", entre outras, tornaram-se sucessos além do lado comercial. Após algum tempo do lançamento, a crítica especializada passaria a elogiar o álbum, que ganhou notoriedade a partir do meio após a divergência que existia entre a banda e a gravadora tornar-se conhecida de todos. O guitarrista Rodrigo Amarante passa a ter mais espaço na banda, com composições como "Retrato Pra Iaiá", "Sentimental", "Cher Antoine" e "A Flor" (esta com Marcelo Camelo). Seguiram-se também as participações em "Fordsupermodels" (a banda tocou em palco, fazendo a banda sonora do evento de moda), e em Luau MTV, em que foram incluídas canções do primeiro e segundo CD, em versão acústica, e que mais tarde seria lançado em DVD.
2003 - 2004: Ventura
Marcelo Camelo na Fnac em 2003.
Chegou o ano de 2003 e já no BMG, os Hermanos lançaram o álbum Ventura. Chamado anteriormente de Bonança, foi o primeiro disco brasileiro a "vazar" na fase de pré-produção. O terceiro álbum apresentou um Los Hermanos multifacetado. Do "Samba a Dois" ao pop rock de "O Vencedor" ou aos diálogos de "Conversa de Botas Batidas" e "Do Lado de Dentro", Ventura chegou com o status de disco que consolidaria a banda no cenário nacional. . O primeiro single, "Cara Estranho", teve boa presença nas rádios e na premiação de videoclipes. Depois vieram "O Vencedor" e "Último Romance", este último de Rodrigo Amarante, que assinou 5 das 15 músicas do disco e passou a se destacar como compositor na cena. A cantora Maria Rita, em seu disco homônimo, gravou três músicas de Marcelo Camelo: "Santa Chuva", "Cara Valente" e "Ver Bem Meu Bem". Os shows passaram a abrigar uma legião de fãs que se tornou a marca registrada da banda. Foi na turnê do álbum Ventura, que o DVD Los Hermanos foi gravado no Cine Íris - 28 de junho de 2004, gravado no Rio de Janeiro, com repertório predominante do álbum. Foi nessa época que a banda gravou a trilha sonora do curta Castanho, de Eduardo Valente, no qual o estilo do disco ficou muito evidente na versão primitiva de "Conversa de Botas Batidas" e na música conhecida apenas como "Tema do Macaco ".
Em apresentação da banda no Video Music Brasil (VMB) em 2003, foram apresentados pelo cantor e compositor Caetano Veloso. Ao anunciar a banda, Veloso colocou uma falsa barba ruiva, assim como todos os integrantes das primeiras filas da premiação. Ato classificado como "mico" pelo tecladista Bruno Medina.
Em janeiro de 2004, a banda se apresentou no programa Domingão do Faustão, da Rede Globo. Durante o programa, a banda tocou a música “Anna Júlia”, devido à insistência do apresentador Fausto Silva em dizer que a banda “nunca mais tocou” a música. A banda recebeu um email de um fã questionando e criticando o apresentador. A crítica foi rebatida pelo tecladista Bruno Medina, no site da banda.
Em julho de 2004, o vocalista Marcelo Camelo foi agredido pelo vocalista Chorão, da banda Charlie Brown Jr. O ataque ocorreu no saguão de desembarque do aeroporto de Fortaleza e o agressor foi preso pela Polícia Federal. Charlie Brown Jr., mesmo enviando uma nota pedindo desculpas pelo evento, foi processado por Camelo e teve que indenizar o cantor da banda carioca por danos morais e indenização por compromissos cancelados. O ataque ocorreu por conta das declarações de Marcelo Camelo e Rodrigo Amarante, à revista OI, sobre a então recente campanha publicitária da marca de refrigerantes Coca-Cola. Na época, a banda paulista foi contratada e, no vídeo, questionou um jovem que não concordava com os itens oferecidos no comercial.
2005 - 2007: 4 e hiato
Em 2005 chega o quarto álbum da banda, 4. Produzido por Alexandre Kassin, que assinou os dois últimos, o álbum apresentou um conteúdo mais introspectivo e uma abordagem mais impactante à MPB. O registro, porém, seria considerado "irregular" pela grande crítica. Seja no violão de "Sapato Novo" e na bossa de "Fez-se Mar", ou no predomínio de um clima nostálgico nas letras de Camelo e Amarante, 4 dividiu novamente o público: a banda estava em mais uma direção. O álbum teve como single de grande repercussão a música "O Vento" do violonista Rodrigo Amarante. Seguiu-se o single "Condicional" e "Morena", ambas canções com videoclipes lançados ao mesmo tempo.
Em abril de 2007, a banda anunciou uma pausa indefinida do trabalho, alegando o acúmulo de muitos projetos pessoais ao longo de sua carreira de dez anos. Estava prevista a realização de dois shows de despedida, que aconteceriam nos dias 8 e 9 de junho de 2007, os quais seriam posteriormente lançados no CD e DVD Los Hermanos na Fundição Progresso - 9 de junho de 2007. Porém, devido à grande procura de ingressos (que ali esgotaram rapidamente), a banda decidiu fazer um show extra no dia 7 de junho (um show que não estava incluído no DVD). O álbum foi lançado oficialmente em agosto de 2008 em parceria com o canal Multishow.
2009 - 2010: reuniões esporádicas
Mesmo no recreio, a banda se apresentou duas vezes no festival Just a Fest, nos dias 20 e 22 de março de 2009, nas cidades do Rio de Janeiro e São Paulo, respectivamente. Em shows, estreou com a banda alemã Kraftwerk para a banda britânica Radiohead.
Em 2010, a banda iniciou uma mini turnê pelo Nordeste. Os shows em Fortaleza (no Ceará Music), Salvador e Recife foram confirmados por Bruno Medina em sua coluna no portal G1. Em outubro, a banda se apresentou no festival SWU, realizado no interior de São Paulo. Apesar desta pequena pausa no hiato, nenhuma notícia de novo álbum foi confirmada.
2012 - 2015: Passeios
Em novembro de 2011, Bruno Medina publicou em seu blog pessoal, no G1, que em 2012 Los Hermanos entraria em turnê, as datas coincidem com o 15º aniversário da banda.
“Reconheço que, há alguns dias, venho pensando na melhor maneira de começar a escrever este post que você está lendo; e não é à toa que, afinal, me foi delegada a delicada missão de tornar pública uma notícia que com certeza deixarei muitas mandíbulas rondando, começando pela minha. Sim, embora as circunstâncias me envolvessem diretamente, foi com surpresa que testemunhei a cadeia de feliz coincidências, sem as quais nada do que eu tenho a dizer teria sido possível., eu acho que já fiz bastante suspense, então é hora de parar de rechear salsicha e ir direto ao assunto. É com enorme satisfação, um certo frio na barriga e a expectativa de despertar alguns sorrisos em todo o Brasil que anuncio: 2012 será o ano da turnê de Los Hermanos.
A turnê aconteceu em 12 cidades do Brasil.
Em 5 de dezembro de 2014, a banda anunciou dois shows em outra reunião de membros. As apresentações aconteceram nos dias 30 e 31 de outubro de 2015 em comemoração aos 450 anos da cidade do Rio de Janeiro. A pedido dos fãs, a banda também fez uma turnê pelo Brasil.
2019: Novo retorno
No final de dezembro de 2018, os quatro membros anunciaram a nova turnê da banda. Em 2019, o álbum de estreia completa 20 anos. A estreia da turnê está marcada para 5 de abril, na Arena Fonte Nova, em Salvador.
Em 30 de março de 2019, a banda fez seu primeiro show desde 2015. No Lollapalooza Argentina, a banda tocou músicas de seus quatro álbuns.
No dia 2 de abril de 2019, após 14 anos, a banda lança o single "Corre, Corre".
No mês seguinte, na noite de sábado, dia 4, a banda faz um grande show no Maracanã e toca 26 músicas, comemorando toda a discografia. O programa foi transmitido ao vivo no canal pago Multishow.
O tour apresenta um setlist padronizado. Onde alguns espectáculos foram abertos com “A Flor” e terminaram com um bis de “Deixa o Verão”, “Azedume” e “Pierrot.”.
Segundo o site setlist.fm, no show do Maracanã, o show foi composto por 10 músicas do álbum Ventura, 6 músicas do álbum, 6 músicas do Bloco do Eu Sozinho, 4 músicas do Los Hermanos (álbum de estreia) e o single " Corra corra". Dos 27, Marcelo Camelo canta 16, incluindo "A Flor", que conta com a participação de Rodrigo Amarante, que por sua vez canta 11 canções do concerto.
Em 14 de maio de 2020, a banda lança seu segundo álbum ao vivo Los Hermanos 2019, gravado durante a turnê de comemoração dos 20 anos do primeiro álbum.
Membros
Rodrigo Amarante - voz, violão, percussão, baixo
Rodrigo Barba - bateria, percussão
Bruno Medina - teclado, backing vocals
Marcelo Camelo - voz, guitarra, baixo
Os Incríveis é uma banda de rock brasileira formada em São Paulo, em 1962. Inicialmente, o grupo usava o nome The Clevers - seguindo a moda da época para nomes de ensembles em inglês - e alcançou certo sucesso na época com versões de canções italianas e canções instrumentais, chegando a comandar um programa de televisão. Em 1964, eles tocaram como banda de apoio em apresentação que Rita Pavone fez na TV brasileira e receberam o convite da cantora para acompanhá-la em uma turnê europeia. Na volta, brigam com o empresário - o radialista Antônio Aguillar - que os leva para a Argentina por uma temporada e muda o nome da banda. Continuam fazendo sucesso com o novo nome, lançando álbuns e singles, participando de programas de TV - como Jovem Guarda, e até estrelando o filme - Os Incríveis Nesse Mundo Maluco - dirigido por Brancato Júnior. No final da década de 1960 e início da década de 1970, lançaram uma série de sucessos de repercussão nacional, como "O Milionário", "Minha Oração", "Era um menino que como eu amei os Beatles e os Rolling Stones" e "Eu Te Amo, Meu Brasil ". Porém, devido à pressão gerada pelo sucesso desta última música - da imprensa, do governo e da gravadora, a banda encerrou suas atividades no início de 1972.
No ano seguinte, Mingo, Nenê e Risonho retomaram o grupo acompanhados por músicos de estúdio e lançaram 3 discos e diversos compactos. Em 1981, os músicos da formação original se juntaram para lançar um último álbum e se separaram novamente. No início dos anos 1990, alguns membros da banda até se apresentaram em shows e programas de televisão como The Incredibles, mas nenhum novo álbum foi gravado. Em 1995, Netinho produziu o espetáculo Novo de Novo - em comemoração aos trinta anos de estreia do programa Jovem Guarda - e tentou aproximar a banda, mas, diante da recusa de vários integrantes, resolveu montar o conjunto com novos músicos. A partir desta data, entre os períodos mais calmos e outros mais agitados, o grupo segue se apresentando por todo o país, lançando um DVD em 2015 em comemoração aos 50 anos da mudança de nome da banda. Em 2018, eles lançaram seu primeiro álbum com material inédito desde 1981 e continuam a tocar por todo o país regularmente.
Carreira
O começo: os clevers
Domingos Orlando (Mingo), Waldemar Mozena (Rindo) e Demerval Teixeira Rodrigues (Neno) foram três adolescentes paulistas que conheceram Antônio Rosas Sanches (Manito) - que morava na mesma cidade, mas nasceu em Vigo, na Espanha - e decidiu montar uma banda com ele. O incentivo veio da família Manito de pessoas que sempre tocavam instrumentos e cantavam. Todo mundo gostava de rock - e os estilos derivados que estavam em voga, como o twist. A dificuldade estava em encontrar um baterista, já que Mingo e Risonho tocavam violão; Neno tocava baixo e Manito quase qualquer instrumento de sopro ou teclado. Foi então que o quarteto conheceu Luiz Franco Thomaz (Netinho) - que era natural de Itariri e viera de Santos para estudar - e, ao descobrir que já tocava bateria em uma orquestra, o convidou para integrar o grupo. Mas havia uma condição: ele precisava de uma bateria. Netinho ligou para o avô pedindo o instrumento de presente e, a partir daí, levou o apelido para o resto da vida.
Assim, em 1962, os cinco começaram a ensaiar e tocar em festas. O repertório foi influenciado pelas canções que faziam sucesso na época: twist, surf music e outros rock instrumentais, influenciados por grupos como The Shadows e The Ventures. Nas festas, eles se beneficiavam do fato de alguns deles já terem tocado em outros grupos de relativamente sucesso: The Jet Blacks e The Jordans. Assim, no ano seguinte, em uma dessas apresentações, foram ouvidos pelo radialista e apresentador Antônio Aguillar, que comandava o programa Ritmos para a Juventude, veiculado pela TV Paulista. O apresentador usou o programa para promover bandas de rock que ele passou a gerenciar. E Aguillar já estava trabalhando com esses dois grupos quando conheceu o quinteto. Logo, o apresentador patrocina o grupo, dando-lhes o nome de The Clevers e conseguindo um contrato para gravar alguns singles para a gravadora GEL, através da gravadora Continental, do diretor artístico Diego Mulero - o Palmeira da dupla Palmeira & Biá.
Sucesso
Em agosto de 1963, eles lançaram seu primeiro single, 78 RPM com "Afrika" e "El Relicario", explodindo imediatamente com o lado B. Após o sucesso inicial, a gravadora e o empresário pressionaram os meninos a gravar algo cantando também. Assim, foi lançado em outubro "I Want You Baby" / "Look at My Eyes", com Mingo assumindo os vocais. Seguiu-se também outro 78 RPM em novembro - com "El Novillero" e "Maria Cristina" - e um LP em outubro: Encontro com The Clevers (Twist). No final de novembro, a Folha de S.Paulo já parabeniza Aguilar por ter descoberto o grupo que fazia mais sucesso na época. No início de janeiro de 1964, embarcaram como principal atração de um cruzeiro marítimo - o Princesa Leopoldina - que percorreu várias cidades do Brasil, como Santos, Rio de Janeiro, Belém e Manaus.
No início de 1964, enquanto eles estavam no cruzeiro, a gravadora fez vários lançamentos para construir o sucesso. Em breve, mais três RPM de 78 são lançados: "Jalousie" / "Veneno" em janeiro; "Il Tancaccio" / "Clever's Surf" em abril; e "Girl of My Dreams" / "Se mi Vuoi Lasciari" em maio. Além disso, há o lançamento de dois singles duplos: Encontro com The Clevers (Twist), contendo material do primeiro álbum, que sai em fevereiro; e The Clevers com Hully Gully - em que a gravadora quer pegar carona com a dança da moda em maio. Por fim, no início do ano, também foi lançado o segundo álbum de estúdio do grupo: The Incredibles. Com a volta do quinteto após o cruzeiro e a continuidade do sucesso, em junho gravam seu terceiro álbum - Os Incriveis Vol. 2 - que é lançado no mês seguinte e recebe críticas favoráveis ao grupo.
Rita Pavone
Em junho, saiu a notícia de que Rita Pavone - cantora italiana que fazia enorme sucesso no Brasil com sua música "Datemi un Martello" - viria ao país para se apresentar em São Paulo como parte de sua turnê mundial que passaria pelo Sul América - já se apresentaria antes, também, em Buenos Aires. [8] Ao saber da notícia, Antônio Aguillar - cujo programa já se chamava Reino da Juventude e foi veiculado pela TV Record, após breve passagem pela TV Excelsior - foi falar com Paulo Machado de Carvalho, seu chefe, para conseguir uma aparição do cantor no canal seu programa. O dono da TV Record foi conversar com Teddy Reno assim que o cantor chegou ao Brasil, no dia 19 de junho, e foi acertada uma aparição de Rita no programa de Aguillar e outra na TV Rio, sócia da Record na capital guanabara sobre. Assim, no dia seguinte, Rita assiste à gravação do programa - que seria exibido na tarde de domingo, cantando acompanhada pelo quinteto. A cantora e seu empresário gostam tanto da apresentação da banda que os convidam para serem a banda de apoio nos shows que Rita faria no Teatro Record. Assim, os Clevers ensaiam com a cantora nesta segunda-feira e a acompanham em shows realizados em São Paulo - além de uma performance relâmpago em frente ao prédio da TV Rio, no dia 25 de junho, e em festa no Clube Atlético Monte Líbano, no dia 26
Após as apresentações, o conjunto foi convidado por Rita e seu empresário para uma turnê por mais de 30 cidades europeias, começando em agosto e terminando com o show de encerramento do 25º Festival Internacional de Cinema de Veneza no dia 10 de setembro. Eles viajaram para a Europa na companhia de Brancato Júnior, que seria o representante da banda por lá. Enquanto estavam na Europa, eles compraram equipamentos de primeira linha para o grupo. Enquanto o grupo estava na Europa, a gravadora não parou e começou a lançar um single - o primeiro da carreira da banda - com "Datemi un Martello" e "Sul Cucuzzolo", em agosto, e um single duplo, em setembro. : The Clevers Internacional, Após a volta da banda, também foi lançado o single duplo Veneno.
Essa viagem deu origem a um boato sobre uma relação entre o cantor e o baterista da banda, Netinho. O relacionamento sempre foi confirmado pelo brasileiro - que até falava em casamento na época, mas Pavone nunca comentou sobre o relacionamento. O certo é que a história rendeu - e ainda vale - muita cobertura da imprensa para o grupo. Além disso, Rita Pavone acabaria se casando quatro anos depois, em 1968, com seu empresário.
Mudança de nome
Com a volta do grupo a São Paulo, em setembro, os músicos decidiram trocar de empresário, separando-se de Antônio Aguillar e escolhendo Brancato Júnior para ser seu novo representante. Isso provoca uma briga, com Aguillar acusando Brancato de "envenenar" os músicos para "roubar" sua banda. Como resultado, Aguilar os proíbe de usar o nome The Clevers, que ele registrou em julho como sua propriedade. Inicialmente, a banda e Brancato concordam em mudar o nome para Os Incríveis, fazendo o anúncio para a imprensa em novembro. No entanto, a gravadora resiste à ideia de mudar o nome do grupo que estava gravando o material para o lançamento de um novo álbum em janeiro. Além disso, após o desentendimento, Aguillar também havia registrado a marca Os Incríveis, por meio da qual produzia os LP's que eram lançados pelo grupo. Assim, começa uma batalha judicial pelo nome da banda, que só terminaria em julho de 1965, quando as partes concordam com Aguillar em manter a marca "The Clevers" e dar a marca "The Incredibles" ao grupo e seu novo empresário.
Enquanto a briga ainda acontecia, a gravadora lançou um novo single em janeiro - apresentando "In Ginocchio da Te" e "Raunchy", e o quarto álbum da banda no mesmo mês: Dancing with The Clevers - Os Incredibles Vol 3. O álbum foi, novamente, resenhado pela Folha, mas o grupo chamou mais atenção pela disputa judicial do que pelo conteúdo do disco. A banda, por sua vez, acompanhou a cantora italiana Stella Dizzy em sua aparição na TV Rio em dezembro e viajou à Argentina para cumprir compromissos por lá. O que deveria ter sido uma curta temporada durou até o final de maio, quando voltaram ao Brasil. Em Buenos Aires, tocaram, promoveram a banda e assinaram contrato com a CBS Argentina para gravar e lançar um álbum por lá: Los Increíbles, que só seria lançado no Brasil em fevereiro de 2019.
A Jovem Guarda e sucesso
O sucesso veio no período da Jovem Guarda, com canções populares como "O Milionário", "Minha Oração", "Era um Garoto Quem, Como Me, Amava os Beatles e os Rolling Stones" - uma versão brasileira da canção italiana " Venha comer um regazzo que eu amei Beatles e Rolling Stones ", de Gianni Morandi - e" Eu Te Amo, Meu Brasil ", sendo esta última uma canção de exaltação da pátria brasileira que fez grande sucesso popular durante o governo militar de General Médici.
o fim da banda
Ao longo da década de 1970, ex-integrantes do Incríveis formariam outras importantes bandas de rock brasileiro, Netinho formou a banda Casa das Máquinas e Manito junto com Pedro Baldanza e Pedro Pereira da Silva formaram o famoso grupo progressivo Som Nosso de Cada Dia.
Mingo, Nene e Rindo
encontro e novo fim
o retorno
Entre 2001 e 2005, o grupo voltou a reunir-se algumas vezes.
Legado
Em 2005, "Os Incríveis" foi uma das bandas escolhidas para homenagear o disco "Um barzinho, um violão", onde foram regravadas canções de bandas de grande sucesso das décadas de 1960 e 1970. Foi escolhida a música "O Vagabundo". tocada pela banda Engenheiros do Hawaii.
Membros
formação atual
Rubinho Ribeiro: voz e guitarra (2010 - atualmente)
Sandro Haick: guitarra (1995 - atualmente)
Wilson Teixeira: saxofone (1995 - atualmente)
Leandro Weingaertner: baixo e voz (1995 - atualmente)
Netinho: bateria (1962 - 1972; 1981; 1995 - atualmente)
Inocentes é uma das primeiras e mais importantes bandas de punk rock do Brasil, formada em 1981 por ex-integrantes de duas bandas da periferia de São Paulo, Restos de Nada e Condutores de Cadaver.
História
Começar
O Inocentes foi formado em agosto de 1981 por três ex-integrantes do Condutores de Cadaver, o guitarrista Antônio Carlos Callegari, o baterista Marcelino Gonzales e o baixista Clemente, os mais experientes, pois já havia tocado no Restos de Nada, primeira banda punk de São Paulo. Os três chamaram o novato Maurício para assumir os vocais.
O nome Innocents teria sido inspirado em uma canção dos primórdios do punk inglês, de John Cooper Clarke, "Innocents", que fazia parte da compilação Streets do selo Beggar's Banquet. Suas influências foram bandas como Buzzcocks, The Vibrators, Generation X, New York Dolls, The Saints e Ramones.
Em 1982, foram convidados, juntamente com Cólera e Olho Seco, a participar da coletânea Grito Suburbano, primeira gravação sonora de bandas punk brasileiras, lançada pelo selo Punk Rock Discos em 1982.
Com a explosão do movimento punk paulista em todo o Brasil, Inocentes ganhou projeção nacional e tornou-se um de seus porta-vozes. Eles viraram personagens do vídeo-documentário Garotos do Subúrbio, dirigido por Fernando Meirelles (diretor da Cidade de Deus), exibido no MASP em 1982, e do curta Pânico em SP, dirigido por Mário Dalcêndio Jr. no mesmo ano, já com um novo vocalista, Ariel Uliana Jr., participam do festival O Começo do Fim do Mundo, no SESC Pompéia, em São Paulo, que foi gravado ao vivo e lançado em disco no ano seguinte em compilação.
Em 1983, participaram da invasão do Rio de Janeiro pelos punks paulistas, tocando no Circo Voador com sete bandas punk de São Paulo e mais Paralamas do Sucesso, de Brasília, e Coquetel Molotov, do Rio de Janeiro. Nesse mesmo ano entraram em estúdio para gravar o seu primeiro LP, Miséria e Fome; no entanto, todas as treze músicas compostas no álbum foram censuradas, obrigando a banda a alterar a letra de três delas, que foram gravadas no single Miséria e Fome. Eles participam do longa-metragem Punks, dirigido por Sarah Yakni e Alberto Gieco, e no final do ano, como um trio com Clemente nos vocais, a banda acaba no palco do Napalm (o precursor da boate Madame Satã ), devido aos rumos que o movimento punk havia assumido (as brigas entre gangues aumentavam a cada dia, não havia mais shows e zines).
Inocentes voltou em 1984 com uma nova formação, Antônio "Tonhão" Parlato na bateria, André Parlato no baixo, Ronaldo dos Passos na guitarra e Clemente na voz e guitarra. E também com uma nova proposta, um som mais próximo do pós-punk e o objetivo de tocar além das fronteiras do movimento punk, fazendo parte do chamado rock paulista com bandas como Patife Band, Ira !, As Mercenárias, Voluntários da Pátria, Smack, 365, entre outros. Tocaram na Lira Paulistana, Zona Fantasma, Via Berlin, Rose Bom Bom e Circo Voador, no Rio de Janeiro, onde abriram show da Legião Urbana.
Nesse mesmo ano, Grito Suburbano foi lançado na Alemanha com o nome de Volks Grito, do selo Vinyl Boogie, e a banda foi incluída na coletânea Life is Joke, que traz bandas punk de todo o mundo, lançada pelo selo Weird System , também da Alemanha. .
Os anos na Warner
Em 1986, Branco Mello dos Titãs leva uma demo deles para a Warner, que os contrata, e lança o mini-LP Pânico em SP, produzido por Branco e Pena Schmidt, tornando-se a primeira banda punk brasileira a gravar para uma multinacional. O álbum é bem recebido pela mídia e a banda faz turnês pelo Brasil pela primeira vez. As vendas na Warner são boas, mas não conforme o esperado pela gravadora. Apesar disso, a banda ganha respeito e audiência em todo o país. Pânico em SP apresenta um som mais limpo, mas sem perder as raízes punk rock do grupo, como a regravação de "(Salvem) El Salvador", do single Miséria e Fome, e canções antigas ainda não gravadas, como ska "No Acordem a Cidade", que também foi o primeiro videoclipe da banda. Por a banda ter assinado contrato com uma multinacional, na época alguns punks disseram que foram "vendidos" para o sistema. Este álbum foi posteriormente escolhido pela Rolling Stone Brasil como o sexto melhor álbum de punk rock brasileiro.
O segundo álbum da Warner, Adeus Carne, saiu em 1987 e foi produzido por Geraldo D'Arbilly e Pena Schmidt. Contém canções que tocavam nas rádios de rock, como "Pátria Amada" (que se tornou o seu segundo videoclipe), "Bateria" e "Cidade Chumbo". A mostra de lançamento, realizada no Center Norte, no estacionamento do shopping na Zona Norte de São Paulo, reúne mais de dez mil pessoas. Apesar de tudo isso, a gravadora deixa a banda de lado por considerá-la "difícil" de se trabalhar.
O terceiro álbum da Warner só saiu em 1989, com produção de Roberto Frejat, do Barão Vermelho. Segundo a banda, é um disco um tanto confuso, desde a capa, onde a banda aparece nua e algemada, até o conteúdo, uma mistura de rock'n'roll, punk rock e rap. Tudo isso foi resultado da pressão exercida pela gravadora sobre a banda, que faz o clima interno esquentar, tornando-o insuportável. A capa foi resultado da tentativa da banda de persuadir a gravadora a não colocar os quatro na capa novamente, mas eles adoraram a foto e acabou saindo de qualquer maneira. As gravações foram um tanto tumultuadas e a banda preferiu esquecer os shows de lançamento em São Paulo e no Rio. O resultado de toda esta confusão foi a saída de Tonhão e André Parlato, substituídos por César Romaro na bateria e Mingau no baixo, e a saída da banda da Warner.
anos 90
No início dos anos 90 eles estavam sem gravadora, com poucos shows e pouco dinheiro. A banda percorreu caminhos cada vez mais distantes do punk rock que a consagrou. Em 1991, uma demo com a música "The Black Man" atingiu a rádio 89FM e tocou sem parar. A música, uma mistura de punk rock, rap e rock, conquistou novos fãs e abriu novos horizontes e, em 1992, lançaram Estilhaços, um disco quase acústico do selo Cameratti. Pela primeira vez, a banda frequenta o circuito de shows da Secretaria de Cultura da Cidade de São Paulo, realizando diversos shows gratuitos em casas de cultura da periferia da cidade. A faixa "Hungry" toca nas rádios de rock e a banda retorna à turnê.
Em 1994, as raízes do punk rock começaram a voltar no álbum Subterraneos, lançado pelo selo Eldorado. A banda participa do curta Oppression, de Mirella Martinelli, onde ela interpreta a si mesma e Clemente é assassinado no palco por um bando de skinheads nazistas. O filme ganha diversos prêmios em todo o mundo. Nessa época, Clemente gravou uma versão de "Pânico em SP" com Thaíde & DJ Hum, que acabou mudando a letra e o nome para "Testemunha Ocular". A música faz parte da coletânea No Majors Baby, produzida por Marcel Plasse para o selo Paradoxx, e é a primeira colaboração oficial entre músicos de rock e rap de São Paulo.
Inocentes faz show de abertura da apresentação que os Ramones fizeram no Olímpia, em São Paulo. Foram três dias de briga, com Calegari voltando para a banda, dessa vez pegando baixo no lugar de Mingau, que foi tocar com Dinho Ouro Preto. Os shows tiveram grande repercussão e, quando a banda se preparava para gravar seu novo álbum, apareceram César Romaro e Calegari. Ronaldo convoca o baterista do Full Range Nonô, e Clemente chama um velho amigo para assumir o contrabaixo, Anselmo Guarde (ex-vocalista do SP Caos e ex-baixista do Viúva Velvet e Fogo Cruzado). Com essa formação, no final de 1995, a banda entra em estúdio e grava o álbum Ruas, lançado em 1996, pelo selo Paradoxx. O novo álbum retoma a vibração punk rock. A banda toca no primeiro Planeta Close-up com Sex Pistols, Bad Religion, Silverchair e Marky Ramone, que se torna amigo da banda e divide vários shows no interior. A apresentação no Close-Up Planet reverbera bem e mais uma vez pega a estrada, chegando ao Recife, onde se apresenta no Abril Pro Rock em 1997.
Em 1998 entram em estúdio e gravam Embalado a Vácuo. O disco foi lançado pela Paradoxx, que o vendeu para a Abril Music, que o relançou em 1999, com nova capa e duas faixas bônus. A música "Cala a Boca" toca em rádios de rock, chega ao primeiro lugar por dois meses na rádio Brasil 2000, e só é flanqueada pelo Kiss, que chega ao Brasil para um show no autódromo de Interlagos, no âmbito do tour do recém-lançado Psycho Circus. Eles realizam dois shows, um com o Ultraje a Rigor, na USP, e outro com o Ira !, no SESC Itaquera, reunindo mais de dez mil pessoas por show. Seu último disco pela Abril Music foi "O Barulho dos Inocentes", produzido por Clemente e Rafael Ramos, com versões de várias canções punk brasileiras de que a banda gostou. Eles até fizeram uma versão de "I Wanna Be Your Boyfriend" dos Ramones. Uma versão de "Should I Stay or Should I Go" do The Clash também foi gravada, que não saiu no álbum.
Atualmente
Em janeiro de 2001, gravaram um álbum ao vivo no SESC Pompéia, em São Paulo, intitulado 20 Anos ao Vivo e licenciado para o selo RDS. Fizeram o show de abertura do Bad Religion no Credicard Hall, e logo depois Ronaldo dos Passos resolveu deixar a banda e foi substituído por André Fonseca (de Okotô) nas guitarras. Nonô também deixa a banda e inicia uma constante troca de bateristas.
Ronaldo saiu e tocou com Kid Vinil na Revista voltando algum tempo depois. André Fonseca (ex-Patife Band, Okôto, Inocentes e Titãs) e o baterista Edgar Avian (ex-Grtando Hc, Predial e atual Supla) também saíram, e Frederico Ciociola, Fred, foi convocado em seu lugar. Em 2004, novamente com Ronaldo, gravam o álbum Labirinto para o selo Attack Frontal, produzido pela banda. A primeira prensagem esgotou em menos de uma semana e a música "Travado" começou a tocar nas rádios de rock. A partir desse mesmo ano, Clemente assumiu o segundo vocal de Plebe Rude no lugar de Jander Bilaphra. Desde então, está dividido entre as duas bandas.
Em 2007, com Nonô de volta à bateria e comemorando 25 anos de carreira, a banda gravou o DVD Som e Fúria, no Centro Cultural São Paulo. O disco só foi lançado em 2009 pelo selo Monstro Discos.
Em 2011, em comemoração aos 30 anos de Inocentes e 25 anos de Pânico em SP, primeiro álbum da banda, o WEA relançou os 3 primeiros álbuns da banda (Pânico em SP, Adeus Carne e Inocentes). Na ocasião, foi produzido um minidocumentário comemorativo.
No final de 2013 a banda lançou Sob Controle, na Substantial Music. O disco traz duas novas músicas, novas versões de músicas gravadas na edição comemorativa dos 25 anos do Pânico em SP e gravações ao vivo de clássicos do grupo.
Vai! é uma banda brasileira de rock, formada em 1981, na cidade de São Paulo. A banda anunciou seu fim em setembro de 2007, mas em 2014 voltou aos palcos.
Donos de alguns dos maiores clássicos da história do rock nacional, como Núcleo Base, Mudança de Comportamento, Bobagem, Envelhecimento na Cidade, Dias de Luta, Tarde Vazia, O Girassol, Eu Quero Sempre Mais e Flores em Você, a inauguração Tema da novela O Outros, da Rede Globo de 1987, a banda leva o nome do Exército Republicano Irlandês (English Irish Republican Army). Depois de se afastar da mídia na década de 1980 por preferir permanecer vinculado às suas raízes punk, o Ira! voltou ao mainstream com o lançamento de seu Acoustic MTV em 2004.
História
Subúrbio
No final dos anos 70, no outono da ditadura militar, Edgard Scandurra, fascinado pelo punk rock e, em busca dessa sonoridade, ia a shows na periferia da cidade, para trocar informações com a população. Foi então que Edgard e seu amigo Dino Nascimento resolveram formar uma banda que tocasse punk, sem esquecer Led Zeppelin e Jimi Hendrix. A banda Subúrbio nasceu lá. Hoje crítico musical, Régis Tadeu integrou a banda como baterista. Na época, Edgard estudava no Colégio Brasílio Machado, onde topou com Marcos Valadão Ridolfi, apelidado de Nasi. Mesmo sem conhecê-lo, Edgard sentiu simpatia pelo modo como se vestia, e em uma dessas reuniões os dois acabaram se encontrando e se tornando amigos.
Mais tarde, Edgard chamou Nasi para participar do Subúrbio, na festa de Ira! Em 1980, Edgard foi convocado para o exército e foi lá que compôs "NB" ("Núcleo Básico").
Vai!
Em 1981, Nasi chamava o amigo Edgard para fazer um show na PUC-SP e lá aparecia Ira, ainda sem o ponto de exclamação. O baterista Fábio Scattone e o baixista Adilson Fajardo completaram a formação.
Embora muitos acreditem que o nome "Ira" foi inspirado pelo Exército Republicano Irlandês, isso nada mais é do que um sentimento de raiva. Como havia muitos equívocos quanto ao nome, foi adicionado um ponto de exclamação na tentativa de eliminar outras interpretações, mudando-o para "Ira!".
Dois anos se passaram antes que o produtor Pena Schmidt descobrisse a banda, na época contava com Charles Gavin (que viria a integrar os Titãs) na bateria e Dino (ex-colega do Subúrbio) no contrabaixo, e os levava para a gravadora . Warner, onde Ira! gravaria seu primeiro single, IRA, que contava com as faixas "Gritos na Multidão" e "Pobre Paulista".
Os primeiros LPs
Em março de 1985, após trocar Dino por Ricardo Gaspa, e Charles Gavin pelo ex-titã André Jung, Ira !, com um ponto de exclamação, gravaria seu primeiro LP; Behavior Change, que possui 11 faixas, incluindo "Nucleo Base", "Nobody Needs War", "Away From Everything" e "Nobody Understands a Mod".
No ano seguinte, com maior prestígio dentro e fora da gravadora, a banda lançaria o LP Vivendo e Não Aprendendo. O álbum, lançado em setembro, traz faixas como "Envelheço na Cidade", "Vitrine Viva", "Pobre Paulista" e "Gritos na Multidão", sendo as duas últimas gravadas ao vivo na Broadway, em São Paulo. A música "Flores em Você" fez parte da trilha sonora da novela O Outros, da Rede Globo.
Quatro meses depois, a banda ressurgiria com o lançamento do álbum Psicoacústica. Entre as oito faixas longas estavam "Rubro Zorro", "Manhãs de Domingo", "Doente de Rock 'n' Roll" e um round rap "Advogado do Diabo". A caminho do quarto disco, Edgard Scandurra gravou um disco solo chamado Amigos Invisíveis, onde tocou todos os instrumentos.
Anos 90
O primeiro disco dos anos 90 foi Clandestino. Posteriormente, lançaram o álbum Meninos da Rua Paulo, em 1991. O álbum continha uma versão de "Você Still Pode Sonhar", um remake em português de "Lucy in the Sky with Diamonds", dos Beatles, originalmente gravada pela banda Raulzito e os Panteras, no álbum de mesmo nome, em 1968. Em 1993, Nasi lançou seu primeiro álbum solo com o projeto paralelo Nasi & os Irmãos do Blues. No mesmo ano, o grupo lança o seu sexto álbum, Música Calma para Pessoa Nervosas, obra que encerraria um ciclo de Ira! com a Warner. Foi produzido pelo próprio grupo.
Em 1996, já no selo Paradoxx, o grupo lançou o álbum 7 (primeiro CD da banda, antes de serem LPs). Como faixa bônus, o álbum contou com "Nasci em 62", extraída de um show com a participação de Arnaldo Antunes. O álbum foi gravado logo após uma turnê de quatro shows no Japão que culminou com uma apresentação no Club Cittá. No final do ano Edgard lançou seu segundo álbum solo, Benzina.
Em maio de 1998, Ira! lança Você não sabe quem eu sou. Saindo do rótulo Paradoxx, Ira! desenvolve o embrião do que viria a ser seu nono álbum ao produzir um CD demo, baseado em covers, que acabaria levando o grupo à Abril Music. Em novembro de 1999, Ira! lança álbum de covers Isto É Amor.
Anos 2000
Em 2000, a banda lançou o MTV ao Vivo gravado no Memorial da América Latina em comemoração aos 20 anos de carreira. A ira! se apresenta no Rock in Rio III, em 2001, para 250 mil pessoas. Ricardo Gaspa lança seu projeto de surf music side Huntington Bitches. Em 2001, o grupo lançou o CD Entre Seus Rins, apenas com músicas inéditas.
Em 2004 lançaram Acústico MTV, que trouxe quatro novas faixas e também participações de três gerações diferentes na gravação: Os Paralamas do Sucesso, Samuel Rosa e Pitty.
Em 2007, voltando a inéditos, o grupo lançou o álbum Invisível DJ. Ao todo o disco contém 12 faixas, com a regravação de "Feito Gente", composta por Walter Franco nos anos 70.
Lutas, separação de grupos e projetos solo
Em 2007, após brigas com o irmão e empresário Airton Valadão, Nasi se desligou da banda.
Com isso, os ex-membros do Ira! assumiu plenamente seus projetos, até então, paralelos. Nasi fez carreira solo e lançou quatro álbuns, dois DVDs e sua biografia A Ira de Nasi, escrita pelos jornalistas Mauro Beting e Alexandre Petillo e publicada pela Belas Letras em meados de 2012. Ele frequentemente participa de shows de outras bandas e especiais.
Edgard Scandurra lançou seu DVD Ao Vivo, foi guitarrista das cantoras Bárbara Eugênia e Karina Buhr, integrou a banda suporte de Arnaldo Antunes, voltou para a banda Smack - outra da qual fazia parte no início dos anos 1980, além dos projetos EST , ao lado da cantora Silvia Tape, Les Provocateurs, Pequeno Cidadão, A Curva da Cintura, ao lado de Arnaldo e do músico mali Toumani Diabaté e participaram de shows da banda Cidadão Instigado.
André Jung formou a banda FAUT, ao lado de João Gordo; o projeto Urbano ToTem; e foi produtor de alguns artistas pop nacionais que surgiram no final dos anos 2000, como a banda Stevens e o cantor Manu Gavassi, além de ser patrocinado pela Pearl Drums.
Gaspa voltou à banda Gaspa & Os Alquimistas, gravou seu primeiro disco solo, Gaspa The Bass Player, com participações de Marcelo Nova e Wander Wildner, e realizou projetos musicais ao lado de Luiz Thunderbird.
A reconciliação de Nasi com seu irmão e ex-empresário
No dia 27 de junho de 2012, Nasi e Airton Valadão Júnior, irmão da cantora e ex-empresário da banda, anunciaram à imprensa uma reconciliação após cinco anos de lutas públicas e judiciais. Os irmãos encerraram as ações judiciais que se moviam entre si e contra o Ira! que pertencia ao Júnior, voltou para o Nasi. Na época, o retorno da banda aos palcos não foi anunciado. No início deste ano, em sua página no Facebook e blog, o vocalista disse que não queria voltar com o grupo, mas estava disposto a renovar sua amizade com Edgard Scandurra.
A volta e o Rock in Rio VI
Em meados de 2013, a amizade entre Nasi e Edgard Scandurra foi retomada. A reconciliação foi celebrada em show beneficente realizado no dia 30 de outubro do mesmo ano, no Espaço Traffô, localizado na Vila Olímpia, em São Paulo. O evento contou com a participação especial de Paulo Ricardo, Arnaldo Antunes, do trompetista Guizado, além de uma banda de apoio formada pelo multi-instrumentista Johnny Boy, nos teclados; Daniel Scandurra, filho de Edgard, no baixo; e Felipe Maia, da banda Marrero, na bateria. A renda do evento foi revertida para a Escola NANE, especializada em crianças com dificuldades de aprendizagem. Depois desse show, surgiu a possibilidade de um retorno definitivo aos palcos.
Após um intervalo de sete anos, a banda anuncia seu retorno oficial em janeiro de 2014, porém, sem a presença de André Jung e Ricardo Gaspa, integrantes da formação clássica. Para a nova turnê, foram escolhidos: Johnny Boy nos teclados, Daniel Scandurra no baixo e Evaristo Pádua na bateria (integrante da banda que acompanhou Nasi em sua carreira solo).
Vai! durante sua turnê Ira! Folk se apresentando em Belo Horizonte em 2016.
Desde então, o grupo vem percorrendo todo o Brasil com o espetáculo Núcleo Base. O grupo também se apresentou no Palco Sunset do Rock in Rio no dia 18 de setembro de 2015, primeiro dia da sexta edição do festival. A apresentação, que uniu Rock, Hip-Hop e Soul Music, contou com as participações especiais de Tony Tornado, ícone da música negra brasileira, e do rapper Rappin 'Hood. O espetáculo homenageou Tim Maia, falecido em 1998, com a música "Festa de Santo Reis".
Em 2016, a banda deu início ao Ira! Folk, em formato intimista, apenas com guitarras e baixo acústico. O show foi lançado em DVD em novembro de 2017, em parceria com o Canal Brasil
formação atual
Nasi - voz (1981-2007, 2014-presente)
Edgard Scandurra - guitarra e voz (1981-2007, 2014-presente)
Evaristo Padua - bateria (2014-presente)
Johnny Boy - baixo (presente em 2019) e teclados (presente em 2014)
Mamonas Assassinas, antes chamada de Utopia, foi uma banda brasileira de comic rock formada em Guarulhos em 1989. Sua sonoridade consistia em uma mistura de pop rock com influências de gêneros populares como sertanejo, brega, heavy metal, pagode romântico, forró, música mexicana e voltas. Único álbum de estúdio gravado pela banda, Mamonas Assassinas, lançado em junho de 1995, vendeu mais de 1 milhão 800 mil cópias no Brasil, sendo certificado com disco de diamante comprovado pela Associação Brasileira dos Produtores de Discos (ABPD). Com um sucesso "meteórico", a carreira da banda (sob o nome de Mamonas Assassinas) durou um ano e meio, de outubro de 1994 a 2 de março de 1996, quando o grupo foi vítima de um acidente aéreo fatal na Serra da Cantareira, causando grande comoção nacional. A banda continuou a influenciar a cena musical nacional e foi celebrada mesmo décadas após sua separação.
Carreira
Banda utopia
Início: formação da banda
Artigo principal: Utopia (banda brasileira)
Em março de 1989, Sérgio Reis de Oliveira (que posteriormente adotaria o nome artístico de Sérgio Reoli), enquanto trabalhava na empresa de máquinas de escrever Olivetti, conheceu Maurício Hinoto, irmão de Alberto Hinoto (que posteriormente adotaria o nome artístico de Bento Anthem). Ao saber que Sérgio era baterista, Maurício resolveu apresentar o irmão, que tocava violão. A partir daí, Sérgio conheceu Alberto e decidiram formar uma banda. Na época, Samuel Reis de Oliveira (que mais tarde adotaria o nome artístico de Samuel Reoli), irmão de Sérgio, não se interessava por música, preferindo desenhar aviões. Porém, ao ver Sérgio e Bento ensaiando em casa, Samuel se interessou pela música e começou a tocar baixo elétrico. Assim, formou-se a "cozinha" da banda, com baixo, guitarra e bateria. Os três formaram o grupo Utopia, especializado em "covers" de grupos como Ultraje a Rigor, Legião Urbana, Titãs, Paralamas do Sucesso, Barão Vermelho e Rush, entre outros.
Utopia performando em Guarulhos, década de 1990.
A utopia passou a se apresentar na periferia da Grande São Paulo. Durante show realizado em julho de 1990 no Parque Cecap, um conjunto habitacional de Guarulhos, o público pediu ao trio que cantasse a música "Sweet Child o 'Mine", da banda americana Guns N' Roses. Como não conheciam a letra, pediram a um dos espectadores que subisse ao palco para ajudá-los. Alecsander Alves (que mais tarde adotaria o nome artístico de Dinho) se ofereceu para cantar. Mesmo não conhecendo a letra, sua atuação e embromação provocaram muitas risadas do público. E foi assim que, com sua performance maluca, ele garantiu o posto de vocalista da banda.
Em 1990, por intermédio de Sérgio, o tecladista Márcio Araújo (que mais tarde ficou conhecido como "O Sexto Mamonas") foi adicionado ao grupo. O último integrante da Utopia foi Júlio Cesar Barbosa (que mais tarde adotaria o nome artístico de Júlio Rasec). Júlio era amigo de Dinho e foi incorporado para auxiliá-lo nos covers em inglês, além de atuar como percussionista e consertar fios e cabos dos equipamentos da banda, quando necessário.
Com essa formação, a banda continuou tocando em locais de pouca expressão em São Paulo e região. Em uma de suas entrevistas, o baterista Sérgio Reoli revelou que os melhores shows para a banda foram os benefícios, porque eles não gastaram e nem ganharam dinheiro. Sérgio, também em entrevista, conta que foram fazer show no interior e até dormiram no palco, já que mal dava para pagar a van e ainda por cima, na volta, o Dinho fez um brincou com uma garota que dirigia a Kombi e quebrou a caixa de câmbio.
Rick Bonadio, Gravação de Vinil e Falha Comercial
Em 1992, a banda conheceu Rick Bonadio, e em seu estúdio produziram o vinil Utopia, seu primeiro e único álbum independente, composto por 6 músicas. Das 1.000 cópias produzidas, apenas 100 foram vendidas. Na época, Márcio Araújo cursava engenharia civil na Universidade de Guarulhos, e a rotina de testes e viagens tornou-se um obstáculo para seus estudos e projetos profissionais. Como resultado, ele começou a perder os ensaios de sábado, quando havia aulas na faculdade e viagens durante a semana. Pelo mesmo motivo, nunca gravou nenhuma das faixas do disco de vinil Utopia, embora apareça na fotografia da capa. Após a saída de Márcio Araújo da banda, Júlio Rasec passou a ser o tecladista e back vocal da banda.
Gradualmente, os membros começaram a perceber que as palhaçadas e canções de paródia que faziam nos ensaios para se divertir eram mais bem recebidas pelo público do que "covers" e canções sérias. Aos poucos, algumas paródias musicais foram apresentadas nos shows, temendo a aceitação do público. O público, no entanto, aceitou muito bem as canções de baixa qualidade. Utopia percebeu a chave para o sucesso da banda.
Humilhação em Thomeuzão
O sonho da banda Utopia era cantar na principal academia da cidade de Guarulhos, o Ginásio Paschoal Thomeu (conhecido como Thomeuzão), que só recebe artistas famosos. Dinho e Júlio foram pedir a uma pessoa que cuidava dos eventos que aconteciam na academia que fizesse uma preliminar para um show do Guilherme Arantes, e ouviram: "Essa é uma academia de bandas grandes, não de bandinhas" . O vocalista Dinho, quando barrado, argumentou mal com a autoridade e disse que um dia eles seriam famosos, que o mundo gira e, com isso, a cidade iria pedir para eles tocarem lá.
Mudando o perfil e gravando a fita demo
Artigo principal: Killer Castor Beans (fita demo)
Ao perceber que deveriam mudar de perfil, adotando uma veia mais cômica, gravaram uma fita demo com 2 músicas. Rodrigo Castanho, produtor e técnico de masterização, foi quem acompanhou a gravação, que aconteceu na madrugada de outubro de 1994, no antigo estúdio do produtor Rick Bonadio, na zona norte de São Paulo. Os músicos gravaram as faixas “Mina (Minha Pitchulinha)”, que viria a ser conhecida como “Pelados em Santos”, e “Robocop Gay”. Segundo Castanho, a maior parte das letras foi criada naquela época.
As músicas não estavam completamente prontas e durante a gravação estávamos fazendo os arranjos e as letras. O Dinho fez a maior parte das letras durante a gravação das bases. Risos e mais risos. Uma bagunça total, eram divertidos, espontâneos e naquele momento nasceram as primeiras canções. Eu cortei o cabelo quase careca e ele me apelidou de skinhead e até usou essa palavra na música 'Robocop Gay' só para tirar sarro de mim (nunca perdi a piada).
Rodrigo Castanho, produtor e técnico de masterização, na gravação da fita demo.
Na manhã seguinte, Brown se encontrou com o produtor Rick Bonadio, e elogiou as músicas, dizendo que havia "rido a noite toda" Bonadio, então ele ouviu as faixas e amou as músicas (segundo ele mesmo, "a coisa mais engraçada que eu já tinha ouvido na minha vida"). Ao ouvir "Mina (Minha Pitchulinha)", Rick imaginou que poderia ser a primeira música de trabalho da banda, mas teria que ser menos cafona e ganhar um som mais "rock n roll".
Bonadio se reuniu com o grupo e sugeriu que a mudança de perfil, além da composição das músicas, fosse completa, começando pelo nome. Os nomes sugeridos pelos próprios músicos foram: "Um Rapá da Zé", "Tangas Vermelhas", "Coraçõezinhos Apertados" e "Os Cangaceiros de Teu Pai". E então Samuel sugeriu "Space Killing Mammons", que foi reduzido a "Surprising Mammons". Esse nome de duplo significado se encaixa perfeitamente no novo perfil da banda.
Além do nome, à medida que a banda passou a adotar um jeito mais cômico, os membros mudaram seus nomes e seus trajes, que ficaram menos rock'n'roll e mais caricaturais. Em 2010, a Rede Record, em matéria de Arnaldo Duran para o Jornal da Record, exibiu a primeira aparição de Utopia em um programa de televisão. Esteve no programa Sábado Show, no quadro "Oficina", aberto a bandas de garagem. Nas imagens, é possível observar os trajes dos músicos da Utopia. Bento, por exemplo, aparece com cabelo curto e boné. E os outros com cabelos bem compridos.
A partir da mudança de perfil, passaram a atuar sempre vestidos de Chapolin Colorado, com presidiários, bonés extravagantes e cabelos tingidos, e, claro, com uma postura mais lúdica no palco.
Uma nova gravação demo foi feita. “Mina (Minha Pitchulinha)” ficou mais pesada e passou a se chamar “Pelados em Santos”. "Robocop Gay" ganhou uma nova mixagem e "Vira-Vira" foi gravado pela primeira vez.
Feijão Assassino
Rafael Ramos e o contrato com a EMI
A banda enviou a fita demo com as três músicas ("Pelados em Santos", "Robocop Gay" e "Vira-Vira") para três gravadoras, entre elas Sony Music e EMI. Rafael Ramos, baterista da banda Baba Cósmica e filho do diretor artístico da EMI, João Augusto Soares, gostou tanto do som da banda que fez questão de contratá-la. Rafael deu dicas ao pai sobre novas bandas que enviaram suas músicas para a gravadora.
No início, João Augusto Soares recusou-se a assinar com a banda. Mas Rafael insistiu, e no dia 7 de abril de 1995 seu pai compareceu a um show da banda. Conforme relata o livro Mamonas Assassinas: Blá, Blá, Blá - A Biografia Autorizada, "quando finalmente chegaram João Augusto de Macedo Soares, 39, vice-presidente da gravadora EMI Odeon, seu filho Rafael, 16, e o produtor independente Arnaldo Saccomani , A boate Naked Moon estava quase vazia. Eram dez e meia da noite fria de 7 de abril de 1995. "
Depois de assistir ao show, João Augusto fechou imediatamente contrato com eles.
O álbum homônimo e sucesso comercial
A logomarca da banda se formou em Guarulhos.
No entanto, antes de gravar o disco, surgiu um problema: a EMI queria pelo menos 10 músicas para o CD. A banda mentiu, afirmando que já tinha 7 músicas e que em 1 semana poderiam compor as outras, na verdade só tinham as 3 enviadas para a gravadora. Em uma semana, eles conseguiram compor 12 músicas, totalizando 5 a mais do que o mínimo exigido pela gravadora. Em maio de 1995, a EMI enviou todos os membros para Los Angeles, EUA, para gravar seu único álbum. Seriam 15 faixas, mas uma delas acabou não sendo incluída no CD: a canção "No Peide Aqui Baby", que é uma paródia da canção "Twist and Shout", dos Beatles, foi censurada devido a a grande quantidade de palavrões. Rick Bonadio (apelidado pela banda "Creuzebek") foi o responsável pela gravação, liberação dos músicos e também venda dos shows. Após a gravação do álbum, que foi lançado em 23 de junho de 1995, o álbum passou despercebido nas lojas. Porém, no dia seguinte, quando a 89 FM A Rádio Rock tocou a música "Vira-Vira", os Mamonas deram um grande salto. Foi o álbum de estreia que mais vendeu no Brasil e também o que mais vendeu em um único dia: 25 mil cópias nas primeiras 12 horas após a apresentação da música.
Apesar da letra politicamente incorreta, por incrível que pareça, os Mamonas fizeram tremendo sucesso entre o público infantil Segundo Eduardo Vicente, doutor em Ciências da Comunicação pela Universidade de São Paulo (USP) (em seu artigo Segmentação e consumo: a produção fonográfica brasileira - 1965 -1999) "aparentemente, o fenômeno Mamonas demarcou uma tendência diferente nas canções infantis, em que o visual clean e as letras inofensivas de apresentadoras (como Angélica, Xuxa e Eliana) foram substituídas por imprecisões políticas (e gramaticais), pelas expressões de duplo sentido e da aparência quase ofensiva de figuras como Tiririca (Sony, 1996) e Rodolfo & ET (Virgin, 1998) ”.
Mesmo assim, houve quem quisesse censurá-los. Considerando a letra das canções muito indecente, um diretor da Radiobrás decidiu proibir a execução na rede oficial de rádio. A determinação foi retirada por despacho da presidência da Radiobrás. O diretor foi demitido.
Com grande sucesso comercial, fizeram uma exaustiva turnê, apresentando-se em programas como Jô Soares Onze e Meia, Domingo Legal, Programa Livre, Domingão do Faustão e Parque da Xuxa. Em fevereiro de 1996, eles apareceram na capa da Billboard, em um artigo sobre as vendas inéditas de seu álbum de estreia. Eles tocavam cerca de oito a nove vezes por semana, com apresentações em 24 dos 27 estados brasileiros (Distrito Federal incluído) e ocasionais de dois a três shows por dia. A taxa do Mamonas se tornou uma das mais caras do país, variando entre R $ 40 mil, R $ 50 mil, R $ 70 mil e R $ 100 mil. Com isso, a EMI faturou cerca de R $ 80 milhões com a banda. Ao mesmo tempo, a banda vendeu 50.000 cópias por dia.
Bento Hinoto e Dinho, violonista e vocalista em show realizado em Fortaleza, Ceará, em dezembro de 1995.
Por serem então amados e admirados pelo público, cada vez que apareciam na televisão, a audiência triplicava. Com isso, houve uma briga entre as emissoras para terem Mamonas Assassinas em seus programas. Segundo Rick Bonadio, a Rede Globo de Televisão tentou contratá-los por 3 anos exclusivos, mas a EMI, considerando que isso prejudicaria seus negócios, interrompeu (havia anteriormente barrado, pelo mesmo motivo, a comercialização de produtos licenciados, que, portanto, , só foram lançados postumamente). Na época em que fizeram inúmeros shows, eram apelidados de “steam roller” porque as outras bandas e artistas ficavam com medo e não queriam tocar na mesma cidade em que se apresentavam, já que todos queriam assistir apenas os Mamonas. Esse sucesso, no entanto, causou a rejeição de alguns círculos musicais e jornalísticos.
O logotipo da banda é uma inversão do logotipo da Volkswagen, colocado de cabeça para baixo (com o acréscimo de uma barra horizontal para formar o A), formando um M e um A para "Mamonas Assassinas". Dois veículos da empresa alemã são citados nas músicas: em "Pelados em Santos", o Volkswagen Brasília, e em "Lá vem o Alemão", o Volkswagen Kombi. Os Mamonas preparavam uma carreira internacional, partindo para Portugal preparada para o dia 3 de março de 1996.
5 anos após a humilhação, o tão esperado show em Thomeuzão
Em janeiro de 1996, finalmente conseguiram realizar o sonho de tocar no Thomeuzão, em Guarulhos, que anos antes os rejeitara.
Este show foi marcado por vídeos amadores que mostram o momento em que Dinho se senta no palco e em tom de alívio, manda uma mensagem enérgica, cheia de energia positiva e crítica a quem não acreditou no seu trabalho, dizendo que nunca se deve parar acreditar nos seus sonhos, porque o Mamonas sempre teve o sonho de tocar lá (no Thomeuzão) e tinha a porta fechada na cara. Esse show recebeu um público de 18 mil pessoas. “Um juiz não quis deixar as crianças entrarem, mas tantas pessoas protestaram que ele as soltou mais tarde”, diz Ana Paula Rasec, irmã de Júlio.
No dia 2 de março de 1996, ao retornar de um show em Brasília, o jato Learjet em que viajavam, modelo 25D com o prefixo PT-LSD, colidiu com a Serra da Cantareira, às 23h16, na tentativa de correr, matando todos os que estavam no avião.
O funeral, em 4 de março de 1996, no cemitério do Parque das Primaveras, em Guarulhos, São Paulo, contou com a presença de mais de 65 mil torcedores (em algumas escolas até não havia aula por causa do luto). O funeral também foi transmitido em TV aberta, com canais interrompendo sua programação normal.
O acidente
A aeronave havia sido fretada com o objetivo de transportar o grupo musical para um show no Estádio Mané Garrincha, em Brasília, e estava sob o comando do piloto Jorge Luiz Martins (30 anos) e do copiloto Alberto Yoshiumi Takeda (24 anos). Em 1º de março de 1996, ele transportou esse grupo de Caxias do Sul para Piracicaba, onde chegou às 15h55. Em 2 de março de 1996, com a mesma tripulação e sete passageiros, decolou de Piracicaba às 7h10, com destino a Guarulhos, onde pousou às 7h36. A tripulação permaneceu nas instalações do aeroporto, onde, às 11h02, apresentou o plano de vôo para Brasília, com previsão de decolagem às 15h. Depois de duas mensagens atrasadas, eles decolaram às 4:41 da tarde. O desembarque em Brasília ocorreu às 17h52. A decolagem de Brasília, de volta a Guarulhos, ocorreu às 21h58. O vôo, no nível (FL) 410, ocorreu sem anormalidades. Na descida, cruzando o FL 230, a aeronave com o prefixo PT-LSD chamou de Controle São Paulo, a partir da qual passou a receber vetorização de radar para a aproximação final do procedimento Charlie 2, ILS da pista 09R do São Paulo-Guarulhos Aeroporto Internacional (SBGR). A aeronave apresentava tendência de deriva para a esquerda, o que obrigou o Controle de São Paulo (APP-SP) a determinar novos testes para possibilitar a interceptação do localizador (fim do procedimento). A interceptação ocorreu ao bloquear o marcador externo e fora dos parâmetros de uma aproximação estabilizada.
Sem se estabilizar na aproximação final, a aeronave continuou até atingir um ponto desviado lateralmente à esquerda da pista, com velocidade de 205 nós a 800 pés acima do terreno, quando carregou. O ataque foi realizado em contato com a torre, e a aeronave informou que estava em condições visuais e virada à esquerda, para interceptar a perna do vento. A torre orientou a aeronave para relatar a entrada na perna do vento no setor sul. A aeronave relatou "setor norte". Na perna do vento, a aeronave confirmou que a torre estava em condições visuais. Após algumas ligações da torre, a aeronave respondeu e foi instruída a retornar ao contato com o APP-SP para coordenar seu tráfego com outros dois tráfegos em uma abordagem IFR.
A PT-LSD ligou para a APP-SP, que solicitou informar as suas condições no setor. O PT-LSD confirmou que era visual no setor e solicitou "alongamento da perna de base", sendo então instruído a manter a perna contra o vento, aguardando a passagem de outra aeronave se aproximando por instrumento. Na extensão da perna do vento, no setor Norte, às 23h16, o PT-LSD colidiu com obstáculos a 3.300 pés (1006 metros), nas coordenadas do ponto 23 ° 25 ′ 52 ″ S, 46 ° 35 ′ 58 ″ W .
Em consequência do violento impacto com a serra, o avião explodiu e todos os ocupantes morreram tragicamente no local: Alexandre Alves, o Dinho; o guitarrista Bento Hinoto; o tecladista Julio Rasec; o baixista Samuel Reoli; baterista Sérgio Reoli; o segurança Sérgio Saturnino, o Reco também chamado de anjo da guarda dos Mamonas; roadie (técnico de suporte e primo do Dinho) Isaac Souto apelidado de Shure Lambers; o piloto Jorge Luís Martini e o co-piloto Alberto Yoshiumi Takeda.
Conclusões sobre o acidente
O que consumou o acidente foi uma operação equivocada do piloto Jorge Luiz Martins e seu co-piloto, após uma longa parada de voos que passaram por cidades onde ocorreram as apresentações da banda, segundo o CENIPA, centro de investigação e prevenção de acidentes aeronáuticos, o que assim ele concluiu para explicar o acidente com o jato que causou a morte dos cinco membros do grupo. O que contribuiu para o acidente foi o cansaço do voo, imperícia do copiloto que não possuía horas de voo suficientes para aquele tipo e modelo de aeronave e não foi contratado pela empresa de táxi aéreo MADRID, que transportava a banda, falha de comunicação entre a torre de controle e os pilotos, comparação incorreta e formulação das informações fornecidas pela torre. A 10 quilômetros do Aeroporto Internacional de São Paulo / Guarulhos, os pilotos solicitaram à torre de controle o procedimento de pouso. Após tentativa de pouso malsucedida, a aeronave foi lançada e foi solicitada nova autorização de pouso, a qual foi autorizada pela torre de controle daquele aeródromo. Porém, ao invés de virar à direita, onde fica a Rodovia Dutra, por falha de comunicação e fatores humanos, os pilotos fizeram uma curva à esquerda com o avião, colidindo com a Serra da Cantareira.
Killer Castor Beans e o amor pela aviação
O assassino Mamonas sempre teve uma certa relação com os aviões.
Quando adolescente, Samuel costumava desenhar aviões.
No final da década de 1980, Sérgio, Bento e Samuel formaram a banda Ponte Aérea, que mais tarde se tornou Utopia.
Todos os integrantes do grupo residiam nas proximidades do Aeroporto Internacional de São Paulo-Guarulhos.
No álbum homônimo do grupo Mamonas Assassinas, há um agradecimento a Santos Dumont: “Por ter inventado o avião, senão ainda íamos mixar o álbum a pé” (o álbum foi gravado e produzido nos Estados Unidos).
Um trecho da música "1406" cita um avião: "Você não sabe como parte um coração ver seu filho chorando querendo ter um avião."
Há discos em que Dinho cita o cantor americano Ritchie Valens, conhecido pela música "La Bamba", que morreu em um acidente de avião em 3 de fevereiro de 1959 (no qual os músicos Buddy Holly e The Big Bopper, conhecido no Brasil por o falsete "That's What I Like" de "Chantilly Lace", sampleado por Jive Bunny em uma mixagem que leva essa frase como título). Em um vídeo, Júlio e Dinho cantam a música "Donna", de Valens. Em entrevista ao Top 20 da MTV, na época comandada pelo apresentador Cuca Lazzarotto, Dinho afirmou que Mamonas Assassinas não lançaria um segundo álbum: “Vamos fazer show no interior e vamos single- motor, você já ouviu falar de La Bamba? " .
Em algumas ocasiões, o vocalista chegou a ocupar o lugar do co-piloto durante as viagens do grupo, chegando a levantar a hipótese de que Dinho estava ao lado do piloto na cabine do avião durante o acidente, no lugar do co-piloto Alberto Takeda. As brincadeiras com um possível acidente foram constantes, e várias brincadeiras com a morte foram registradas.
Em entrevista concedida em 1996, Sérgio disse: “O avião em que viajávamos caiu em Brusque, em Santa Catarina, em novembro. Três pessoas morreram. Falha humana. o carro depois do show e também embarcou ”.
Em 2 de março de 1996 (o próprio dia do acidente), Julio disse a um amigo cabeleireiro que sonhara com um acidente de avião. O depoimento foi gravado e teve muita repercussão na época.
O ajudante de palco Isaac Souto (ex-coveiro e primo de Dinho) estava no avião e morreu no acidente após pedir para trocar de lugar com André Oliveira de Brito, o Ralado, o "faz-tudo" dos músicos também conhecido como "sexta mamona".
Legado
"Eles tiveram sucesso sendo eles mesmos"
Em geral, os Mamonas fizeram sucesso entre todas as faixas etárias, mesmo com canções "politicamente incorretas" que não deveriam ser tocadas nas rádios, por conta dos palavrões (e mesmo sendo formados pelos mesmos integrantes do "fracassado" grupo Utopia) , e como se tornassem ídolos do público infantil.
Segundo críticos especializados, a fórmula de sucesso do grupo baseava-se em letras de humor desajeitado e canções ecléticas, com apelo pop, que parodiavam diversos estilos, como rock, heavy metal, brega e até o giro português, entre outros. Para Rafael Ramos, o produtor musical que descobriu o Mamonas, “havia muita coisa acontecendo na época, mas ninguém fez uma coisa tão engraçada. O que veio a seguir foi uma cópia. Eles foram muito carismáticos e, além disso, chegaram antes de muita gente ”.
Outra questão levantada é qual o legado que eles deixaram, já que as letras de suas músicas eram apelativas - como a de "Robocop Gay", que sofreu duras críticas de grupos LGBT - e ainda sofrendo duras críticas da mídia especializada, e até mesmo sendo etiquetadas de ridículos e palhaços da crítica especializada.
Para muitos, a alegria e o humor irreverente, marcas do comportamento de seus jovens, liderados pela comédia natural da cantora, aliadas a letras irreverentes, trajes exóticos e performance pastelão, foram o legado deixado pelo grupo.
“Os Mamonas Assassinas foram os maiores heróis de carne e osso que o Brasil já teve. Heróis no palco, onde tocavam sem reclamar até três vezes por noite. Heróis fora do palco, em nossas casas, onde nos faziam felizes com suas músicas bacanas e suas piadas zombeteiras. "
Eventos pós-acidente
Produtos licenciados liberados
O uso do nome dos Mamonas Assassinas, sob licença autorizada pelos familiares, foi motivo de muita polêmica e especulação. As empresas queriam usar o nome Mamonas, em produtos alimentícios, refrigerantes, brinquedos, roupas, tênis e gibis, entre outros, já que vários produtos piratas já eram vendidos em massa. Portanto, no entendimento do empresário Sami Elia, não havia oportunismo no uso comercial que as empresas queriam dar à marca Mamonas, pois as famílias dos integrantes da banda, da classe média baixa de Guarulhos, tinham todo o direito de usufruir do sucesso conquistado por seus filhos.
Assim, logo após a tragédia que matou a banda, milhares de produtos com a imagem da banda foram comercializados, a saber:
A Estrela lançou um brinquedo (um booger de plástico chamado "Pum-pum Mamonas Assassinas"), que até outubro de 1996 vendeu 300 mil exemplares.
A Panini Brasil lançou um álbum de adesivos que, até fevereiro de 1997, vendeu 250 mil cópias e 20 milhões de envelopes de adesivos. Além de cartões com fotos da banda, o álbum era composto por caricaturas, ilustrações e uma história em quadrinhos. Segundo o cartunista José Alberto Lovreto, foi criada uma história em quadrinhos que explicava às crianças o súbito desaparecimento dos Mamonas Assassinas, para tirar aquele clima de tragédia.
CD-Rom
Ainda em 1996, a EMI lançou o CD-ROM Mamonas Assassinas, com imagens, vídeos, discursos e fotos dos integrantes da banda Mamonas Assassinas, além de gibis, jogos eletrônicos e muito humor.
1996 - DVD MTV on the Road
Poucos meses após o trágico acidente, a MTV Brasil lançou o DVD MTV na Estrada - Mamonas Assassinas, que traz imagens dos shows do grupo em turnê pelo Brasil. [42]
1997 - Lançamento da histórica edição do álbum A Formula do Fenômeno, pela Banda Utopia
1997 foi o ano do lançamento da histórica edição do álbum A Formula do Fenômeno, da Banda Utopia. Intitulado A Utopia dos Mamonas, continha todas as músicas de A Fórmula do Fenômeno, além de duas faixas inéditas.
1998 - Lançamento do álbum Atenção, Creuzebek: a Baixaia Continua!
O ano de 1998 foi marcado pelo lançamento do álbum Attention, Creuzebek: a Baixaia Continua !, basicamente formado por versões ao vivo das canções do único álbum de estúdio do Mamonas, retirado de um show em São Paulo.
Os inéditos "Joelho" (presente no vinil Utopia de 1992) e "Onon Onon", bem como uma versão espanhola de "Pelados em Santos", intitulada "Desnudos en Cancún", foram lançados como single promocional do álbum. [55]
2002 - Lançamento do DVD Show Ao Vivo em Valinhos 1996 (Arquivo da Família)
Em 2002, foi lançado o DVD Show Ao Vivo em Valinhos 1996 (Arquivo da Família), que traz imagens de um programa realizado na cidade de Valinhos, interior de São Paulo, em 1996, em comemoração aos 100 anos da cidade.
2006 - Lançamento do primeiro CD ao vivo: Mamonas Ao Vivo
O álbum Mamonas Ao Vivo foi lançado em 2006 e extraído de uma apresentação da banda no Anhembi, em São Paulo. Inclui a música inédita "No Fart Aqui Baby", que deveria ter sido lançada no álbum homônimo, mas que foi excluída por conter palavrões.
2008 - Especial Para Toda Minha Vida - Killer Mamonas
No dia 10 de julho de 2008, a Rede Globo exibiu o especial Por Toda Minha Vida - Mamonas Assassinas, em homenagem ao grupo. O programa bateu o recorde de audiência horária, com média de 26 pontos no IBOPE. O especial foi repetido mais duas vezes, nos dias 10 de março de 2010 e 5 de março de 2016, além de ter sido lançado em DVD pela Globo Marcas / Som Livre em 2009.
2009 - Documentário Mamonas, o Doc
Em 2009, foi lançado o primeiro documentário sobre a banda. Intitulado Mamonas, o Doc, o documentário é dirigido por Cláudio Kahns e mostra a trajetória da banda desde antes da fama até o auge da carreira.
2011 - Documentário Castor Beans Forever
Em 2011, foi lançado o documentário Mamonas Forever, também dirigido por Claudio Khans. No ano seguinte, Mamonas Assassinas foi indicado ao Grande Prêmio do Cinema Brasileiro na categoria Melhor Trilha Sonora.
Em abril de 2013, o colunista Flávio Ricco, do portal UOL, informou que o diretor e produtor do documentário negociou com o Fox Channel a venda dos direitos de fazer um filme sobre a banda.
2013 - Gravação da música “Renato, o Gaúcho”
Em julho de 2013, Rick Bonadio, produtor musical do grupo, convidou o cantor Falcão, a banda Contra as Nuvens e os músicos Gee Rocha e Daniel Weksler, ambos do NX Zero, para gravar uma música inédita composta pelo tecladista Júlio Rasec e mantida desde então por sua irmã, Ana Paula, em um caderno. A música, que sairia em um segundo álbum, chama-se “Renato, o Gaúcho”, e foi lançada no reality show do Multishow 2013, Fábrica de Estrelas, apresentado por Rick Bonadio. Foi feito um videoclipe para a música, no qual aparecem algumas imagens dos Mamonas.
2015 - Mamona: 20 anos do fenômeno
Em comemoração aos 20 anos do fenômeno Mamonas Assassinas, saiu a notícia de que uma gravadora independente estaria produzindo um CD intitulado Mamonas: 20 anos de Fenômeno, que traria a gravação de um show do grupo. No entanto, a gravadora não anunciou o ano e local desse show, nem o mês de lançamento deste novo álbum.
2016 - O Musical Mamonas Show
Em 2016, O Musical Mamonas foi lançado em homenagem aos 20 anos da banda, com texto de Walter Daguerre e direção de José Possi Neto.
2016 - Killer Castor Beans - The Series
Em 2016, a Record anunciou o projeto de uma minissérie para a televisão chamada Mamonas Assassinas - A Série, com exibição programada para julho do mesmo ano. Devido a problemas de enredo, no entanto, o projeto foi adiado.
Em 2018, a emissora paulista informou que o projeto havia sido retomado, mas ainda sem previsão de lançamento. O projeto também inclui um longa-metragem sobre a banda, com a compactação dos capítulos.
2018 - Canção "Vai Aê"
Em maio de 2018, Tor Sakata e Ruy Brissac lançaram a música "Vai Aê", cuja letra foi postumamente atribuída a Dinho. A obra inacabada teria sido encontrada no ano anterior, em esquetes do falecido cantor, de Santana, sua prima. Ruy Brissac, que interpretou o papel de Dinho em Musical, complementou a letra inserindo alguns trechos novos.
Formação
membros
A banda Mamonas Assassinas foi formada por:
Dinho (Alecsander Alves) - era o vocalista principal e líder da banda. Ele também tocava violão;
Bento Hinoto (Alberto Hinoto) - era o guitarrista da banda. Ele também tocou guitarra e fez backing vocals;
Samuel Reoli (Samuel Reis de Oliveira) - foi baixista da banda e também fez backing vocals;
Sérgio Reoli (Sérgio Reis de Oliveira) - foi baterista da banda e também fez backing vocals;
Júlio Rasec (Júlio César) - foi o tecladista da banda. Também fez backing vocals e backing vocals.
Mercúrio Cromo é uma banda brasileira de rock com canções sobre diversos temas e letras e composições que vão da veia contestatória do punk rock às típicas baladas pop rock, criada em 2005. Como o nome sugere, orgulha-se de ser uma combinação, não necessariamente lógico, de músicos com diferentes gostos e influências musicais.
A banda possui um álbum, dois singles e um EP. Formada por Fábio Adorno, Nando Menezes, Rafael Arruda e Kairo Espósito em São Paulo, a banda abusou da liberdade criativa, poética e técnica até o álbum "Mercurio Cromo" de 2012, repleto de canções com duração e letras inusitadas no mercado musical de cunho comercial . Single em 2013, O Gigante Acordou foi lançado, mantendo as influências do primeiro álbum, mas reduzindo um pouco a duração da composição, mas não deixando de lado - ao contrário, reforçando - sua veia crítica. Dedicada às manifestações populares em junho / julho de 2013, a banda começou a ganhar mais reconhecimento, tendo essa música até tocada na rádio A Rádio Rock 89FM São Paulo. No ano seguinte, 2014, eles lançaram uma releitura do “hino” Pra Frente Brasil, com um clipe polêmico, satirizando a Copa do Mundo realizada no país. A banda passou por algumas reformulações no período entre 2005 e 2013, sempre na bateria: Thiago Mendes entre 2005 e 2007; Kauê Moralez entre 2007 e 2010; Celso Fernando entre 2010 e 2013, até a consolidação de Samuel Souza no cargo. Começaram a gravar o EP Mercúrio Cromo e depois de algum tempo lançaram a faixa "O Que Eu Senti por Você", a primeira música da banda a ter um clipe na televisão. O clipe foi dirigido por Maurício Eça, que já havia dirigido clipes premiados para artistas como Racionais MC's, CPM 22, Pitty e Mafalda Morfina. O EP foi lançado no final de 2014, as faixas "What I Feel for You" e "Todo Mundo Sabe" ganharam clipes e a faixa Lorena ganhou um vídeo lírico, além de um clipe - este foi ao ar no canal Multishow .
História
A banda surgiu e se consolidou em São Paulo, uma cidade plural que tradicionalmente projeta bandas de rock para o cenário nacional. O grupo utiliza temas do cotidiano, crítica política e letras poéticas e reflexivas com combinações de várias vertentes do rock, pop e MPB.
Criada em um condomínio residencial de classe média baixa na periferia de São Paulo, a primeira formação da banda contou com Fábio Adorno (baixo), Rafael Arruda (guitarra - amigo adolescente de Fábio), Nando Menezes (vocal - então namorado de um amigo em comum entre Fábio e Rafael), Kairo Espósito (violão - primo de Fábio) e Thiago Mendes (vizinho de Fábio).
Com o passar do tempo, e por meio de um longo processo de amadurecimento, que envolveu shows, gravações de demos e troca de bateristas, a banda passou por modificações após o álbum Mercúrio Cromo (2012), que, além de ser um novo integrante, também sofreu algumas modificações de o estilo da banda, com variações de timbres e perspectivas artísticas.
O primeiro álbum, homônimo, foi lançado em 2012 e traz alguns elementos e temas que vão do Punk ao Grunge, passando pelo hard rock e pop, e que imprimem um som um tanto pesado e dinâmica fora dos padrões comerciais. Gravado, mixado e masterizado em São Paulo, o álbum tem referências a bandas como Pearl Jam, Mudhoney, Guns N 'Roses, Ozzy Osbourne e até Ramones.
Em 2013, lançaram o Single O Gigante Agreed, em meio às manifestações de junho e julho. Carregada de tons políticos, a faixa já traz alguns elementos que iriam se consolidar ainda mais, como linguagens mais modernas de estrutura e timbres em instrumentos típicos de grandes clássicos do rock (como as guitarras Gibson Les Paul e SG, o baixo Fender Precision e o Shure Microphone SM-55), além da mensagem direta e referências a canções consagradas da música brasileira como “Brasil” de Cazuza, “Como Nosso Pais”, composição de Belchior imortalizada na voz de Elis Regina, e “Geração Coca -Cola ”e“ Que País É Este ”da banda Legião Urbana.
No primeiro semestre de 2014 a banda lança o provocativo single com a releitura de “Pra Frente Brasil”, uma canção famosa, intimamente ligada ao terceiro título brasileiro da Copa do Mundo e ao futebol no país. Lançada junto com um clipe satírico em meio à Copa do Mundo de 2014, a música foi o último lançamento da banda antes do EP, também chamado de “Mercury Cromo”.
Lançado no final de 2014, o EP trouxe mudanças consistentes na banda, nos mais diversos aspectos artísticos e musicais. Forneceu 3 músicas de trabalho, apresentadas em algumas rádios do país, e com clipes em canais especializados como Woohoo, PlayTv e Multishow. A banda também participou de programas de rádios KISS FM e Rádio USP FM, e também de programas de TV em canais como MTV e Record News. Para promover o álbum, eles realizaram inúmeros shows, nos formatos "elétrico" e "acústico".
Membros
Nando Menezes - vocal Nascido: 1978
Cantor e compositor, nascido em São Paulo, já cantou nas bandas Carnificina e InDust.
Fábio Adorno - baixo nascimento: 1985
Compositor e baixista, sua carreira artística começou aos 9 anos, desenhando, mas sua carreira musical se confunde com a de Mercúrio Cromo.
Rafael Arruda - guitarra, vocal Nascido: 1985
Compositor e violonista, iniciou sua carreira em 2003, em São Paulo. Ele tocou na banda Versus antes de fundar a Mercury Chrome. Ele também é ator.
Kairo Espósito - guitarra, vocais Nascido em: 1988
Compositor e violonista, iniciou sua carreira musical em bandas do bairro, em São Paulo. Antes da banda, eu ensinei guitarra.
Samuel Souza - bateria, vocal Nascimento: 1995
Compositor, baterista e amante do futebol, Samuel começou a carreira desde muito jovem, tocando em bandas da vizinhança até ingressar no Mercúrio Cromo.
Os Mutantes é uma banda brasileira de rock psicodélico formada durante o Movimento Tropicalista em 1966, em São Paulo, por Arnaldo Baptista, Rita Lee e Sérgio Dias. Eles também participaram do grupo Liminha e Dinho Leme.
A banda é considerada um dos principais grupos do rock brasileiro. Como a maioria dos grupos da década de 1960, Os Mutantes foram fortemente influenciados pelos Beatles, Jimi Hendrix e Sly & the Family Stone. Porém, os músicos brasileiros também estavam imersos na cultura local, exercendo sua criatividade no uso de feedback, distorção e truques de estúdio de todos os tipos, como fizeram o quarteto de Liverpool e o grupo The Beach Boys. Nesse sentido, os Mutantes foram os pioneiros na mistura do rock and roll com elementos musicais e temáticos brasileiros. Outra característica do grupo era a irreverência. Porque como Os Mutantes, houve uma espécie de mistura de música estrangeira e brasileira e a adição de novas ideias, com doses de experimentalismo, abrindo caminho para o hibridismo musical.
Os Mutantes iniciaram suas atividades em 1966, como trio, quando se apresentaram no programa O Pequeno Mundo, da TV Record, de Ronnie Von. O grupo foi apelidado de Mutantes pelo próprio Ronnie Von, antes de sua estreia na TV. O grupo até então se chamava The Wizards e a sugestão veio do livro The Empire of Mutants, de Stefan Wul. O grupo logo se tornou um dos principais expoentes da nova MPB, influenciada pela Tropicália, até o seu fim em 1978, tendo apenas Sérgio Dias como integrante original. Ao longo desses doze anos, nove álbuns foram gravados, dois dos quais - OA e Z e Tecnicolor - foram lançados apenas na década de 1990. grupos mais criativos, dinâmicos, radicais e talentosos da era psicodélica e da história da música mundial. Em 2006, a banda se reuniu, sem Rita Lee ou Liminha, mas com a presença de Arnaldo Baptista e Zélia Duncan nos vocais. No ano seguinte, Arnaldo e Zélia deixaram a banda, que se recompôs com outros músicos e continua a se apresentar sob a liderança de Sérgio Dias, único remanescente da formação original.
História
Anos 1960 e 1970
Origens
Os Mutantes, 1969. Arquivo Nacional.
Em 1964, os irmãos Arnaldo Baptista e Cláudio César Dias Baptista, juntamente com Raphael Vilardi e Roberto Loyola, fundaram o grupo The Wooden Faces. Um ano depois, eles conheceram e convidaram Rita Lee - então Teenage Singers - para se juntar à banda. Ele também se juntaria ao grupo de Sérgio, o mais jovem da família Baptista. A nova banda foi renomeada Six Sided Rockers, depois O Conjunto e O'Seis.
Em 1966, gravaram um single para a Continental com as composições "Suicida" (de Raphael e Roberto) e "Apocalypse" (de Raphael e Rita), que venderam menos de duzentas cópias. Ainda naquele ano, Cláudio César, Raphael e Roberto deixariam o grupo. Arnaldo, Rita e Sérgio mantiveram o grupo, que foi rebatizado com o nome definitivo Os Mutantes, o nome veio de O Império dos Mutantes, ficção científica de Stefan Wul publicada na Coleção Argonauta de Portugal.
Ronnie Von, uma das estrelas da Jovem Guarda (embora nunca tenha participado do programa de Roberto Carlos, Erasmo Carlos e Wanderléa), dirigia então o programa dominical O Pequeno Mundo de Ronnie Von, veiculado pela TV Record, e não tinha. gostei do nome anterior. Em 15 de outubro de 1966, Os Mutantes estreou no programa. Eles impressionaram tanto que o grupo foi convidado a fazer parte do elenco regular do programa. Eles também participaram das gravações do LP Ronnie Von - nº 3.
Aproximando-se de Tropicalistas
No início de 1967, as mudanças na direção artística do programa reduziram gradativamente a atuação dos Mutantes. Ao discordar das novas diretrizes, deixaram a Record, pois também havia a possibilidade de atuar em outros canais. A convite do Maestro Chiquinho de Moraes, da Rede Bandeirantes, Os Mutantes apareceu no programa "Quadrado e Redondo", apresentado por Sérgio Galvão. Naquela época, conheceram outro maestro, Rogério Duprat, que teria papel decisivo na história do trio. Patrocinados pela Duprat, Os Mutantes passaram a participar dos grandes festivais de música popular brasileira, que estavam em seu apogeu. O maestro sugeriu a Gilberto Gil que convocasse o grupo como banda suporte para gravar "Bom Dia", que seria cantada por Nana Caymmi e inscrita no III Festival da Música Popular Brasileira da TV Record. Outra gravação de Gil classificada para o Festival foi "Domingo no Parque". Embora nenhum de seus integrantes lesse figuras e partituras musicais e conhecesse a complexidade harmônica dos arranjos criados por Gil e Duprat, Os Mutantes se saiu muito bem nos ensaios e acabou participando da gravação de ambos. "Domingo no Parque" conquistou o segundo lugar e aproximou os Mutantes do movimento tropicalista.
Em 1968, o trio assinou contrato com a Polydor, por indicação do produtor Manoel Barenbein. Assim, Os Mutantes, o primeiro álbum da banda, foi lançado. Com arranjos de Duprat e participação especial de Jorge Ben, o LP foi muito inovador e experimental, além de ser fortemente influenciado pela obra dos Beatles. Algumas das faixas que se destacaram são "Senhor F" (que contava com a mãe dos irmãos Baptista, Clarisse Leite, que tocava piano), "Panis et Circenses" (canção composta por Caetano Veloso e Gilberto Gil especialmente para Mutantes) e " Trem Fantasma "(parceria entre Mutantes e Caetano Veloso, que foi composta na casa do produtor Guilherme Araújo). O disco vendeu menos de 10.000 cópias, mas adquiriu status de lenda ao longo dos anos.
Também nesse ano, a banda participou, junto com vários artistas, em Tropicália ou Panis et Circencis, um registro de manifesto do movimento tropicalista, gravando a faixa-título do LP. Ainda naquele ano, o grupo participou de duas sequências - filmadas na boate Ponto de Encontro - de As Amorosas, filme do cineasta brasileiro Walter Hugo Khouri, estrelado por Paulo José, Lilian Lemmertz e Anecy Rocha. Em setembro, eles também participaram do III Festival Internacional da Canção, da TV Globo, defendendo "Caminhante Noturno" (de Arnaldo, Sérgio e Rita), que terminou em sétimo lugar. Mas o episódio mais emblemático daquele festival foi a apresentação de Caetano acompanhado pelos Mutantes como banda de apoio. Na final paulista da FIC, realizada no Teatro da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, eles apresentaram "É Proibido Proibir". A música de Caetano foi recebida sob intensas vaias do público que lotou o auditório. Assim que os Mutantes começaram a tocar a introdução, espectadores enfurecidos jogaram ovos, tomates e pedaços de madeira contra o palco e se afastaram da apresentação. Imediatamente, os Mutantes responderam, sem parar de tocar: deram as costas ao público. Desgostoso com a recepção, Caetano proferiu um longo e acalorado discurso que dificilmente se ouviu por causa do barulho dentro do auditório.
No final daquele ano, os Mutantes estiveram no IV Festival da Música Popular Brasileira, defendendo "Dom Quixote" e "2001", este último numa parceria entre Rita Lee e Tom Zé.
o fim da tropicália
No ano seguinte, os Mutantes percorreram a França, onde se apresentaram no famoso International Disc and Music Publishers Market (Midem), em Cannes, e no tradicional Olympia, em Paris. Em fevereiro foi lançado Mutantes, o segundo álbum da banda - e já com a participação do baterista Dinho Leme e do baixista Liminha. Um dos destaques do LP, a faixa "Caminhante Noturno" foi erroneamente omitida do nome de Sérgio Dias como co-autor.
Os Mutantes, 1972. Arquivo Nacional.
Ainda em 1969, os Mutantes realizaram seu último show com Caetano e Gil. Foi durante a turbulenta temporada da boate carioca Sucata, em que ocorreu o famoso incidente da bandeira nacional, supostamente desrespeitada, no entendimento dos militares que governavam o Brasil na época. Durante a mostra, foi pendurada uma bandeira, desenhada pelo artista plástico Hélio Oiticica, com a inscrição "Seja Marginal, Seja Herói" e a imagem de um famoso traficante da época, Cara de Cavalo, morto pela polícia no palco. Os militares alegaram ainda que Caetano havia cantado o Hino Nacional inserindo versos ofensivos às Forças Armadas. Tudo isso serviu de pretexto político para que os militares suspendessem a apresentação e prendessem Caetano e Gil, posteriormente libertados e exilados no Reino Unido. O episódio é considerado o fim do movimento de vanguarda.
Ainda naquele ano, estreou o show Planeta dos Mutantes, mesclando música, cenas bizarras e psicodelia. No final daquele ano, o grupo defendeu a música "Ando Meio Shutdown" no IV Festival Internacional da Canção.
consolidação de banda
Em março de 1970, foi lançado A Divina Comédia ou Ando Meio Shutdown, considerado um marco na carreira do grupo, que tenta se distanciar do tropicalismo e abraçar o rock para sempre. O grande destaque do LP foi a música-título "Ando Meio Shutdown" (de Arnaldo, Sérgio e Rita). Outro destaque é a regravação de "Chão de Estrelas" (de Sílvio Caldas e Orestes Barbosa), muito criticada pela crítica e puristas da época. No final daquele ano e com o baixista Liminha integrado ao quarteto Arnaldo-Sérgio-Rita-Dinho, os Mutantes voltaram à França para realizar algumas apresentações. A convite do produtor Carl Holmes, eles aproveitaram a oportunidade para gravar algumas músicas no estúdio Des Dames, com o intuito de lançar um álbum principalmente em inglês para atrair o público internacional. Mas a Polydor desistiria do projeto mesmo com um álbum inteiro já gravado. Somente em 2000, seria lançado o álbum, batizado de Tecnicolor.
No início de 1971, a banda foi contratada pela Rede Globo para ser uma das atrações fixas do programa Som Livre Export. Inicialmente, o grupo gostou, mas depois se desinteressou do projeto. Nesse mesmo ano é lançado Jardim Elétrico, álbum em que foram utilizados alguns instrumentos de Cláudio Baptista, irmão mais velho de Arnaldo e Sérgio. Quatro faixas gravadas em Paris foram usadas para o disco. Em 30 de dezembro de 1971, Rita e Arnaldo se casaram. Ela disse anos depois que o casamento era apenas para conquistar a independência dos pais e que os irmãos brigaram para ver quem assinaria o certificado. Ao retornar da lua de mel, o casal rasgaria a certidão de casamento no programa de televisão de Hebe Camargo.
A expulsão de Rita Lee
Rita Lee atuando com Os Mutantes, 1972. Arquivo Nacional.
Em maio de 1972, com dois meses de atraso, foi lançado Mutantes e Seus Cometas no País dos Baurets. O título do álbum é uma homenagem a Tim Maia, que era amigo dos Mutantes e que chamava de "baurets" os cigarros de maconha que fumava. O LP mostrou a transição da banda para o rock progressivo, influenciada pelos grupos Emerson, Lake & Palmer e Yes. A faixa "Cabeludo Patriota" sofreu censura e teve que mudar seu nome para "A Hora e a Vez do Cabeça". A nascer "e ruídos foram sobrepostos para esconder a frase" meu cabelo é verde e amarelo "." Balada do Louco "(Arnaldo e Rita) foi o grande sucesso do álbum e um dos maiores da carreira do grupo. Outras canções foram bem apresentados na mídia, como "Posso perder minha esposa, minha mãe, desde que tenha Rock and Roll" (de Arnaldo, Rita e Liminha), "Vida de Cachorro" (de Arnaldo, Sérgio e Rita) , "Cantor de Mambo" (de Élcio Decário, Arnaldo e Rita), "Todo Mundo Pastou" (de Ismar S. Andrade "Bororó") e "Rua Augusta" (Hervé Cordovil). Este foi o último momento de Rita Lee com a banda , que saiu - ou foi convidado a sair - Mutantes, iniciando uma carreira solo.
Ainda em 1972, descobriu-se que o primeiro estúdio de dezesseis canais do país havia sido instalado em São Paulo. Os Mutantes tentaram convencer a Polydor a lançar outro álbum da banda naquele ano, mas a gravadora, interessada em lançar a carreira solo de Rita Lee, determinou que somente ela assinasse o álbum, alegando que não seria bom para a banda lançar dois LPs no mesmo ano. Por esta razão, o LP Hoje é o Primeiro Dia do Resto da Sua Vida foi creditado apenas a Rita Lee, embora os Mutantes como um todo estivessem ativamente envolvidos tanto na composição quanto na gravação do álbum.
Rita acabou sendo expulsa do grupo, como Arnaldo admitiu em uma entrevista de 2007: "Mandei Rita embora dos Mutantes". [17]
a fase progressiva
Já sem Rita Lee, em 1973 o Mutantes estreou o show "2000 Watts de Som" e gravou OA e o Z, LP que marcou a adesão da banda ao rock progressivo. Todas as suas faixas foram compostas e executadas sob o efeito do ácido lisérgico (LSD), o que desagradou a Polydor, que não aprovou a obra, considerou-a sem valor comercial e decidiu não lançá-la. Além de não divulgar o disco, a gravadora decidiu demitir a banda. O álbum só seria lançado em 1992, pela PolyGram.
Os Mutantes continuaram ativos, mas Arnaldo, debilitado pelo uso contínuo de drogas (principalmente LSD) e deprimido com o fim do casamento, passou a apresentar comportamentos patológicos, recolhendo sacos cheios de lixo, comunicando-se numa espécie de linguagem inventada por ele e fazendo planos para construir uma nave espacial. Em seguida, Arnaldo deixou a banda, seguido pelo baterista Dinho. Em 1974, após briga com os demais integrantes, o baixista Liminha foi o próximo a deixar o grupo.
a queda e o fim
Sérgio Dias decidiu manter a banda, mas teve que reformular toda a sua estrutura. No lugar de Arnaldo entraram Dinho e Liminha respectivamente Túlio Mourão, Rui Motta e Antônio Pedro Medeiros. A nova formação fechou contrato com a Som Livre em 1974, que lançou Tudo Foi Feito por Sol no mesmo ano.
Mesmo após o lançamento do LP, as discussões não cessaram. Em 1976, Sérgio demitiu Túlio e Antônio, sendo substituído por Luciano Alves e Paul de Castro. Arnaldo recusou todos os pedidos do irmão Sérgio para que voltassem a jogar juntos. No mesmo ano, o selo lança Mutantes ao Vivo, gravado no MAM do Rio de Janeiro. O álbum não agradou fãs e críticos.
Em 1978, Arnaldo, que havia formado a Patrulha do Espaço no ano anterior, se reuniu com a banda como convidado especial em uma única apresentação, mas não aceitou o convite de Sergio para voltar aos Mutantes. Com mais algumas desavenças, Sérgio decidiu romper com o grupo. O final não poderia ser mais melancólico: cerca de duzentas pessoas assistem ao último show do grupo, no dia 6 de junho, em Ribeirão Preto.
Depois do fim
Lançamento de OA e Z
Os Mutantes voltou ao noticiário em 1992, quando os principais jornais brasileiros anunciaram que o grupo voltaria à sua formação clássica. O que realmente aconteceu foi um convite de Almir Chediak para o grupo se reunir em uma gravação. Sérgio tocou em alguns discos solo de Rita nas décadas de 1970 e 1980 e se apresentou em alguns de seus shows em 1992. Nesses shows, o público gritava o nome de Arnaldo. Ainda naquele ano, Sérgio Dias convenceu Mayrton Bahia, diretor artístico da PolyGram, a lançar OA e o Z, gravado em 1973. A gravadora atendeu ao pedido do ex-Mutante. Em 1996, a gravadora Natasha Records lançou um álbum tributo aos Mutantes, no qual os diversos sucessos do grupo foram interpretados por artistas da cena pop brasileira, como Arnaldo Antunes, Kid Abelha, Lulu Santos, Pato Fu e Planet Hemp.
Lançamento Technicolor
Em 1999 a gravadora Universal, dona do catálogo da extinta subsidiária brasileira da Polydor, finalmente decidiu lançar Tecnicolor, álbum gravado pela banda durante sua passagem pela França em 1970. A ilustração e caligrafia do álbum, na versão editados em 1999, são por Sean Lennon. [12] [13] [14] Na época, em 1970, a PolyGran English convidou o grupo para morar em Londres e pediu que gravassem um álbum com músicas na língua inglesa. Somente Arnaldo Baptista soube desse convite e só contou aos demais integrantes após retornar ao Brasil.
Em fevereiro de 2005, a revista britânica Mojo incluiu o álbum Os Mutantes em sua lista dos "50 Álbuns Mais Out There de Todos os Tempos" (algo como os "50 Registros Mais Experimentais de Todos os Tempos"). Eles ficaram em 12º lugar na lista, à frente dos Beatles, Pink Floyd e Frank Zappa. Ainda em 2005, a British Q Magazine também colocou o álbum em 12º lugar, em sua lista dos “40 maiores álbuns psicodélicos de todos os tempos”. também incluiu seu álbum de estreia na 9ª posição em sua lista das "10 maiores gravações de rock latino de todos os tempos"
Retorno em 2006
Em 2006, os Mutantes foram homenageados na mostra Tropicália - Uma Revolução na Cultura Brasileira, no Barbican Hall, em Londres, principal centro cultural da Europa. Reivindicando compromissos marcados na mesma data do convite, Rita Lee não aceitou o convite. Liminha também recusou. Sérgio Dias, Arnaldo Baptista e Dinho Leme (que não jogava profissionalmente há cerca de trinta anos) aceitaram. Ao grupo original juntou-se a cantora Zélia Duncan no lugar de Rita Lee e músicos da banda de Sérgio. Todos os ingressos para o show foram vendidos com antecedência, que teve como banda de abertura o grupo Nação Zumbi e a música texana Devendra Banhart, grande fã dos Mutantes. A primeira apresentação dos novos Mutantes ocorreu com grande sucesso no dia 22 de maio em Londres [22] e foi gravada para futuro lançamento em CD e DVD, pela gravadora Sony BMG. Após o show em Londres, os Mutantes seguiram para temporada nos Estados Unidos. Eles se apresentaram no Webster Hall em Nova York, no Hollywood Bowl em Los Angeles, no The Fillmore em San Francisco, no Moore Theatre em Seattle e no Cervantes Masterpiece Ballroom em Denver - além de participar do Pitchfork Music Festival em Chicago. Mais tarde naquele ano, a Universal Records remasterizou todos os álbuns da banda de 1968 a 1972, fazendo uso das fitas originais.
Em 25 de janeiro de 2007, o grupo faz sua primeira apresentação no Brasil em quase trinta anos. O show fez parte das comemorações dos 453 anos da cidade de São Paulo e levou cinquenta mil pessoas ao Museu do Ipiranga. Em seguida, o grupo fez uma turnê pelo Brasil. Em setembro daquele ano, Zélia Duncan e Arnaldo Baptista anunciaram a saída dos Mutantes. Zélia afirmou que queria se dedicar mais à carreira solo. Arnaldo queria se dedicar aos seus projetos pessoais, que incluem escrever uma autobiografia, lançar um livro de ficção (Rebelde Entre os Rebeldes) e dois álbuns da Patrulha do Espaço, e promover uma exposição de suas pinturas e esculturas.
Sérgio Dias e Dinho Leme mantiveram a banda, desta vez com Bia Mendes nos vocais, que lançou no dia 25 de abril de 2008 "Mutantes Além", a primeira música inédita dos Mutantes em mais de três décadas. O compacto pode ser baixado gratuitamente da Internet. A música faz parte da trilha sonora do romance Os Mutantes - Caminhos do Coração.
Em 2013, a banda lança o álbum "Fool Metal Jack", em 2017, em novembro de 2013, lançam o single "Black and grey".
Em janeiro de 2020, a banda lança o álbum Zzyzx, tendo apenas Sérgio Dias como integrante original, o álbum traz 11 músicas, 9 delas em inglês, que percorrem estilos como doo-wop, country folk rock.
Sérgio Dias com o "Guitarra de Ouro".
inovações
A banda foi responsável por diversas inovações técnicas e sonoras que, até então, eram desconhecidas ou pouco utilizadas pela indústria fonográfica no Brasil. Um dos maiores responsáveis por tais inovações foi Cláudio César Dias Baptista, irmão mais velho de Sérgio Dias e Arnaldo Baptista. Foi Cláudio César quem construiu, por exemplo, a "Guitarra de Ouro" usada por Sérgio Dias em quase todos os discos do Mutantes, e o baixo Regvlvs usado primeiro por Arnaldo e depois por Liminha. Outros equipamentos, como amplificadores, caixas de som e mesas de som, além de pedais de efeitos também foram projetados e construídos por Cláudio César para uso da banda. Depois de deixar Mutantes, Cláudio César escreveu um livro sobre gravações em estúdio e passou a comercializar seus equipamentos com a marca CCDB, continuando na área de eletrônica e engenharia de áudio até os anos 1980.
Membros
Treino clássico
Arnaldo Baptista - Teclado, baixo e voz (1966 - 1973; 2006-2007)
Rita Lee - Vocais, Percussão (1966 - 1972)
Sérgio Dias - Guitarra, voz (1966 - 1978; 2006 -)
Dinho Leme - Bateria (1969 - 1973; 2006 - 2013)
Liminha - Low (1969 - 1974)
None of Us é uma banda de rock brasileira, formada em 1986 na cidade de Porto Alegre. A banda é formada pelos músicos Thedy Corrêa, Carlos Stein, Sady Homrich, Veco Marques e João Vincenti. Com uma carreira de 35 anos, 17 álbuns, três DVDs e um EP, a banda realizou mais de 2.000 shows e vendeu mais de 3,5 milhões de álbuns.
História
O início (1986 - 1987)
Sady Homrich e Carlos Stein se conheceram na época da primeira série e, posteriormente, na 5ª série, conheceram Thedy Corrêa. Na faculdade, Stein foi um dos fundadores do grupo Engenheiros do Havaí. Depois de dois shows, saiu para formar o None of Us com Corrêa e Homrich. Depois de algum tempo, foram chamados para abrir um show do DeFalla na Sociedade dos Amigos da Praia do Imbé (SAPI). [3] Antônio Meira, produtor, gostou da música dos jovens e eles assinaram com a BMG Ariola e gravaram seu primeiro disco. O álbum homônimo foi lançado em 1987 e vendeu 30.000 cópias.
Sucesso nacional (1988 - 1993)
Em 1988, a canção de trabalho do primeiro álbum, Camila, Camila torna-se sucesso nacional, alcançando o 3º lugar no ranking brasileiro. O sucesso promoveu novos shows no Rio de Janeiro e São Paulo e o lançamento do 2º álbum. Escola, produzida por Reinaldo Barriga, foi lançado em março de 1989 e vendeu 250 mil cópias, garantindo à banda o primeiro disco de ouro. O álbum inclui Marble Astronaut, uma versão da música Starman de David Bowie, que foi a música nacional mais tocada naquele ano.
1990 é marcado pela entrada do violonista Veco Marques. Nesse mesmo ano foi lançado o 3º álbum da banda, Extraño, com fortes influências da música gaúcha, com a participação de Luiz Carlos Borges. A música Sobre o Tempo integra a trilha sonora da novela Barriga de Aluguel, da Rede Globo, e ganhou um videoclipe especial do Fantástico (além de O Astronauta de Mármore), impulsionando as vendas do álbum, que chegou a 50 mil exemplares vendidos. Em 1991, eles se apresentaram no Rock in Rio II, no penúltimo dia do festival, marcando a entrada de João Vincenti como músico convidado.
Em junho do ano seguinte, é lançado o quarto álbum de estúdio da banda, também com o mesmo nome, com influências do pop dos anos 70. O público da MTV e a banda vão a Los Angeles para representar o Brasil no MTV Video Music Awards de 1992. Ainda neste álbum, está incluída uma versão da música Sangue Latino (do grupo Secos e Molhados), que ganhou uma versão dance que foi tocada em rádios de todo o país e também em Jornais, que teve um clipe de muito sucesso nas MTV's. Top 20 do Brasil.
Terminado o contrato com o BMG, a banda inicia um novo projeto e passa o ano de 1993 entre os shows da turnê do quarto álbum e a composição de um novo trabalho.
Fase independente (1994 - presente)
Em 1994, foi lançado o primeiro álbum ao vivo do None of Us, Acústico ao Vivo, gravado no Theatro São Pedro, em Porto Alegre, em 30 de março de 1994. Garantiu à banda o segundo disco de ouro. A música Diga a Ela foi lançada como single do álbum e ganhou um videoclipe de alta rotação na MTV.
Em 1996, Velas lançou o sexto álbum da carreira da banda, o primeiro em que João Vincenti foi reconhecido como membro oficial da banda. O Mundo Diablo tem parcerias com Edgard Scandurra (Ira!), Herbert Vianna (Os Paralamas do Sucesso), Flavio Venturini (14 Bis) e Fito Paez. Em 1997, a banda se apresenta, no dia 1º de fevereiro, no festival Planeta Atlântida, que nesse mesmo dia também contou com o Skank. Enquanto isso, o vídeo de I'll Let You Go está em primeiro lugar no Disk MTV.
Em dezembro de 1998, é lançado o álbum Paz e Amor, produzido por Sacha Amback. O álbum é influenciado pelo novo rock inglês e tem elementos de música eletrônica. [6] No início de 2000, o álbum Onde Você Está em 93? foi lançado, que foi gravado em 1993, mas só foi lançado em 2000 pelo ACIT, já que o BMG o rejeitou por ser "não comercial". No dia 5 de janeiro de 2001 é lançado Histórias Reais, Seres Imaginários, álbum muito bem recebido pelo público e que também garantiu um clipe para Tomorrow or After, música que esteve nas paradas de todo o Brasil durante semanas e marcou a época. o retorno da banda aos palcos. -sulista. Em 2003, é lançado o segundo álbum ao vivo da carreira da banda. Acústico ao Vivo 2 é o disco dos sucessos da banda, pela segunda vez, no Theatro São Pedro, apesar de ser o segundo álbum ao vivo e também o segundo em formato acústico, foi o primeiro disponível em DVD. Como o primeiro, vendeu 100.000 cópias, rendendo à banda seu terceiro disco de ouro. Em 2005 foi lançado o Pequeno Universo, com 11 canções inéditas inéditas e duas releituras, Eu e Você Sempre (Jorge Aragão) e Raquel (Jorge Drexler).
Em 2007, a banda lançou seu terceiro álbum ao vivo, A Céu Aberto, em CD e DVD. Esta é a gravação ao vivo em comemoração aos 20 anos de carreira da banda, gravada no dia 24 de março de 2007 no Parque da Harmonia, em Porto Alegre. [18]
Em 2009, a banda lançou o álbum Paz e Amor - Acústico, uma gravação inédita feita pelo grupo no Theatro São Pedro, em Porto Alegre, em dezembro de 2000, durante a turnê do álbum Paz e Amor.
Após o lançamento do álbum Paz e Amor - Acústico, o grupo sai de um hiato de seis anos sem novas composições e lança Contos de Água e Fogo, em 2011, álbum que contou com a participação de Duca Leindecker e Leoni. [19] [20] ] ]
Em 2012, a banda lançou seu décimo primeiro álbum de estúdio, Outros, um álbum inteiramente de covers.
Em 2013, a banda lançou seu décimo segundo álbum de estúdio, Contos Acústicos de Água e Fogo, o terceiro lançamento do grupo nos formatos CD e DVD. O disco traz versões acústicas de músicas do álbum Contos de Água e Fogo, além de outros sucessos de outros discos.
Em 2015, a banda lançou o álbum Sempre é Hoje que traz os singles: "Milagre" e "Foi Amor" (que conta com a participação da cantora Roberta Campos). Em 2018, lançaram o EP Doble Chapa com seis faixas.
Membros
Thedy Corrêa: vocal, guitarra, baixo e gaita
Veco Marques: violão, cítara, banjo, bandolim e guzheng
Carlos Stein: violão e violão
Sady Homrich: bateria e percussão
João Vincenti: teclados, gaita, backing vocals e acordeão
Os Paralamas do Sucesso (também conhecidos apenas como Paralamas) é uma banda de rock formada na cidade de Seropédica, no Rio de Janeiro, em 1982. Seus integrantes desde então são Herbert Vianna (guitarra e voz), Bi Ribeiro (baixo) e João Barone (tambores) ). No início a banda misturava rock com reggae, depois passou a agregar instrumentos de sopro e ritmos latinos.
Carreira
1977–83: Education and Mute Film
Em 1977, Herbert Vianna mudou-se de Brasília para o Rio de Janeiro para cursar o ensino médio em um colégio militar e conheceu Bi Ribeiro, amigo de infância da capital brasileira que cursava o terceiro ano na mesma instituição. Os dois compartilhavam o gosto pelo rock e começaram a ensaiar juntos de forma amadora, já que Herbert tocava guitarra e contrabaixo Bi, convidando o baterista Vital Dias, amigo do baixista, para se juntar a eles. Em 1979, os três amigos deixaram de se ver por causa do vestibular e só voltaram a se encontrar em 1981. Este ano voltaram a ensaiar juntos em uma fazenda em Mendes, interior do Rio de Janeiro, e na casa da avó de Bi, em Copacabana, quando também começaram a compor canções de humor, como "Vovó Ondina é Gente Fina", "Mandingas de Amor", "Reis do 49" e "Pinguins? Além disso, os amigos trouxeram Ronel e Naldo como vocalistas da banda. , originalmente apelidada de As Cadeirinhas da Vovó.
Em 1982, os amigos decidiram se tornar uma banda profissional e começar a compor a sério, mas Ronel e Naldo não pretendiam seguir a carreira artística e decidiram não fazer parte do projeto. Hebert, que até então tocava apenas violão, também se tornou vocalista da nova banda, batizada de Os Paralamas do Sucesso, e eles passaram oficialmente a fazer shows, trazendo um repertório que mesclava canções próprias e covers de outros artistas. Em 1982, Vital perdeu uma apresentação na Universidade Rural do Rio e foi substituído por João Barone, que assumiu a banda de uma vez por todas pela impossibilidade de continuar a carreira artística do baterista original, mantendo uma relação amigável com eles fora do palco . . Neste ano a banda mandou a demo da música "Vital e sua Moto" para a Fluminense FM, tornando-se uma das mais tocadas nas rádios no verão de 1983. Em janeiro a banda abriu os shows de Lulu Santos no Circo Voador, fato que chamou a atenção da EMI, com quem assinou contrato. No mesmo ano a banda lança o álbum Cinema Mudo trazendo canções humorísticas escritas antes de se profissionalizarem, o que a banda se opôs, mas tendo sido forçadas pela gravadora a garantir um lançamento futuro sério. Embora os Paralamas sejam considerados parte da galera do "rock brasiliense" - como Legião Urbana, Plebe Rude e Capital Inicial -, por terem amigos dessas bandas, além de Herbert e Bi terem vindo da capital brasileira, o Paralamas se formou no Rio de Janeiro. Janeiro.
1984–89: Wild Pass de Lui? e Bora Bora
Em 1984, a banda finalmente lançou o tão esperado álbum mais sério, O Passo do Lui, que teve uma enorme sucessão de sucessos como "Oculos", "Me Liga", "Meu Erro", "Ideal Romance" e "Ska " de aclamação da crítica, levando o grupo a se apresentar no Rock in Rio, no qual o show do Paralamas foi considerado um dos melhores. Depois de uma grande turnê, eles lançaram em 1986, Selvagem ?, o mais politizado. O álbum se opôs à "manipulação" de sua capa (com o irmão de Bi no meio da floresta com apenas uma camisa na cintura), e mesclou novas influências, principalmente da MPB. Com sucessos como "Alagados", "A Novidade" (a primeira com a participação de Gilberto Gil, e a segunda co-escrita com ele), "Melô do Marinheiro" e "Você" (de Tim Maia), Selvagem? vendeu 700.000 cópias e credenciou Paralamas para tocar no cult Montreux Festival, em 1987.
O show no festival da cidade suíça viria a ser o primeiro disco ao vivo da banda, D. Nele, a novidade, em meio ao show de sucessos já conhecidos, foi a inclusão de um "4º paralama", o tecladista João Fera, que faz turnês com a banda até hoje, como músico coadjuvante. Paralamas também fez turnês pela América do Sul, ganhando popularidade na Argentina, Uruguai, Chile e Venezuela. Sucessor de Selvagem ?, Bora-Bora (1988) acrescentou metais ao som da banda. O álbum mesclou faixas político-sociais como "O Beco" com as introspectivas "Quase Um Segundo" e "Uns Dias" (reflexo talvez do fim do relacionamento com a cantora da banda Kid Abelha, Paula Toller). Bora-Bora é tão aclamado pela crítica quanto O Passo do Lui.
1990–95: Big Bang, Os Graos e Severino
Big Bang (1989) seguiu o mesmo estilo dos anteriores, tendo como sucessos a alegre "Perplexo" e a lírica "Lanterna dos Afogados". Seguiu-se a colecção Arquivo, com a regravação de "Vital" e a inédita "Caleidoscópio" (anteriormente gravada por Dulce Quental, do grupo Sempre Livre). O início da década de 1990 foi dedicado à experimentação. Os Grãos (1991), álbum com foco em teclados e apelo menos popular, não se saiu bem nas paradas (apesar de ter 2 hits, "Trac-Trac" - versão do argentino Fito Páez - e "Tendo a Lua" ) e nenhum vendeu muito, o que também pode ser atribuído à grave crise econômica que o Brasil vivia. Após uma breve pausa (na qual Herbert lançou seu primeiro álbum solo), o trio voltou aos shows, que ainda estavam lotados, embora a banda tenha sofrido fortes críticas da imprensa. No final de 1993, a banda viaja para a Inglaterra, onde, sob a produção de Phil Manzanera, gravam Severino. O álbum, lançado em 1994, contou com a participação do guitarrista Brian May da banda britânica Queen na música "El Vampiro Bajo El Sol". Este álbum foi ainda mais experimental, com arranjos muito elaborados, e foi ignorado pelo rádio e pelo público em geral, vendendo 55 mil cópias. Mas se no Brasil os Paralamas foram esquecidos, no resto da América eles eram ídolos. Paralamas (1992), uma coleção de versões em espanhol, e Dos Margaritas (versão hispânica de Severino) estourou principalmente na Argentina.
1996–00: 9 Luas e Hey Na Na
Apesar das vendas fracas do CD, a turnê de Severino estava fazendo muito sucesso, com o público sempre dando as boas-vindas aos Paralamas. Uma série de três shows, gravada no final de 1994, viria a se tornar em 1995 o álbum ao vivo Vamo Bate Lata. Vamo Bate Lata veio acompanhado de um CD com quatro novas canções, e do sucesso de "Uma Brasileira" (parceria de Herbert com Carlinhos Brown e participação de Djavan), "Saber Amar" e o polêmico Luís Inácio (300 Picaretas) (que criticou A política brasileira e os anões do orçamento) chamou a atenção do público e da imprensa de volta aos Paralamas. A volta às canções fáceis de entender e ao formato pop contribuíram definitivamente para a volta ao sucesso de crítica e público, resultando nas maiores vendas da carreira da banda (900 mil cópias). Foi aí também que começou a fase de videoclipes superproduzidos, que levaria 11 VMB de 1995 a 1999, a começar por Uma Brasileira, vencedora nas categorias Pop Clip e Audience Choice.
Nove Luas de 1996 e Hey Na Na de 1998 continuaram sua trajetória de sucesso com faixas como Lourinha Bombril, La Bella Luna e Ela Disse Adeus (Nove Luas vendeu 250 mil cópias em um mês, enquanto Hey Na Na vendeu as mesmas em apenas uma semana). Em 1999 a MTV Brasil chamou Paralamas para gravar um MTV Acústico. O álbum, com canções menos conhecidas e participações especiais de Dado Villa-Lobos, ex-Legião Urbana e Zizi Possi, vendeu 500 mil cópias, ganhou o Grammy Latino e teve turnê esgotada. Em 2000, lançam uma segunda compilação, Arquivo II, com canções de todos os seus discos entre 1991 e 1998 (exceto Severino), uma regravação de "Mensagem de Amor" e a inédita "Aonde Quer Que Eu Vá", uma parceria entre Herbert e Paulo Sérgio Valle (a dupla também compôs sucessos para Ivete Sangalo).
2001-05: Acidente de Hebert, Longo Caminho e Alguns Dias
Herbert Vianna e João Barone (ao fundo).
Em 4 de fevereiro de 2001, um ultraleve pilotado por Herbert Vianna sofreu um acidente em Mangaratiba. A esposa de Herbert, Lucy, estava a bordo e morreu. Herbert foi resgatado e levado para a capital. As sequências foram duras (Herbert ficou intubado e acabou paralisado), mas assim que Herbert mostrou que sabia tocar, Bi e João decidiram voltar aos ensaios e gravar um disco cujas canções já estavam preparadas antes do acidente. Longo Caminho foi lançado em 2002. O som voltou ao início, sem metais, em busca de um som mais “cru”. Uma apresentação no programa Fantástico da TV Globo serviu de relançamento da banda pós-acidente. A volta às turnês foi muito bem sucedida, com shows esgotados, até pela curiosidade do público em conhecer as reais condições de Herbert e pela ansiedade de ver a banda reunida.
Tudo isso, somado aos novos sucessos das rádios ("O Calibre", "Seguir as Estrelas", "Cuide do Seu Amor" - este último incluído na trilha sonora da novela Sabor da Paixão), impulsionaram as vendas de Longo Caminho , que atingiu 300.000 exemplares. Aproveitando o caráter altamente emocional e emocional dos shows da turnê, a banda grava Uns Dias Ao Vivo (2004), repleta de participações especiais (Dado Villa-Lobos, Andreas Kisser, Edgard Scandurra, Djavan, Nando Reis, Paulo Miklos , George Israel e Roberto Frejat). O disco mostrou uma banda pesada como nunca antes vista. Sucessos antigos, como "Meu Erro", ganharam versões turbinadas. As novas canções soaram ainda mais cruas. Além disso, a banda decidiu fazer a primeira parte da apresentação em um pequeno palco montado no meio da pista de dança. A proximidade com o público contribuiu para que o resultado final fosse caloroso e capturasse fielmente a emoção dos shows.
2005–12: Hoje, Brasil Fora e Viva
Em 2005, o Paralamas lançou Hoje, o primeiro com músicas totalmente novas. A recepção foi boa e canções como "2A", "Na Pista" e "De Perto" fizeram sucesso, embora não fossem grandes sucessos. Embora o álbum tenha trazido de volta um som mais solar, com a volta do uso dos metais, não esqueceu a parte pesada que havia sido abordada em Longo Caminho, em canções como "220 Desencapado", "Ponto de Vista" - que contava a assistência de Andreas Kisser, guitarrista do Sepultura - e "Fora de Lugar". Houve também o remake de "Deus lhe Pague", de Chico Buarque, escolhido em votação no site oficial da banda. No início de 2006 foi lançado o DVD Hoje Ao Vivo, contendo show da banda (feito sem público, no Pólo de Cinema e Vídeo, no Rio de Janeiro), com as músicas do álbum, além de duas versões para "O Muro", música que Herbert gravou em O Som do Sim, álbum solo de 2000, e Busca Vida.
Ainda em 2006, foi lançado o documentário sobre Herbert Vianna, Herbert de Perto. Dirigido por Roberto Berliner, que também dirigiu o DVD.
Em 2008, os Paralamas completaram 25 anos de carreira, comemorados com uma série de shows ao lado dos Titãs, que também estão na estrada há 25 anos. no mesmo ano, a canção "Me Liga" foi incluída na trilha sonora da novela Chamas da Vida da Rede Record. a série de shows culminou também em show realizado na Marina da Glória, no Rio de Janeiro, lançado em CD e DVD e intitulado Paralamas e Titãs: Juntos e Ao Vivo.
Em 2009, o Paralamas lançou seu mais recente álbum, Brasil Afora, que foi disponibilizado para download (com mais uma música) e logo em seguida foi lançado em CD. O álbum conta com a participação de Carlinhos Brown e Zé Ramalho, além de uma versão de uma música de Fito Paez.
Em dezembro de 2010, o Paralamas gravou o CD e DVD Multishow Ao Vivo Brasil Afora no Espaço Tom Jobim, no Jardim Botânico do Rio de Janeiro, com a participação de Pitty no clássico "Tendo a Lua" de Zé Ramalho no hit "Mormaço". ". O lançamento do DVD ocorreu em abril de 2011 em um canal especial do Multishow.
2013 – presente: 30 anos e sinais do sim
Em 2013, a banda comemora 30 anos de carreira com uma turnê nacional por várias regiões do país, que também inspirou um documentário produzido pelo canal Bis, com depoimentos Dado Villa-Lobos, Thedy Corrêa, Rogério Flausino, José Fortes (Empreendedor) , entre outros além dos membros da banda. Em agosto de 2014, em parceria com o canal Multishow e o selo Universal Music, a banda lançou o álbum ao vivo Multishow ao Vivo Os Paralamas do Sucesso - 30 Anos, que registra o show realizado durante a turnê de 30 anos em CD e DVD. no Citibank Hall, no Rio de Janeiro, no dia 26 de outubro de 2013 (que também havia sido transmitido ao vivo pelo canal à época).
No dia 3 de março de 2015, o ex-baterista Vital Dias morreu de câncer. Em sua página oficial do Facebook, a banda postou uma mensagem dos membros, na qual eles se diziam "solidários" e que mandavam "nossos melhores pensamentos para sua esposa, filhos e amigos neste momento difícil".
Em 2016, ao lado de Nando Reis, Dado Villa-Lobos, Paula Toller e Pitty, a banda participou de uma turnê promovida pelo projeto Nivea Viva Rock Brasil, que acontece anualmente desde 2012 e leva artistas para turnês por todo o Brasil. A série de sete shows homenageou o rock brasileiro.
Em 2017, foi lançado o álbum Sinais do Sim, que teve como primeiro single a música homônima. O álbum trouxe referências ao rock e reggae, canções de amor e a busca por um som diferente, neste caso mais cru e direto. Os concertos da digressão deste álbum contaram com canções side-b como “A Outra Rota” (Os Graos, 1991) e “Capitão de Indústria” (de 9 Luas, 1996).
No dia 6 de outubro de 2019, a banda se apresentou no Palco Mundial Rock in Rio VIII.
Os Paralamas do Sucesso
Herbert Vianna - voz, violão e guitarra (1982-presente)
Bi Ribeiro - baixo (1982-presente)
João Barone - bateria (1982-presente)
Pitty é uma banda de rock brasileira formada em Salvador pelo cantor Pitty. Atualmente, os integrantes da banda são Pitty, Martin Mendonça, Daniel Weksler, Paulo Kishimoto e Guilherme Almeida. Outros que passaram pela banda foram Peu Sousa (ex-Trêmula, ex-Nove Mil Anjos), Joe, Brunno Cunha, Luciano Granja e Duda Machado. A banda está na ativa desde 2003, sendo uma das principais bandas estabelecidas no Brasil, marcando diversos sucessos no cenário brasileiro. A banda do cantor Pitty é uma das bandas brasileiras mais premiadas, vendendo cerca de 15 milhões de cópias.
Membros
Pitty - guitarra vocal e ritmo
Martin Mendonça - guitarra e backing vocals
Daniel Weksler - bateria
Guilherme Almeida - contrabaixo
Paulo Kishimoto - teclados, lap steel, percussão e backing vocals
Rádio Táxi é uma banda de pop rock criada no início dos anos 1980 em São Paulo, Brasil. Era formada pelos ex-integrantes da Tutti Frutti, banda de apoio da cantora Rita Lee e Secos & Molhados: Wander Taffo, Lee Marcucci, Gel Fernandes e Willie de Oliveira, que após gravar o álbum Rádio Táxi em 1983, foi substituído por Maurice Gasperini.
Um dos maiores sucessos da banda é a canção "Eva" (versão da canção homônima do italiano Umberto Tozzi), posteriormente regravada pela Banda Eva na década de 1990, da qual participou a cantora Ivete Sangalo. Outro sucesso da banda é a música "Garota Dourada", regravada por Pepeu Gomes.
Em 2019, o grupo se juntou à Placa Luminosa para fazer uma nostálgica turnê pelo Brasil, que começou em São Paulo, no dia 3 de outubro, no Teatro Liberdade.
Raimundos é uma banda de rock brasileira formada em Brasília em 1987. O nome deriva de uma de suas maiores influências, a banda Ramones. Com oito discos protegidos por direitos autorais, trinta anos de existência e mais de cinco milhões de cópias vendidas, é uma das principais bandas de rock do Brasil.
História
Primeira fase (1987-1992)
O grupo foi formado em Brasília em 1987. Era formado pelos vizinhos Digão, na bateria, e Rodolfo Abrantes, na guitarra. Eles foram influenciados pelas bandas Dead Kennedys, Suicidal Tendencies e Ramones, atuando como cover deste último. Na época, faltava baixista e Canisso passou a tocar com a dupla.
A primeira apresentação da banda foi na casa de Gabriel Thomaz, vocalista do Autoramas, na virada do ano de 1988. Fred, que estava presente naquela apresentação, acabou se tornando o baterista da banda. Entre suas influências, Raimundos também incorporou a cultura nordestina, em parte devido ao compositor de forró Zenilton, considerado pelos integrantes como sua maior influência nordestina. Rodolfo mais tarde lembrou: “Minha família é paraibana e me lembro que desde os dez anos sempre ia aos churrascos com meus pais. Jogava forró o tempo todo e achava que era chato. Zenilton músicas, por causa das letras malucas, eu achei muito legal. "
O ritmo da banda manteve-se constante até a sua separação, em 1990 Canisso começou a estudar Direito na Universidade de Brasília e teve filhos; Digão parou de tocar bateria por causa de problemas de audição e passou a tocar violão; e Rodolfo, por sua vez, passou a cantar na banda Royal Street Flesh, casou-se e mudou-se para o Rio de Janeiro.
O retorno e o sucesso para o Brasil (1993-97)
A volta aconteceu em 1992 com a oportunidade de tocar em um bar de Goiânia. Com a mudança do Digão para a guitarra, a banda começou a procurar um baterista, mesmo usando bateria eletrônica. Não obtendo bons resultados, recruta Fred, que na época já era fã do grupo. No ano seguinte, a banda gravou uma fita demonstrativa contendo "Nega Jurema", "Marujo", "Palhas do Coqueiro" e "Sanidade", que começou a ser divulgada por todo o país. A banda ganhou destaque na mídia e em outras bandas, sendo convidada para tocar no Rio de Janeiro. Nesta altura abriram as actuações de Camisa de Vênus e Ratos de Porão no Circo Voador, bem como uma época para os Titãs.
Em 1994 lançam o primeiro disco, intitulado apenas como Raimundos, pelo selo Banguela dos Titãs. O disco foi bem recebido, vendendo mais de 150.000 cópias. O som pesado, com letras cheias de palavrões e com fortes influências nordestinas, chamou a atenção da mídia e do público, com canções como "Puteiro em João Pessoa". O grande sucesso do álbum foi a balada pornô-erótica "Selim", que impulsionou as vendas do álbum e tornou a banda conhecida em todo o país. O álbum foi de extrema importância para o cenário musical brasileiro, devido ao seu som inovador (intitulado "forró-core") e ao fato de ter sido um dos responsáveis por "abrir portas" para o rock nos anos 90, influenciando praticamente todas as bandas que formaria mais tarde.
Em 1995, voltaram ao estúdio para gravar Lavô Tá Novo, para o selo Warner. Com mais ênfase no hardcore do que no forró, gerou sucessos como "Esporrei Na Manivela", "Pitando No Kombão", "O Pão da Minha Prima" e "Eu Vi Você Dizendo (Que Você Diz Que Viu)" e superou o vendas do original. [24] [25] Raimundos consolidou sua participação nos festivais Monsters of Rock e Hollywood Rock, onde tocou ao lado de grupos clássicos como Motorhead e Iron Maiden. [26] Em 1996 a banda lançou uma caixa com CD, história em quadrinhos e fita VHS chamada Basic Basket.
Crise (1998)
Em 1997, foram para Los Angeles gravar Lapadas do Povo. O álbum deixa de lado letras e melodias engraçadas, investe em peso e letras mais sérias. Entre as músicas estão "Andar na Pedra" com clipe estrelado pelo ator Matheus Nachtergaele, um remake de "Oliver's Army" de Elvis Costello, e uma versão de uma música dos Ramones, "Pequena Raimunda (Ramona)". Apesar das boas críticas, o álbum acaba vendendo menos que os anteriores. Para piorar a situação, em um show na cidade de Santos, no litoral de São Paulo, uma das grades por onde o público saía caiu, causando a morte de oito pessoas e 67 feridos. Posteriormente classificada como "ferida eterna", a banda estremeceu com o ocorrido e cancelou várias apresentações.
Retornar ao sucesso (1999-2001)
Em 1999 a banda voltou ao sucesso com Só no Forévis, o álbum mais vendido da banda. O curioso é que a primeira tiragem do CD foi roubada, o que levou Raimundos a aparecer tanto nas páginas da polícia quanto nas de cultura dos jornais. Tirando esse pequeno incidente, tudo havia voltado como antes, com letras mais zombeteiras e bem-humoradas, como nos primeiros dias da banda. O álbum conquistou diversos sucessos nas rádios e na MTV Brasil, como "A mais Pedida", "Me Lambe" e "Mulher de Fases", a canção de maior sucesso da banda Para coroar a grande fase, em 2000 a banda lançou em alta do sucesso, junto com a MTV, álbum duplo ao vivo reunindo seus maiores sucessos, MTV Ao Vivo, gravado em Curitiba e São Paulo.
Partida de Rodolfo e Canisso (2002-05)
No início de 2001, Rodolfo e sua esposa se converteram ao evangelho, e o músico decidiu deixar a banda para viver de acordo com sua crença. Os membros restantes decidiram voltar com a banda. Lançaram o disco Éramos Quatro, com regravação de "Sanidade" e vários covers, principalmente dos Ramones. O guitarrista Marquinho (ex-Peter Perfeito) se juntou à banda na turnê do álbum.
No ano seguinte, em 2002, lançaram seu primeiro álbum, totalmente novo, Kavookavala, que, ao contrário dos antigos, não foi trabalhado pela gravadora e teve uma venda inexpressiva, além da saída do baixista Canisso no início. do passeio. A partir desse momento, a banda entrou em crise com o selo Warner. Depois de um ano tentando se livrar do selo, a banda finalmente conseguiu isso em 2004.
A saída de Fred e Alf - a volta de Canisso e a chegada de Caio (2006-10)
Em 2005 a banda volta à cena. Com o baixista Alf, também vocalista do Rumbora, a banda gravou o Ep Pt Qq cOisAh, que foi disponibilizado para download gratuito no site da MTV.
Após um longo período fora da mídia, esgotamentos e shows cancelados, surge a necessidade dos integrantes seguirem suas carreiras com projetos paralelos. Digão e Denis Porto lançam Denis & Digão, da Universal Music, e SuperGalo (Fred, Alf e inicialmente Marquim).
O tempo foi passando e com ele veio o choque de horários, fato que levou Canisso ao retorno, inicialmente apenas para um show. Fred, que já discordava musicalmente do Digão, resolveu sair da banda, pois havia brigado com o Canisso, que volta a se fixar na banda. Caio, baterista do Dr. Madeira, é chamado para a casa de Fred. A banda voltou a fazer vários shows, lançou uma turnê em 2008, batizada de "A volta de Canisso", continuou a fazer shows de médio porte por todo o Brasil, resgatando fãs antigos e conquistando públicos mais jovens. Essa turnê conseguiu fazer com que a banda voltasse à cena. A principal apresentação da banda foi no Altas Horas, em abril de 2008. Nesse ínterim, a banda baixou a taxa para fazer mais shows, com Digão agendando os shows, e Canisso se tornando o produtor rodoviário e cobrador de honorários.
Em 2009, foi possível perceber indícios de que a situação voltaria a ser favorável para a banda. Após sete anos afastada da grande mídia, a banda disse que estava pronta para voltar a tocar junto com grandes nomes do rock mundial. Digão disse: "afinal, uma das bandas que fazia mais sucesso nos anos 1990 e início dos anos 2000 nunca terminaria aos poucos. Pelo contrário, era bom aprendermos a não depender 100% da mídia nojenta!"
Década de 2010
No final de 2010 a banda volta a gravar um videoclipe da música "JAWS"; no dia 18 de dezembro de 2010 a banda gravou o DVD Roda Viva no Kazebre Rock Bar, em São Paulo. Cerca de 15 mil pessoas assistiram à gravação, que conta com cerca de 25 faixas, além da participação das bandas Velhas Virgens e Dead Fish. O DVD foi lançado no dia 15 de janeiro no Circo Voador, no Rio de Janeiro, em show com a participação de Dead Fish.
Em maio de 2011, a banda lançou o DVD Roda Viva no Opinião em Porto Alegre. Em novembro do mesmo ano, se apresentou no SWU Music & Arts Festival. Em fevereiro de 2012, gravou mais um Luau MTV, na praia do Pepê, no Rio de Janeiro, tocando seus clássicos de destaque.
Em 2012, a Raimundos lançou, junto com seus ídolos do Ultraje a Rigor, o álbum O Embate do Século: Ultraje a Rigor vs. Raimundos, onde bandas tocavam músicas do repertório alheio. O álbum foi lançado em 20 de julho de 2012, pela Deck Records. As duas bandas se apresentaram juntas no programa "Agora é Tarde".
O oitavo álbum de Raimundos e o primeiro em doze anos, Cantigas de Roda, foi lançado em 2014. Produzido com a ajuda de Billy Graziadei, líder do Biohazard, começou a gravar em setembro de 2013 e foi totalmente financiado por crowdfunding, que chegou a R $ 122,7 mil apesar de a meta inicial ser de R $ 55 mil, Canisso descreveu o álbum como sendo de músicas pesadas. "Vai ser trilha sonora para wheel, circle music" Em julho de 2013 a banda lançou a música inédita Politics "em seu site oficial para download, paralelamente a música também foi lançada na 89 FM Radio Rock. Em 13 de julho eles lançaram no a internet o videoclipe em comemoração ao Dia Mundial do Rock Em 2014, a banda se apresentou na terceira edição do Lollapalooza Brasil.
Em 2015, Raimundos gravou duas versões rock do samba "Meu Lugar", de Arlindo Cruz: uma para a abertura do campeonato mundial de skate bowl, Oi Bowl Jam 2015, veiculado pela Rede Globo, intitulada "Meu Lugar (Madureira)"; outro para a estreia da novela Malhação, intitulada "Vitória para Commorar (Meu Lugar)". Em 2016 foi gravado em Curitiba o DVD Raimundos Acústico, com a participação de vários artistas, como Fred, o baterista da formação original, [62] Ivete Sangalo, Alexandre Carlo e Marcão, que foi lançado no segundo trimestre de 2017 . [64] Em março de 2017, eles lançaram o videoclipe de "Bonita", a primeira música de trabalho do DVD acústico. [65]
No 25º aniversário do lançamento do álbum de estreia da banda, foi lançada uma turnê comemorativa com a presença do baterista Fred, na qual ele dividiu a apresentação com Caio, em uma formação inusitada com duas baterias no palco.
Em 2019, a banda foi convidada para se apresentar no festival Rock in Rio. Canisso, Digão, Caio e Marquim dividiram o Palco Mundial com a banda CPM 22, sendo um dos destaques da segunda noite do festival.
Membros
formação atual
Digão - violão (1992-hoje), vocal (2002-hoje), bateria (1987-1992);
Canisso - baixo e backing vocals (1987-2002, 2007-hoje);
Marquim - guitarra e backing vocals (2002 até hoje);
Caio - bateria e backing vocals (2007-hoje).
Renato e Seus Blue Caps é uma banda de rock brasileira que surgiu no período da Jovem Guarda e ficou famosa por suas versões de canções internacionais. É considerado o mais avançado em atividade no mundo.
Biografia
Grupo formado em 1960 pelos irmãos Renato Barros, Ed Wilson e Paulo César Barros, Euclides de Paula (futuro violonista e arranjador solo do grupo instrumental The Pop's) e Gelson, jovens moradores do bairro da Piedade, no Rio de Janeiro, com o nome Bacaninhas do Rock da Piedade.
O primeiro nome foi censurado e o grupo mudou de nome, inspirado por um conjunto americano de rock and roll e rockabilly, Gene Vincent and His Blue Caps. TV Rio, apresentada por Carlos Imperial.
Gravaram seu primeiro single em 1962 e se destacaram principalmente por suas versões de canções em inglês (principalmente britânicas), como "No Te Esquecerei", versão de "California Dreamin '", de The Mamas & The Papas, "Menina Linda ", versão de" I Should Have Known Better "e" Until the End ", versão de" You W Don't See Me "dos Beatles
Em 1963, Ed Wilson deixou o grupo e iniciou carreira solo, sendo substituído por Erasmo Carlos, que teve uma breve participação no grupo. Eles fizeram sucesso se apresentando no programa Jovem Guarda, em shows, festas e bailes. Em 1966 participaram do filme Rio, Verão & Amor.
Em 28 de julho de 2020, o vocalista, guitarrista e líder da banda Renato Barros faleceu aos 76 anos. [6] [5]
O grupo era formado por Renato Barros, voz e violão; Paulo César Barros, voz e contrabaixo; Erasmo Carlos, substituto de Edson Barros, voz; Carlinhos, violão; Tony e mais tarde Gelson, bateria; e Cid, saxofone. [
Os Replicantes é uma banda brasileira de punk rock, formada na cidade de Porto Alegre em 1983.
Origem do nome
O nome da banda The Replicants é uma referência aos andróides do filme Blade Runner (1982), de Ridley Scott, no qual os replicantes do filme eram muito parecidos com seres humanos, mas mais fortes e ágeis.
História
Início de carreira
No dia 16 de maio de 1984, com Wander Wildner (voz), Cláudio Heinz (guitarra), Heron Heinz (baixo) e Carlos Gerbase (bateria), a banda se apresentou profissionalmente pela primeira vez, no Bar Ocidental, em Porto Alegre. Em 1984, gravam a música Nicotina em um estúdio de jingle com quatro canais, com a ajuda do produtor musical Carlos Eduardo Miranda. Eles levaram a música para a recém-criada Ipanema FM, que a incluiu em sua programação. Em 1985, passaram a fazer mais shows, gravaram um videoclipe para "Nicotina", o primeiro da história do rock gaúcho, e decidiram gravar seu primeiro disco: um compacto duplo (vinil) com quatro músicas: " Nicotina "," Rockstar "," The Future is Vortex "e" Calhorda Surfer ". O disco é distribuído com o selo Vortex, de propriedade da Replicantes. De forma independente, o single chega a várias cidades brasileiras e vende dois mil exemplares. Até 2006, eles gravaram dez álbuns, duas fitas de vídeo, um DVD e fizeram duas turnês pela Europa.
reconhecimento nacional
Em seguida, fazem um videoclipe para "Surfista Calhorda" e são convidados a participar da coletânea Rock Garagem, com a música "O Princípio do Nada". Em 1986, assinaram contrato com a gravadora RCA (posteriormente BMG), e gravaram o LP O Futuro é Vórtex, em São Paulo. As músicas "Surfista Calhorda" e "A Verdadeira Corrida Espacial" integram a coletânea Rock Grande do Sul, com as bandas DeFalla, Engenheiros do Havaí, Garotos da Rua e TNT. “Surfista Calhorda” tem boa aceitação nas rádios de todo o país e logo se torna um hit. O segundo álbum, lançado em 1987, também pela BMG, é Histórias de Sex e Violência, outro clássico, e o mais icônico da banda, com "Chernobil", "Sandina", "South Africa", "Mysteries of Human Sexuality", " Adultera "(censurado)," Sex & Violence "," Astronaut "," Punk Party "," Tom & Jerry "e" Lie "compondo um dos álbuns de punk rock brasileiro mais representativos da história. Na época fizeram uma série de shows em São Paulo, ao lado de outras bandas da cena da época, como Plebe Rude, Cólera, Garotos Podres e 365. Lançaram o primeiro videoclipe da música brasileira em locadoras, o VHS fita Os Replicantes em Vortex, com videoclipes e shows da época.
Nova fase
Em 1989 lançam o quarto álbum, terceiro da BMG, também Papel de Mau, com Luciana Tomasi (produtora da banda desde o início) nos teclados e backing vocals. Após dois shows de lançamento, Wander Wildner deixa a banda. O baterista Carlos Gerbase se torna o vocalista do Replicantes e eles chamam Cleber Andrade para a bateria. Em 1991, com o amigo e saxofonista King Jim, gravaram seu quinto álbum, o vinil Androids Sonham com Guitarras Elétricas, lançado pela Vortex. Eles continuam fazendo shows e videoclipes. Em seguida, o amigo da banda e produtor na época, Cléber Andrade, também baterista de Cobaias, assumiu as baquetas dos Replicantes.
Retorno de Wander Wildner e turnê pela Europa
Em 2002, Carlos Gerbase deixa a Replicantes. Wander Wildner retoma a voz, em show na Bar Ocidental, em maio, no aniversário de 18 anos da banda. Em abril de 2003 lançaram o CD Go Ahead, e em maio seguiram para a Europa em sua primeira turnê internacional, fazendo 24 shows em 27 dias. O recorde dessa turnê sai em janeiro de 2006 no DVD Go Ahead: The First European Tour A Gente Never Forget. Em maio de 2006 eles retornaram à Europa na turnê Old School Veterans Braziliasta.
Saída de Wander e fase atual
Na volta da turnê, fazem alguns shows no Rio Grande do Sul, Paraná e São Paulo. Wander decide continuar com sua carreira solo como "punk cafona". A vocalista Júlia Barth entra para a banda, que fez seu primeiro show no OX, em Porto Alegre.
RPM (sigla para Revoluções por Minuto) é uma banda de rock brasileira, formada em 1983, tendo sido uma das mais populares do país de 1984 a 1987. Foi uma das bandas de maior sucesso da história da música brasileira. Na segunda metade da década de 1980, eles conseguiram bater todos os recordes de vendas da indústria fonográfica brasileira.
História
Formação
Tudo começou em 1980, em São Paulo, quando Paulo Ricardo namorava Eloá, que morava em frente à casa onde Luiz Schiavon ensaiava com May East. O casal decidiu um dia visitar seus vizinhos, que estavam em um ensaio crucial e decidiram cantar em inglês ou português. Paulo Ricardo deu seu voto, opinou sobre a letra em português e foi assim que conheceu Luiz Schiavon. Naquele dia eles conversaram muito sobre música. Paulo estava iniciando sua carreira como crítico musical e Schiavon era um pianista clássico, que buscava um caminho novo e mais popular, mas teve dificuldade em encontrar alguém. Foi assim que Paulo recebeu o convite para ingressar no "Aura", banda de jazz-rock que ainda tinha Paulinho Valenza na bateria e Edu Coelho na guitarra curitibana.
Após três anos de ensaios e nenhum show, Luiz se apaixonou pela música eletrônica e pela tecnologia dos novos sintetizadores, enquanto Paulo decidiu morar na Europa - primeiro na França e depois em Londres, de onde escreveu sobre novidades musicais para Somtrês e ele correspondia freqüentemente com Schiavon. Esse choque de personalidades impulsionou a criação da RPM após a retomada dos trabalhos da dupla no final de 1983, em São Paulo.
Juntos, eles criaram as primeiras canções. Os primeiros foram Olhar 43, A Cruz e A Espada e a música que daria o nome à banda que aí nasceu: Revoluções por Minuto. Eles gravaram uma fita demo dessas músicas com uma bateria eletrônica e as enviaram para a gravadora CBS, que as considerou ambíguas e difíceis de tocar no rádio.
O nome 45 RPM (45 revoluções por minuto) foi sugerido inicialmente em uma lista de nomes feita por um amigo. Schiavon e Paulo gostaram do nome, mas retiraram o 45 e mudaram as "Rotações" para "Revoluções". Eles convidaram o guitarrista Fernando Deluqui (ex-guitarrista da cantora May East, ex-integrante do Gang 90 e dos Absurdettes) e o baterista Junior Moreno, na época com apenas 15 anos. Logo a banda começou a se apresentar em boates e então Junior teve que sair, pois ainda era menor (aparentemente ele até tocou em alguns shows, escondendo a idade, mas não seria possível continuar assim por muito tempo). Quem se tornou o novo baterista foi Charles Gavin (ex-Ira !, futuro baterista dos Titans) para completar o grupo. Já chamado de RPM, fechou contrato com a gravadora Sony Music, com o single de 1984, que viria com as faixas Louras Geladas (a música virou hit em clubes de dança e paradas de rádios) e Revoluções por Minuto (que foi censurada no momento). Louras Geladas conquistou público de todo o país e levou a banda a gravar seu álbum de estreia, com o baterista Paulo PA Pagni (ex-Patife Band), que se juntou ao RPM como convidado, no meio da gravação do LP, o que explica sua ausência na capa do álbum Revoluções Por Minuto. Charles Gavin havia deixado o grupo para se juntar aos Titãs.
1985: Revoluções por minuto
Em maio chega às lojas Revoluções Por Minuto, no vácuo de um país ainda perplexo com a morte de Tancredo Neves. A mistura de paixão platônica e suposta declaração de amor em Olhar 43 é popular no rádio e abre caminho para que outras faixas mais politizadas e / ou conceituais (como a dolorosa e inconformista Juvenília) façam o mesmo. As faixas do disco também tratam de temas como política internacional e transformações socioeconômicas. As músicas são marcadas pela forte presença da bateria eletrônica e pelo clima sombrio dos arranjos de Luiz Schiavon. O sucesso do álbum é tanto que RPM rapidamente obteve uma sequência de sucessos no rádio (oito das onze faixas do álbum) e atingiu a marca de 900.000 cópias vendidas em pouco mais de 1 ano.
1986: Live Pirate Radio
Logo após os primeiros shows publicitários, a RPM fechou contrato com o megaempreendedor Manoel Poladian, que buscava uma banda em ascensão no rock brasileiro para seu elenco de MPB de platina. Os habituais palcos de discoteca são substituídos por uma megaprodução, com Ney Matogrosso assinando luz e direção, canhões de laser e multidões espremidas em academias e estádios. A essa altura, Paulo Ricardo já é considerado um símbolo sexual: imprime várias capas de revistas e enlouquece fãs histéricos.
Sem nenhum futuro na manga e para dar continuidade à banda, Poladian, músicos e gravadora lançaram em julho de 1986 um novo álbum, com parte do registro de dois shows da histórica turnê. O repertório da Rádio Pirata Ao Vivo traz quatro novas gravações (dois covers) e cinco faixas da Revoluções Por Minuto. Com a ajuda dos preços congelados do Plano Cruzado, 500 mil exemplares são vendidos antecipadamente. Rapidamente as vendas da Rádio Pirata Ao Vivo dispararam e chegaram a 3,7 milhões. O RPM se tornou a banda mais vendida da indústria fonográfica nacional até o momento. O sucesso foi tamanho que, no mesmo ano, o grupo foi tema de uma edição integral do telejornal Globo Repórter, com reportagem de Pedro Bial.
Porém, o vocalista Paulo Ricardo passou a ser conhecido apenas como símbolo sexual e procurado e visto por jornalistas e fãs como modelo, não músico.
1987: a primeira separação
Mesmo com todo o sucesso no Brasil e em países como França e Portugal, a banda passava por uma situação difícil.
Em junho, foi lançado oficialmente um álbum mix, intitulado RPM & Milton, com a participação do cantor Milton Nascimento.
O fracasso do projeto RPM Discos, selo próprio do grupo, acabou gerando conflitos entre seus integrantes. Chegou a ser produzido um LP com o grupo paulista Cabine C (comandado pelo ex-Titã Ciro Pessoa), que, prensado e distribuído pela RCA, foi um grande fracasso comercial. Ainda em 1987, Paulo Ricardo, Fernando, Schiavon e PA anunciaram a separação oficial do grupo.
1988: Quatro Coiotes
O grupo retomou as atividades em 1988, com o álbum RPM (mais conhecido como Quatro Coyotes), 250 mil cópias foram vendidas antecipadamente, indicando outro grande sucesso, como sua antecessora, Radio Pirata ao Vivo. Com a crise econômica daquele ano, várias brigas internas entre os integrantes do grupo não permitiram que a gravadora divulgasse as canções em novelas da Rede Globo, fazendo com que vendas consideradas abaixo dos padrões da RPM e fazendo com que o álbum chegasse a 450 mil. cópias. Mesmo assim, o álbum entrou para a lista dos 5 LPs mais vendidos daquele ano entre todos os demais artistas da música brasileira. A RPM se destacou por ultrapassar Roberto Carlos em termos de vendas, ainda a maior fonte de receita da empresa.
Este álbum teve um custo alto para a gravadora conforme exigido pela RPM. O disco foi gravado em Búzios com toda a infraestrutura montada em uma casa de praia para que a construção de letras e arranjos ficasse totalmente isolada. A gravadora forneceu um avião particular para a banda viajar aos Estados Unidos para acompanhar o mix, hospedando-se em hotéis 5 estrelas, com limusines disponíveis em tempo integral. A RPM teve um tratamento oferecido por empresários que nenhum outro artista brasileiro havia alcançado até então.
Separada por mais de seis meses, a banda ressurgiu, aparentemente mais madura, com um disco basicamente baseado na percussão (do brasileiro Paulinho da Costa, radicado nos EUA). O som é estritamente alto, com a sobreposição instrumental às letras (todas exceto Ponto de Fuga, de Paulo Ricardo). Destacam-se também o erotismo de A Dália Negra e a crítica social de O Teu Futuro Espelha Essa Grandeza, com a participação de Bezerra da Silva, Partnes permaneceu em primeiro lugar nas paradas por algumas semanas.
O álbum foi muito elogiado pela crítica considerando-o uma das melhores obras construídas do Rock nacional, o público esperava que a RPM mantivesse o mesmo estilo Tecnopop dos 3,7 milhões de álbuns vendidos da "Rádio Pirata ao Vivo", criticando o novo formato que a banda adotada, refletindo na sua comercialização. Críticos de música do Brasil e de outros países consideraram o trabalho além do seu tempo e não compreendido, por isso é classificado como um ou talvez o melhor álbum do Rock Brasileiro.
O grupo realizaria ainda a regravação de "A pagina do relâmpago Elétrico", de Ronaldo Bastos e Beto Guedes, para o álbum / homenagem ao compositor Ronaldo Bastos, intitulado "Cais", lançado pela Som Livre, em 1989.
1993: Paulo Ricardo & RPM
Apesar de não ter o tecladista Luiz Schiavon e o baterista Paulo PA Pagni, esse álbum é considerado por muitos o terceiro álbum de estúdio da banda. Com Paulo Ricardo (vocal e baixo), Fernando Deluqui (guitarra), Marquinho Costa (bateria) e Franco Júnior (teclados), este é o álbum mais pesado da banda. Sem a influência de Schiavon, a banda aposta nas guitarras pesadas e solos bem construídos de Deluqui. O álbum vem com uma predominância de guitarras e estilo de rock de garagem e influências de Peter Frampton e Pink Floyd.
O disco gravado em português e espanhol com lançamento simultâneo em toda a América Latina prometia resgatar o Rock nacional que sofreu ao ver a música sertaneja e o axé dominarem o mercado fonográfico, o RPM que reaparecia pela terceira vez veio com uma difícil missão. A música "Pérola" rapidamente alcançou o primeiro lugar nas paradas de rádios de todo o Brasil, a música "Genese", tema de abertura de uma novela mundial foi muito bem aceita pelo grande público, outros grandes sucessos como "Surfista Prateado" e "Veneno "também teve destaque. No ano seguinte a banda passou a produzir novas músicas que acabaram não sendo finalizadas mas quais seriam as músicas do novo álbum podem ser encontradas na internet com o nome de "Nocturne". Fernando Deluqui decide deixar o grupo e o grupo ainda faz shows com outro guitarrista, mas logo encerra suas atividades. Em 1995, Deluqui foi convidado a ingressar na Engenheiros do Havaí para gravar o disco "Simples de Coração" e fazer turnê com uma banda. Paulo Ricardo, por sua vez, seguiria os caminhos da MPB.
2002: MTV RPM 2002
Em 2001, os quatro músicos da RPM voltaram a reunir-se para ensaiar. Percebendo o perfeito entrosamento e o desejo de todos de estarem juntos novamente no palco, iniciaram a volta da RPM, inclusive com a volta do empresário Manoel Poladian, considerado o “quinto coiote”.
Em 2001 é lançado o single "Vida Real", versão em português (composta por Paulo Ricardo) da canção "Leef" do holandês Han van Eijk, tema oficial da primeira edição mundial do reality show Big Brother, que foi encomendado pela Rede Globo para ser o tema de abertura da edição brasileira do mesmo.
A banda voltou à mídia com o CD e DVD MTV RPM 2002, gravados no Teatro Procópio Ferreira, em São Paulo, nos dias 26 e 27 de março de 2002. Além dos grandes sucessos, a banda apresenta músicas inéditas, como Fatal, Carbono 14, Rainha, Vem Pra Mim e Onde Está o Meu Amor (gravado em estúdio e incluído na trilha sonora da novela Esperança, da Rede Globo). ); de Roberto Frejat, do Barão Vermelho, na regravação de Exagerado, hit de Cazuza, e a participação virtual de Renato Russo na música A Cruz e a Espada. O CD vendeu 300.000 cópias e o DVD 50.000. dominava todas as esquinas e vendedores ambulantes naquela época, esse trabalho era bem comercializado.
Em 2003, novamente com a MTV, participaram do projeto Luau MTV.
2003: Nova separação
Ao final da turnê do MTV RPM 2002, a banda começa a trabalhar em um álbum inédito, mas acabam se separando novamente. Especulações dizem que a banda se separou depois que os outros membros descobriram que Paulo Ricardo havia registrado todos os direitos de seu nome, iniciando uma disputa judicial pela marca RPM. Outros dizem que houve divergências sobre o som da banda.
Luiz Schiavon e Fernando Deluqui, junto com André Lazzarotto, lançaram o álbum LS&D (Viagem na Realidade) (foram lançadas 2.000 cópias). A canção "Madrigal", tema de abertura da novela Cabocla, foi bem executada.
Paulo Ricardo e o baterista Paulo PA Pagni formaram a banda PR.5. Apesar do fracasso do cd Zum Zum, Paulo Ricardo lançou a música Eu Quero Te Levar.
2007: O retorno
Em 2007, Paulo lançou o CD Prisma, com vibe pop rock com as faixas "Diz" e "A Chegada", tendo como músicos apoio os integrantes do PR.5, entre eles o baterista Paulo PA Pagni e a participação de Luiz Schiavon no canção "The D-Day, The H-Hour".
Ainda em 2007, o grupo RPM tocou junto com todos os seus integrantes em São Paulo, com grande sucesso.
A banda anunciou o lançamento de um box com os 3 primeiros álbuns da banda e outro CD com remixes, covers e faixas inéditas, juntamente com o DVD Rádio Pirata - O Show, contendo a gravação de um show realizado em dezembro de 1986, em São Paulo, filmado pela Rede Globo.
Em 2007, Fernando Deluqui lançou seu segundo álbum solo intitulado DELUX, um álbum bem elaborado com Schiavon na composição da música "Chuva".
Luiz Schiavon foi tecladista, regente e diretor musical do programa Domingão do Faustão da Rede Globo de 2004 a 2011.
2011: Elektra
No final do ano de 2010, Paulo Ricardo postou em seu Twitter que a banda se reuniria para gravar um novo álbum em 2011. Schiavon também confirmou a intenção de voltar, dizendo que vêem possibilidades de uma volta aos palcos, desde sua banda. no Domingão do Faustão não continuaria em 2011.
Dias depois dos rumores, Schiavon confirma em seu twitter que a banda já estava escrevendo para o novo álbum. Segundo Paulo Ricardo, a banda queria fazer um som que lembrasse bandas atuais que misturam rock com música eletrônica como Muse, The Killers, Blur, entre outros. Corriam boatos sobre o produtor Liminha, responsável pela produção de boa parte das bandas dos anos 80 e 90, como Titãs, Os Paralamas do Sucesso, Ultraje a Rigor, Ira !, Kid Abelha, Cidade Negra, Chico Science e Nação Zumbi , O Rappa, entre outros. Mas o álbum foi produzido por Paulo e Schiavon. Além disso, os shows da turnê de divulgação do álbum foram dirigidos por Ulysses Cruz.
A estreia do Tour 2011 aconteceu no evento homenageado na Virada Cultural São Paulo. Um mês após a apresentação, o título do álbum, Elektra, foi lançado e quatro músicas foram disponibilizadas para download no site oficial da banda. As canções, "Very Tudo", "Twilight" e "Ela é bem (para mim)" deram o tom do álbum, mais focado na música eletrónica. A quarta música, "Dois Olhos Verdes", é mais familiar ao som RPM dos anos 80, e foi escolhida para ser o primeiro single.
Inicialmente a banda lançava 4 faixas por mês no site oficial e lançava o álbum no meio do ano, mas a promessa não foi cumprida, e o álbum (junto com as músicas até então desconhecidas) só foi lançado no dia 6 de dezembro. O álbum foi lançado pela Building Records em um formato duplo, o segundo CD sendo composto por remixes de algumas das faixas do álbum.
O álbum Elektra, além de flertar com a música eletrônica, também conta fortemente com os arranjos de Luiz Schiavon, que, junto com os sintetizadores eletrônicos, praticamente monopoliza a condução das músicas. As letras são as mais leves de toda a discografia da banda, priorizando temas como amor e diversão - apenas duas músicas, "Very Tudo" e "Problema Seu" trazem um tema mais reflexivo.
A estreia da nova turnê foi no dia 20 de maio de 2011, no Credicard Hall, em São Paulo. Porém, no dia 15 de maio de 2011 a banda se apresentou no show Domingão do Faustão.
2014-2017: Deus Ex Machina
No final de 2014, a RPM anuncia a gravação de um novo álbum, intitulado Deus ex Machina, produzido por Lucas Silveira, da banda Fresno. O disco fica pronto no ano seguinte, mas é descartado. No mesmo período, Paulo Ricardo é convidado para ser jurado do show de talentos Superstar, da Rede Globo, e como está mais uma vez em evidência, lança um álbum solo em 2016, alegando que a banda seguiria paralelamente, algo isso não aconteceu. Após cumprir a agenda de shows até o início de 2017, a banda anunciou um hiato e posteriormente foi revelado que Paulo não estava mais interessado em continuar com a banda.
2018 - atualmente: Nova formação com novas canções e a morte de PA
Depois que os membros tentaram se reencontrar com a banda e Paulo Ricardo declarou que queria seguir carreira solo, Schiavon, Deluqui e PA decidiram continuar a banda e chamaram o baixista e vocalista Dioy Pallone para substituir Paulo. Na nova formação do grupo, ele está se revezando nos vocais com Deluqui, com a banda produzindo novas músicas para um próximo álbum.
No final de 2018, os solteiros Ah! Onde você está? e Escravo da Estrada, com Pallone e Deluqui
A nova turnê começou em 2019, com Schiavon, Deluqui, Dioy e o baterista Kiko Zara, substituindo Paulo PA Pagni, que já enfrentava sérios problemas de saúde. A banda também realizou show acústico em abril do mesmo ano em São Bernardo do Campo, região metropolitana de São Paulo, sendo esta a última vez que o grupo se apresentou com PA
No dia 22 de junho, após 34 dias em coma no Hospital São Camilo, localizado em Salto, interior de São Paulo, Pagni faleceu aos 61 anos, vítima de broncopneumonia e complicações decorrentes de fibrose pulmonar, doença que o músico vinha enfrentando últimos meses. PA foi sepultado ao lado de seus pais, no município de Araçariguama, onde residia desde 2004.
Livro: Revelações por minuto
Em dezembro de 2007, foi lançado o livro "Revelações Por Minuto", contando os detalhes da trajetória da banda, desde seu início (1984) até seu suposto fim (1989). O livro foi divulgado em grande coletiva de imprensa em São Paulo, com a presença do autor, Marcelo Leite de Moraes, e dos quatro integrantes da banda.
Formação
Dioy Pallone - vocal e baixo (2018-atualmente)
Fernando Deluqui - guitarra e voz (1983-1989, 1993-1994, 2001-2004, 2011-atualmente)
Luiz Schiavon - teclados (1983-1989, 2001-2004, 2011-atualmente)
músico convidado
Kiko Zara - bateria (2019-atualmente)
Membros antigos
Paulo Ricardo
Charles Gavin
Paulo PA Pagni
Marquinho Costa
Franco júnior
Sá, Rodrix & Guarabyra foi um trio musical brasileiro formado por Luiz Carlos Sá, Zé Rodrix e Guttemberg Guarabyra. Surgiu em 1971. Notou-se pela criação do chamado rock rural [1], no qual se mesclaram várias influências musicais, do rock à country. Em 1973, Zé Rodrix deixou o trio, que se tornou uma dupla (Sá e Guarabyra). Em 1999, Zé Rodrix voltou à dupla, até a morte de Rodrix em 2009.
História
Zé Rodrix, após deixar o supergrupo "Som Imaginário", em 1971, participou do "Festival da Canção de Juiz de Fora", em parceria com o cantor e compositor Tavito (também ex-Som Imaginário), de onde surgiu a dupla como a campeã com uma das canções mais famosas de Zé Rodrix, "Casa no Campo", que mais tarde se tornou um grande sucesso na voz de Elis Regina, que tem em suas letras um trecho que menciona "compondo pedras rurais", criando então o estilo com o mesmo nome, repleto de influências regionais, flertando com gêneros como rock, folk, sertanejo; entre outros.
Antes de ingressar no Zé Rodrix, tanto Sá quanto Guarabyra já tinham músicas gravadas e alcançaram sucesso. O primeiro teve a música "Giramundo" gravada em 1966 por Peri Ribeiro; enquanto Guarabyra fez sucesso com a canção "Margarida", interpretada com o grupo "Manifesto", vencedor do "Festival Internacional da Canção" de 1967.
Em 1971, foi finalmente o sindicato que deu origem ao trio. Nesse período, o trio compôs uma infinidade de canções, entre eles sucessos como "Mestre Jonas", que é um dos destaques de suas carreiras.
Sempre Livre é uma banda brasileira de pop rock criada no Rio de Janeiro e formada apenas por mulheres. O nome do grupo se refere a uma famosa marca de absorventes femininos.
O Sempre Livre conquistou em um território tradicionalmente masculino, o território do rock. Intérpretes que incorporam o rock em seu repertório não são raros, mas no Brasil nunca houve uma consagração de um grupo feminino em que seus integrantes cantassem em horário livre (...). Na reportagem "Uma Batucada de Rock", de 1985, a revista Veja comentou sobre o sucesso até então inédito para um grupo feminino no Brasil, enquanto no exterior já existiam bandas semelhantes há algum tempo, como The Runaways e Girlschool.
Em 1984, a Sempre Livre lançou o seu primeiro álbum, intitulado Avião de Combate e produzido pela Ruban, a mesma produtora do grupo As Frenéticas O Vinyl que logo se tornaria um grande sucesso com o tema "Eu Sou Free". uma parceria entre Ruban e Patrícya Travassos, que se tornou um dos maiores sucessos dos anos 80. Em 1986, viria outro álbum, Sempre Livre.
Em 1991, a banda voltou com o álbum Vicios de Cidade e uma formação que, do original, contava apenas com o baterista. Em 2016 lançam o novo álbum A Boa Moça.
Anne Duá (voz)
Renata Prieto (guitarra e voz)
Flávia Cavaca (baixo e voz)
Letícia Andrade (bateria)
Denise Mastrangelo (teclado e voz)
Skank é uma banda brasileira de rock formada em 1991, em Belo Horizonte, no estado de Minas Gerais. A banda já vendeu cerca de 6,6 milhões de discos entre CDs e DVDs, Samuel Rosa (guitarra e voz), Henrique Portugal (teclados), Lelo Zaneti (baixo) e Haroldo Ferretti (bateria) reuniram em torno do mesmo interesse: transportar a atmosfera do dancehall jamaicano para a tradição pop brasileira. Em 2019, com 28 anos de carreira ininterrupta, a banda anunciou que faria uma pausa, mas antes faria uma turnê de despedida.
História
O começo (1983-1993)
Em 1983, Samuel Rosa e Henrique Portugal começaram a tocar na banda de reggae Pouso Alto do Reggae, ao lado dos irmãos Dinho (bateria) e Alexandre Mourão (baixo). Em 1991, Pouso Alto conseguiu um show na casa de shows AeroAnta, em São Paulo, mas como os irmãos Mourão não estavam em Belo Horizonte, o baixista Lelo Zaneti e o baterista Haroldo Ferretti foram chamados para o show. Antes da apresentação, o grupo mudou seu nome para Skank, inspirado na música "Easy Skanking" de Bob Marley ("skank é um tipo de dança em ska ou uma técnica de guitarra usada em ska, rocksteady e reggae e" skunk "é o nome de uma variação da cannabis sativa, popularmente conhecida como maconha.) A banda fez sua estreia em 5 de junho de 1991, e devido à final do Campeonato Brasileiro no mesmo dia, o público pagante era de 37 pessoas. eram Charles Gavin e André Jung , ex-bateristas dos Titãs e Ira !, respectivamente. Após o show, a banda gostou da apresentação e decidiu ficar junto Janis, Maxaluna e L'Apogée A proposta musical era transportar o clima do dancehall jamaicano para a tradição pop brasileira. O primeiro álbum, Skank, foi lançado de forma independente em 1992. Embora os integrantes nem tenham em casa tocadores de CD, feitos em formato de CD, segundo Ferreti, “para chamar a atenção de jornalistas, rádios e talvez uma gravadora. Foi uma aposta na qualidade, na inovação. ” O destaque da banda no cenário underground despertou o interesse do selo Sony Music, que, junto com o Skank, inaugurou o selo Chaos no Brasil e relançou o álbum em abril de 1993.
Até 1993, jogamos muito em Minas Gerais. Se íamos longe, era para o Espírito Santo ou para Goiás. Até o lançamento de Calango, éramos anônimos fora daqui.
- Samuel Rosa
Sucesso nacional (1994-1999)
O segundo álbum, Calango, foi lançado em 1994 e vendeu mais de 1 milhão de cópias e canções como "Jackie Tequila" e "Te Ver" se tornaram sucessos cantados em todo o país. O álbum seguinte, O Samba Poconé (1996), levou o grupo a se apresentar na França, Estados Unidos, Chile, Argentina, Suíça, Portugal, Espanha, Itália e Alemanha, em shows próprios ou em festivais ao lado de bandas como Echo & The Bunnymen, Black Sabbath e Rage Against The Machine. O single "Garota Nacional" fez sucesso no Brasil e liderou as paradas espanholas (na versão original) por três meses. A música foi a única cópia da música brasileira a fazer parte da caixa Soundtrack for a Century, lançada em comemoração aos 100 anos da Sony Music. Os discos da banda ganharam edições na América do Norte, Itália, Japão, França e em vários países ao redor do mundo. Enquanto O Samba Poconé atingiu quase 2 milhões de cópias vendidas no Brasil, o Skank foi convidado para representar o Brasil na Allez! Oi! Olé !, recorde oficial da Copa do Mundo de Futebol de 1998. Nos álbuns seguintes, a música da banda passou a equalizar as origens eletrônicas com novas influências psicodélicas e acústicas, reveladas nos álbuns Siderado (1998) e Maquinarama (2000).
Mudanças de estilo (2000-2019)
Em Siderado, o grupo trabalhou com John Shaw (UB40) e Paul Ralphes. "Answer", "Mandrake e Os Cubanos" e "Saideira" tornaram-se sucessos. O álbum foi lançado em julho de 1998 e mixado no Abbey Road, o estúdio londrino aclamado pelos Beatles; Daúde e do grupo instrumental Uakti foram convidados especiais, e o álbum vendeu 750 mil cópias. Lançado em julho de 2000, Maquinarama foi produzido por Chico Neves e Tom Capone e vendeu 275 mil cópias. Os principais singles desse álbum foram "Três Lados", "Balada do Amor Inabalável" e "Canção Noturna". Maquinarama é considerado um divisor de águas na carreira do grupo, que deixou de usar o metal em suas gravações. Com os novos trabalhos vieram mais sucessos de rádio, como "Balada do Amor Inabalável" - esta com ecos de Sérgio Mendes em clima cyberpunk. O grupo ainda gravou com Andreas Kisser (Sepultura), Manu Chao, Uakti e Jorge Ben Jor, além de ser elogiado por Stewart Copeland por sua versão de "Wrapped Around Your Finger", incluída no tributo latino ao The Police, "Outlandos D 'America ". Em 2001, a banda gravou seus sucessos no CD e DVD MTV ao Vivo (2001), que vendeu mais de meio milhão de cópias e conquistou o primeiro lugar nas paradas com a balada "Acima do Sol".
Em 2002, Henrique Portugal e Haroldo Ferreti participaram do álbum Falange Canibal, do cantor e compositor Lenine.
O início de 2003 foi investido na preparação de Cosmotron, álbum que chegou às lojas em agosto daquele ano. Enquanto o primeiro single, a balada psicodélica "Dois Rios", tocava em rádios do Brasil (e no prêmio de melhor videoclipe pop da MTV Video Music Brasil 2003, o grupo fazia mais uma turnê internacional, com passagens por Portugal, Inglaterra e Bélgica , além de uma apresentação no palco principal do festival de Roskilde, Dinamarca, ao lado de grupos como Blur e Cardigans. A turnê do álbum (com cenário de Gringo Cardia a partir de telas de Beatriz Milhazes e oito novas canções do repertório) estreou em Agosto de 2004, no Canecão, no Rio de Janeiro. Com seu novo hit, "Vou Esquer" (melhor videoclipe pop da MTV Video Music Brasil (2004), Skank viveu uma experiência inédita: através de novos formatos comerciais, é o ringtone com o maior número de downloads do país. O álbum atingiu a marca de 210 mil cópias vendidas. Em novembro de 2004, a banda lançou sua primeira coletânea de sucesso, Radiola, com repertório centrado nos álbuns Maquinarama (2000) e Cosmotron (2003) . Além de oito sucessos remasterizados em Nova York, o álbum trouxe quatro novos lançamentos ao público: os inéditos "Um Mais Um" e "Cadê você?" das sandálias Rider) e "I Want You" de Bob Dylan (gravada no final de 1999 em homenagem ao cantor americano que nunca foi lançada; é a versão original de "Tanto" do debut). Cobrindo a capa de Radiola, estão os trabalhos dos irmãos Rob e Christian Clayton, artistas plásticos americanos, colaboradores das revistas Rolling Stone e Zoetrope (de Francis Ford Coppola) e diretores de arte do vídeo "All Around The World", da Oasis. As imagens do material gráfico da primeira compilação de Skank, "Happy All The Day" e "Long Journey", fazem parte de "Six Foot Eleven", exposição dos Clayton Brothers em parceria com a galeria La Luz de Jesus (Los Angeles) . Radiola vendeu mais de 210.000 cópias.
Apresentação ao vivo em 2007.
Intitulado Carrossel, o nono álbum do Skank foi gravado no estúdio Máquina da banda, em Belo Horizonte. Na ocasião, os fãs puderam assistir, ao vivo, parte do processo de criação e produção do álbum. A banda instalou uma câmera exclusiva, que transmitia imagens em tempo real. O álbum chegou às lojas da Sony BMG, em agosto de 2006. Produzido por Chico Neves e Carlos Eduardo Miranda e mixado em Nova York, no estúdio Sterling Sound, o álbum trouxe 15 faixas inéditas, de Samuel Rosa com Nando Reis, Chico Amaral, César Maurício, Rodrigo F. Leão, Humberto Effe e Arnaldo Antunes, este último inaugurando a parceria com o cantor do Skank. O primeiro single, "Uma Canção é Para Isso", foi disponibilizado para audição no site da banda quinze dias antes do lançamento oficial do álbum. A capa do CD foi desenhada graficamente por Marcus Barão, que usou pinturas surrealistas de Glenn Barr, um artista plástico de Detroit. Barão foi o responsável pela arte de outros discos do Skank, como Skank Ao Vivo MTV, Maquinarama, Siderado e Skank (álbum de estreia da banda). Na época do lançamento do Carousel, o Skank também disponibilizou todo o conteúdo do álbum no celular. Com essa ação, o Skank se tornou a primeira banda brasileira a fazer esse tipo de ação mobile. O modelo W300 da Sony Ericsson, que acompanha todas as músicas do álbum de 2006, vendeu mais de 75 mil unidades e rendeu à banda o primeiro Golden Cell Phone do Brasil, certificação reconhecida pela Associação Brasileira dos Produtores de Discos (ABPD).
Dois anos após o lançamento do Carrossel, em outubro de 2008, o Skank reapareceu com a Estandarte, lançada no mercado com uma forte campanha viral. Enquanto o primeiro single do álbum, "Ainda Gosto Dela" - com Negra Li - tocava em rádios do Brasil, a banda promoveu mais uma ação inédita, "Vote no Bis", permitindo que o público em seus shows escolhesse as músicas que quisesse ouvir. no Bis, através do envio de SMS. Em março de 2009, Skank anunciou o segundo single do álbum, "Subtlemente", música escolhida pelos fãs por meio de votação que a banda promoveu em seu site oficial. A revista Rolling Stone considerou-o um dos 25 melhores álbuns nacionais lançados em 2008 e a canção "Chão" uma das 25 melhores canções. Em agosto de 2009, Skank conquistou o troféu "Market Initiative" na 16ª edição do Prêmio Multishow de Música Brasileira. Na mesma noite, a banda também ganhou o prêmio de Melhor Vídeo Musical por "I Still Like Her". No Video Music Brasil 2009, o Skank conquistou o prêmio de Melhor Vídeo, com a música "Sutilmente" (Samuel Rosa / Nando Reis). No mesmo ano, o álbum Estandarte foi indicado ao Grammy Latino de 2009 na categoria "Melhor Álbum Pop Brasileiro Contemporâneo". Em 19 de junho de 2010, o Skank gravou, no Estádio do Mineirão, em Belo Horizonte, o CD e DVD Multishow Ao Vivo - Skank no Mineirão, [1] projeto da banda em parceria com a Sony Music e o canal Multishow.
O show, que contou com a participação especial da cantora Negra Li, em dueto com Samuel Rosa na música "Ainda Gosto Dela", recebeu mais de 50 mil pessoas e foi o último evento realizado no estádio, antes de seu fechamento para reformas visando na Copa do Mundo de 2014 O projeto foi lançado em outubro de 2010. A turnê estreou no dia 1º de outubro, no palco do Vivo Rio, no Rio de Janeiro. Nos dias 19 e 20 de novembro, o novo espetáculo estreou em São Paulo, no Citibank Hall. Ainda em novembro de 2010, o Skank recebeu o 1º Prêmio Música Digital, na categoria “Artista Mais Digitalmente Engajado”, por ser considerada a banda que mais investiu nesse formato de aproximação de seu público. Ainda naquele ano, foi lançada uma versão comemorativa do 15º aniversário de Calango com faixas bônus. Samba Poconé recebeu o mesmo tratamento. Em junho de 2011, Skank se tornou a primeira banda brasileira a ganhar um Leão de Ouro no Cannes Lions, importante prêmio mundial de publicidade. O prémio foi atribuído ao projecto Skankplay, uma plataforma que permite a qualquer pessoa simular uma jam session com o Skank e participar no vídeo da música "De Repente". O projeto - criado pelo coletivo DontryThis, em parceria com o Skank - foi premiado na categoria “Melhor Uso de Redes Sociais”. Em 2012, a banda lançou um álbum com seu primeiro show e suas primeiras gravações em estúdio, 91.
Em 2014, a banda lançou o álbum Velocia, com o primeiro single "Ela Me Deixou", cujo videoclipe contou com a presença de fãs, através de uma promoção da pastilha elástica Trident.
Em 2016, o tecladista Henrique Portugal, o baixista Lelo Zaneti e o DJ e produtor Anderson Noise participaram de um projeto com o cantor Milton Nascimento, que se chama Nie Myer. O grupo mistura jazz e música eletrônica. [20] [21]
Em 2017, a banda gravou um cover de "A Hard Day's Night", da banda The Beatles, para a trilha sonora da novela Pega Pega, da Rede Globo. [22]
2019 - pausa
No dia 3 de novembro de 2019, Samuel Rosa anunciou que a banda encerrará as atividades, sem previsão de retorno. Uma viagem de despedida seria realizada em 2020, mas teve que ser adiada para 2021 devido à pandemia de COVID-19.
Características musicais
Influências e características musicais
Tendo como principais influências da música jamaicana: reggae, ska, dancehall, raggamuffin e dub, logo em seguida incluíram elementos do rock, rockabilly, rock latino, forró, soul, funk, surf music e timbres eletrônicos.
A música do grupo tem uma atmosfera dançante e inteligente e tornou-se extremamente popular em clubes e festas. Bandas citadas como influentes na sonoridade da banda são Os Paralamas do Sucesso, The Police, The Beatles, UB40, Ira !, Titãs e Led Zeppelin, e outros artistas importantes como Tim Maia, Roberto Carlos, Jorge Ben Jor, Michael Jackson , Gilberto Gil e os artistas que fizeram parte do Clube da Esquina, como Milton Nascimento, Lô Borges, Beto Guedes, entre outros.
Membros
Samuel Rosa - voz, violão e violão
Henrique Portugal - teclados, guitarra e backing vocals
Lelo Zaneti - baixo e backing vocals
Haroldo Ferretti - bateria
Titãs é uma banda de rock formada em São Paulo, Brasil, em 1982. Embora originalmente tocassem pop-rock alternativo em seus primeiros dias, o grupo também usou vários outros gêneros ao longo de sua carreira de quase 40 anos, como new wave, punk rock , grunge, MPB e música eletrônica.
É uma das bandas de rock de maior sucesso do Brasil, tendo vendido mais de 6,3 milhões de álbuns e parceria com diversos renomados artistas brasileiros e diversos cantores internacionais. Eles receberam um Grammy Latino em 2009 e ganharam o Press Trophy de Melhor Banda quatro vezes.
A formação inicial teve um número de membros muito incomum. Havia nove membros, seis dos quais eram vocalistas. Arnaldo Antunes, Branco Mello e Ciro Pessoa cantaram e realizaram backing vocals. Sérgio Britto, Nando Reis e Paulo Miklos, além de cantores, se revezavam no teclado e no baixo. O restante do grupo era formado por André Jung na bateria, Marcelo Fromer na guitarra base e Tony Belloto na guitarra solo. Ciro Pessoa deixou o grupo rapidamente, antes mesmo do lançamento do primeiro álbum da banda em 1984. André Jung foi o baterista inicial, mas foi substituído por Charles Gavin no início de 1985, estabelecendo a formação clássica da banda.
Desde então, a banda perdeu mais cinco membros que nunca foram oficialmente substituídos: em 1992, Antunes deixou o grupo para seguir carreira solo. Em 2001, Fromer morreu após ser atropelado por uma motocicleta em São Paulo. No ano seguinte, Nando Reis também deixou a banda para se concentrar em seus projetos solo. As mudanças mais recentes foram as saídas de Charles Gavin, em 2010, e de Paulo Miklos, em 2016, ambas por motivos pessoais. Após a morte de Marcelo e saída de Nando, o grupo passou a se apresentar com alguns guitarristas e baixistas ocasionais (Emerson Villani, André Fonseca e Lee Marcucci). A partir do lançamento do álbum Sacos Plásticos (2009), Branco Mello e Sérgio Britto tornaram-se baixistas definitivos (Britto só toca quando Mello canta) e Miklos como guitarrista até a saída do grupo. Em 2010, a banda voltou a usar músicos de apoio, com a entrada do baterista Mario Fabre no lugar de Charles Gavin; algo que se repetiria em 2016, após a saída de Paulo Miklos, com a entrada do guitarrista Beto Lee.
História
Treinamento e primeiros empregos
Quase todos os integrantes da banda se conheceram no Colégio Equipe, em São Paulo, no final dos anos 1970. As exceções foram o guitarrista Tony Bellotto e o baterista Charles Gavin. da instituição, e também influenciados por Blitz, formaram uma banda e gravaram uma cassete com canções para raparigas - nessa altura, o grupo era numeroso e incluía nomes como Nuno Ramos, que mais tarde viria a ser artista visual. Após uma apresentação na Biblioteca Mário de Andrade em 1982, na qual Nando Reis atuou como baterista, passaram a se apresentar em várias casas noturnas da cidade, sob o nome Titãs do Iê-Iê.
O nome tem origem nos primeiros ensaios da banda, realizados na biblioteca da casa dos pais de Tony, onde havia livros como Titãs da Ciência, Titãs do Esporte, Titãs da Literatura, entre outros, e isso os inspirou a criar o nome Titãs do Yeah yeah yeah .
O ex-vocalista, tecladista, saxofonista e guitarrista Paulo Miklos descreve o início da banda da seguinte forma:
Já tínhamos claro que o bacana era a coisa criativa, o que podíamos criar juntos, e defender essa criação sem preconceitos. Tínhamos toda essa carga de informações, amávamos o Arrigo [Barnabé], o Itamar [Assumpção], aquela vanguarda paulista. Eu queria fazer algumas frases dodecafônicas! Também estivemos próximos da poesia concreta do Augusto [de Campos], o Arnaldo [Antunes] é um cara que estudou coisas. Tínhamos esse conhecimento profundo da música popular brasileira, que colidia com toda a música internacional. Éramos new wave, mas gostávamos do Alceu Valença. (...) Sempre gostamos do The Clash, por exemplo, que é uma banda que introduziu a música caribenha, o reggae, misturado a um punk rock mais sombrio, mais sectário. (...) Éramos uma coisa caleidoscópica.
Antes do aparecimento de "Titãs do iê-iê", os integrantes da banda já tocavam em diversos grupos. Arnaldo Antunes e Paulo Miklos integraram a banda Performática; Nando Reis foi percussionista e crooner da banda Sossega Leão; Branco Mello, Marcelo Fromer e Tony Bellotto formaram o Trio Mamao e como Mamonetes, que ainda se apresentou no programa da TV Tupi, no estilo de competição musical Olimpop, em que a atriz Débora Seabra, após a atuação dos 3 meninos, disse que eles precisavam evoluir e que tinham que estudar, e Wilson Simonal disse que eles tinham um gosto mais moderno e que gostou do conjunto. Sérgio Britto e Marcelo Fromer também se apresentaram como calouros do programa Chacrinha, sendo "gongados" cantando "Eu Também Quero Beijar", sucesso de Pepeu Gomes.
Os primeiros shows dos Titãs do Iê-Iê aconteceram nos dias 15 e 16 de outubro de 1982, no Sesc Pompeia, descritos pelo baixista e vocalista da banda Branco Mello como uma "maldita sessão", pois começou tarde demais, depois da meia-noite . No início, o look da banda incluía maquiagem e ternos coloridos e gravatas de bolinhas. Além disso, a primeira formação contou com nove integrantes, entre eles Arnaldo Antunes, Branco Mello, Marcelo Fromer, Nando Reis, Paulo Miklos, Sérgio Britto, Tony Bellotto, Ciro Pessoa e André Jung, sendo seis deles vocalistas. Arnaldo, Branco e Ciro eram apenas vocalistas, Paulo Miklos cantava e se dividia entre baixo (com Nando Reis) e teclado (com Sérgio Britto), Sérgio Britto cantava e tocava teclado, Nando Reis tocava baixo e cantava, Tony e Marcelo tocavam violão e violão respectivamente e André Jung tocaram bateria.
o primeiro álbum
Em 1984, Ciro deixou a banda porque não queria trocar os discretos palcos da noite paulistana por programas de televisão de grande popularidade. Em seguida, a banda assinou com a gravadora WEA e gravou seu primeiro álbum, agora com o nome oficial de Titãs, retirando o iê-iê, o que causou problemas na fala de locutores de rádios e casas de show, pois sempre foi confundido com Iê -Iê-Iê, de onde se originou a Jovem Guarda.
Neste disco homônimo estão os sucessos da banda, como "Sonífera Ilha", que rendeu à banda diversas participações nos programas Raul Gil e Chacrinha. Nesse mesmo disco, os Titãs colocaram no rádio a música "Toda Cor".
Após o lançamento deste álbum, Nando deixou os Titãs por duas semanas em favor do Sossega Leão, que na época era mais lucrativo financeiramente, mas acabou mudando de ideia e foi aceito de volta.
Deixe André Jung, entre Charles Gavin
Após show no Rio de Janeiro, no final de 1984, os Titãs decidiram substituir o baterista André Jung por Charles Gavin. Há algum tempo a banda não ficava satisfeita com a forma como André tocava e, à medida que aumentava a insatisfação com ele, crescia também a admiração por Charles Gavin, baterista que naquela época estava ensaiando com o RPM e que também havia feito parte dos grupos Cabine C e Wrath !. A notícia de que seria substituído na banda não agradou a André, que pretendia passar o ano novo com a namorada no Rio de Janeiro e comemorar o sucesso da música "Sonífera Ilha". Com a decisão da banda, André voltou para São Paulo e dois dias depois ingressou no Ira !.
Segunda metade da década de 1980 e estrelato
Os Titãs gravam seu segundo álbum em 1985, Televisão, com produção da Lulu Santos. O álbum serviu para colocar a faixa-título no rádio, além das canções "Insensível", "O Homem Cinza", "Massacre" e "Dona Nenê". Nesse mesmo ano, o grupo participou de Areias Escaldantes (1985), cantando e atuando, mas o filme não foi lançado para exibição nacional. O disco, como seu antecessor, vendeu abaixo das expectativas.
Em novembro de 1985, Tony Bellotto e Arnaldo Antunes foram presos (o primeiro por porte e o segundo por porte e tráfico de heroína). Bellotto foi libertado sob fiança. Arnaldo Antunes, por sua vez, ficou mais tempo atrás das grades, sendo solto após um mês. A prisão dos dois integrantes seria o culminar do que o grupo considera sua primeira crise, iniciada pelas vendas ruins dos dois primeiros discos.
Depois desses acontecimentos, os Titãs voltaram ao estúdio, cuja principal mudança veio na parte da produção do disco, que ficou a cargo de Liminha. Liminha foi a primeira produtora a sugerir mudanças em algumas faixas, algo que até aquele momento a banda não aceitava. Em junho de 1986, é lançado o terceiro álbum da banda, Cabeça Dinossauro. Abriu várias portas para os Titãs, com o aumento do número de shows e do preço.
Isso incentivou a banda a entrar em estúdio para gravar seu quarto álbum, Jesus Não Tem Dentes no País dos Banguelas. O produtor Liminha foi considerado o "9º titã", devido à participação em shows do grupo paulista. Após algumas apresentações internacionais, a banda gravou ao vivo uma seleção de músicas antigas e lançou o álbum Go Back, em 1988, e o quinto álbum de estúdio, Õ Blésq Blom, em 1989. Ainda em 1988, participaram da música "Tempo" ( escrita por Arnaldo e Paulo) no disco Sandra de Sá, da cantora homônima.
Década de 1990: saída de Arnaldo Antunes, projetos paralelos e sucesso de vendas
Lançado em 1991, Tudo ao Tempo Agora foi o último disco do vocalista Arnaldo Antunes. Insatisfeito com a direção musical da banda, que na época deixava a brasilidade de lado em favor de um som mais pesado e cru, o cantor deixou o então octeto em 15 de dezembro de 1992 e passou a se dedicar à carreira solo, mas continuaria a colaborar com sua antiga banda co-escrevendo canções.
Durante a turnê do álbum, em 25 de novembro de 1991, a banda se apresentou ao vivo na Rádio Cidade, transmitida para 22 emissoras da Rede Cidade, atingindo um público total estimado em 10 milhões de pessoas.
Titanomaquia de 1993, produzido por Jack Endino, produtor de bandas como Nirvana, Soundgarden e Skunkworks, foi o terceiro álbum solo do vocalista do Iron Maiden Bruce Dickinson.
Em 1994, a banda sai de férias, mas os integrantes investem em projetos solo. Paulo e Nando lançam seus primeiros álbuns solo (respectivamente, Paulo Miklos e 12 de Janeiro); Branco e Sérgio formam o Kleiderman; e Tony lança seu primeiro livro, Bellini and the Sphinx. De volta ao trabalho, lançaram Domingo em 1995. Em 1997, para comemorar 15 anos de carreira, a banda aceitou participar do projeto MTV Acústico. O CD e o vídeo, gravados no Teatro João Caetano, no Rio de Janeiro, alcançaram a marca de 1,7 milhão de cópias mostrando um lado desconhecido do grupo: os sete integrantes tocando instrumentos não plugados. Entre os diversos instrumentistas convidados estavam o produtor Liminha e o percussionista Marcos Suzano, além de um quarteto de cordas, harpa e um traje de sopro e sopro. Como vocalistas convidados, o álbum contou com a participação do cantor argentino Fito Paez e do reggaeman Jimmy Cliff, além dos cantores Marisa Monte, Marina Lima, Rita Lee e o ex-titã Arnaldo Antunes, que participaram da música "O Pulso".
Aproveitando o sucesso do álbum anterior, a banda lançou Volume Dois em 1998, uma espécie de continuação do Acústico, com releituras de outros sucessos e novas faixas. Atingiu 1 milhão de cópias vendidas.
Em 1999, saiu o álbum As Dez Mais, a primeira obra inteiramente não autoral. Com dez faixas, regravadas por cantores como Tim Maia, Roberto Carlos e Raul Seixas, e bandas como Legião Urbana e Ultraje a Rigor. As Dez Mais também tiveram sucesso de vendas, com 400 mil exemplares,
Anos 2000: Morte de Marcelo Fromer e saída de Nando Reis
Em 2001, os Titãs assinavam com a Abril Music e iam começar a gravar mais um trabalho. Porém, em 11 de junho de 2001, aos 39 anos, o violonista Marcelo Fromer foi atropelado por uma motocicleta em São Paulo e faleceu dois dias depois. Na época, pensava-se que a morte de Fromer seria o fim da banda. No entanto, eles decidiram seguir em frente.
Com o início das gravações de The Best Band Ever Last Week, surgiram dúvidas sobre a gravação: Tony Bellotto, guitarrista solo, pensou em gravar todas as guitarras do álbum, mas mudou de ideia. Foi até proposto que Paulo Miklos e Branco Mello se revezassem no instrumento, mas a decisão final foi convidar o músico Emerson Villani, que já havia tocado com a banda em alguns shows e turnês, inclusive substituindo Marcelo em 1998, quando ainda era convidado a comentar a Copa do Mundo FIFA de 1998 pelo canal SporTV. O repertório permaneceu inalterado: as 16 faixas já haviam sido escolhidas antes da morte de Fromer. Seus singles foram as canções "A Melhor Banda da Semana Passada", "O Mundo é Bão, Sebastião!", "Epitafio" e "Aquele".
Em 9 de setembro de 2002, o baixista e vocalista Nando Reis anunciou que estava deixando os Titãs. A saída foi primeiro informada pela Abril Music, que deu como motivo da saída "motivos pessoais", e depois uma versão mais detalhada foi divulgada pela assessoria de imprensa do músico. Nele, o músico conta que as mortes de Cássia Eller e Marcelo Fromer o abalaram muito, mas ele afirma que sua saída se deveu apenas a uma "incompatibilidade de pensamentos":
Minha decisão de deixar o grupo se deve única e exclusivamente a uma incompatibilidade de pensamento quanto ao futuro da preparação do que seria nosso próximo álbum. Por acreditar que um trabalho desta natureza exige a dedicação total que por motivos pessoais não poderia oferecer, achamos melhor desligar no início da preparação e dos ensaios. Faço isso com profundo pesar no coração, porque nunca imaginei que isso fosse acontecer.
Em 2012, o músico declararia que, na época, não conseguiu entrar em estúdio devido às mortes e cansaço das turnês, mas que a banda queria gravar um novo disco mesmo assim e, portanto, ele acabou sendo disparamos.
carreira como quinteto
Em 2003, os Titãs lançaram o álbum Como está voces ?, que contou com os singles "Eu Não Sou um Bom Lugar", "Enquanto Hár Sol", "Provas de Amor" e "Vou Duvidar".
Em 2005, foi lançado o MTV Ao Vivo, com algumas canções dos 25 anos de história da banda e as inéditas "Vossa Excellence" (composta em meio ao escândalo do Mensalão), "Anjo Exterminator" e "O Inferno São os Outros".
No dia 18 de fevereiro de 2006, ao lado do coletivo Afroreggae, a banda abriu o histórico show dos Rolling Stones, realizado na Praia de Copacabana, no Rio de Janeiro. O show foi marcado por ter um público de aproximadamente 1,5 milhão de pessoas, sendo a maior de todos os tempos em um show de rock.
Em 2007, os Titãs completam 25 anos de carreira, comemorados com uma série de shows ao lado de Os Paralamas do Sucesso, que também completam 25 anos de carreira. A série de shows, que durou ao longo de 2008, culminou em um show realizado na Marina da Glória, no Rio de Janeiro, em janeiro de 2008, e lançado em CD e DVD intitulado Paralamas e Titãs Juntos e Ao Vivo.
Em 2009, a Branco Mello confirmou no site oficial dos Titãs a estreia, em fevereiro, do filme Titãs - A Vida Até Parece Festa, exibido no circuito de São Paulo e dirigido por Branco Mello e Oscar Rodrigues Alves
Após seis anos sem lançar um álbum de estúdio (o período mais longo da carreira da banda), no primeiro semestre de junho de 2009 foi lançado o Plastic Bags, produzido por Rick Bonadio e lançado por sua gravadora, Arsenal Music (com distribuição pela Universal Music). O álbum marca a entrada da banda em uma nova gravadora, após seis anos com a Sony BMG. Bonadio era conhecido por produzir bandas de sucesso nas décadas de 1990 e 2000, como Mamonas Assassinas, Charlie Brown Jr., Los Hermanos, Tihuana, CPM 22, Hateen, NX Zero, Fresno e Strike. Além disso, ele também foi o produtor de Ira! nos álbuns Acústico MTV e Invisível DJ.
Os dois primeiros singles do álbum são "Before You" e "Porque Eu Sei que É Amor", ambos na voz de Paulo Miklos. As músicas integraram as trilhas sonoras de duas novelas da Rede Globo: Caras & Bocas (19h) e Cama de Gato (18h), respectivamente. O tema de abertura do enredo das 18h é "Pelo Avesso", do álbum Como Somos Vocês? (2003), na voz de Sérgio Britto.
A banda abandonou seus músicos suporte, tornando-se apenas um quinteto. Branco Mello, vocalista, assume o baixo definitivamente (em outras turnês, Branco tocava apenas algumas músicas). Sérgio Britto, tecladista e vocalista, também se divide entre teclado e baixo. Já o vocalista Paulo Miklos, por sua vez, assume a guitarra base. Tony Bellotto e Charles Gavin continuam como guitarrista e baterista, respectivamente.
A partida de Charles Gavin e a turnê das sacolas plásticas
Em 12 de fevereiro de 2010, os Titans anunciaram em seu site oficial que o baterista Charles Gavin estaria deixando a banda por motivos pessoais. Os outros quatro músicos continuaram com seus compromissos relacionados à turnê do álbum Sacos Plásticos, e o baterista contratado para acompanhar a banda é Mario Fabre. De acordo com o guitarrista Tony Bellotto, Charles Gavin deixou a banda porque "É difícil envelhecer em um grupo de rock". Questionado sobre o status de Mario na banda, Tony explicou ironicamente: "Ele é o baterista oficial! Ele é o baterista dos Titãs! Mas ele não é um dos Titãs, porque nossa história começou há muito tempo, na mitologia grega ..."
Dias após este anúncio, Charles disse em entrevista que a sua saída já estava marcada desde a pré-produção do álbum Sacos Plásticos e durante a digressão com Os Paralamas do Sucesso. Alguns dos problemas de Charles eram sintomas de pânico e depressão, bem como o enorme desgaste de 25 anos de turnê. Gavin pensou em se formar durante a Plastic Bags Tour (2009-2010), mas disse que não poderia ficar longe dos Titãs com tantos compromissos.
Rock In Rio IV, Futuras Instalações, 30 Anos de Carreira
No dia 23 de setembro de 2011, ao lado de Os Paralamas do Sucesso, a banda participou do show de abertura da quarta edição do Rock in Rio, no palco principal. O show teve a abertura de Milton Nascimento, ao lado de Tony Belloto e da Orquestra Sinfônica Brasileira, tocando "Love of My Life", do Queen. O show também contou com a participação de Maria Gadú. A 2 de Outubro do mesmo ano, a banda actuou no Palco Sunset do Festival ao lado da banda portuguesa Xutos & Pontapés, o que gerou um DVD distribuído pela MZA Music no ano seguinte.
Logo após essas apresentações, terminou o Sacos Plásticos Tour, que durou dois anos e deu lugar ao novo show de instalações Futuras. A nova turnê seria um teste para novas músicas que estariam no próximo álbum da banda, então agendada para 2012/2013, além de a banda tocar alguns clássicos.
Titãs com sua formação de quarteto (Paulo Miklos, Sérgio Britto, Branco Mello e Tony Bellotto) e o baterista apoio Mário Fabre
Em 2012, a banda realizou a turnê Cabeça Dinossauro, na qual apresentou todo o álbum lançado em 1986 - a turnê culminou com o lançamento do álbum Cabeça Dinossauro ao Vivo 2012, que registra uma apresentação realizada no Circo Voador, no Rio de Janeiro em Junho daquele ano. ano. A banda também relançou os álbuns gravados entre 1984 e 1999 via iTunes e realizou dois shows comemorativos aos 30 anos de carreira, com a presença dos ex-integrantes Arnaldo Antunes, Nando Reis e Charles Gavin. O show foi confirmado por Paulo Miklos antes de uma apresentação em Manaus, São Paulo, cidade natal da banda, o show de 30 anos aconteceu no Espaço das Américas, na Barra Funda, na noite de 6 de outubro de 2012. Os sete integrantes se reuniram na casa de Nando no décimo aniversário da morte de Marcelo, que foi a última vez que se encontraram.
Titãs e Nheengatu não publicados
Titãs em 2013.
Em 2013 e 2014, a banda tocou algumas músicas inéditas na digressão Titãs Inédito. Eles começaram a trabalhar em um novo álbum entre abril e maio de 2014. Miklos disse que o álbum seria "pesado, sujo e mau". Posteriormente, Britto confirmou que o álbum seria lançado no início de maio e que a banda já estava gravando músicas em estúdio, mas o nome do novo trabalho ainda não estava definido. Em meados de março, a Rádio Globo FM divulgou que o álbum seria lançado em abril pela Som Livre e conteria 14 faixas. Em 16 de abril, a banda anunciou em sua página do Facebook que o álbum estava pronto e seria lançado em maio.
No dia 28 de abril de 2014, a banda divulgou os detalhes de seu novo trabalho: Nheengatu, lançado no dia 12 de maio do mesmo ano e seguido de uma turnê que gerou o CD e DVD Nheengatu ao Vivo, lançado em 2015.
Em fevereiro de 2016, a banda foi novamente o grupo de abertura dos Rolling Stones no Brasil, pela segunda e terceira vez, no Estádio do Morumbi, em São Paulo, em duas noites distintas.
Saída de Paulo Miklos, nova formação e ópera rock
No dia 11 de julho de 2016, o vocalista e guitarrista Paulo Miklos anuncia sua saída da banda. De acordo com nota oficial publicada nos perfis da banda e do músico no Facebook, Paulo agradece pelos anos de convivência e diz que a partir de então vai se dedicar à música em geral, compondo e cantando, além da carreira de ator. Para substituí-lo, os Titãs integram o guitarrista suporte Beto Lee, filho da cantora Rita Lee, à banda, para a continuação da turnê do Nheengatu.
A primeira gravação da banda com Beto é uma versão de Pro Dia Nascer Feliz, de Barão Vermelho, para a trilha sonora da 24ª temporada de Malhação, série da Rede Globo. Com a entrada de Beto, a banda passou a integrar em seu repertório ao vivo músicas que não tocavam há muito tempo, como Does It Be That I Need? e você nem sempre pode ser Deus. Eles também começaram a ter algumas músicas cantadas pelo Tony.
Ainda em 2016, o grupo revelou que está preparando um álbum para 2017. Segundo Tony, o novo álbum será uma ópera rock, e a banda pretende entrar em estúdio até meados de 2017 para que o álbum seja lançado no segunda metade do ano. Com referência aos discos Quadrophenia, do The Who, e American Idiot, do Green Day, o álbum, com mais de 30 músicas, terá sua história escrita com a ajuda de Hugo Possolo e Marcelo Rubens Paiva. Em abril de 2017, a maioria das pistas estava pronta, segundo Branco.
Ainda em abril, a banda deu início à turnê intitulada "Uma Noite no Teatro", em show que marcou também a inauguração do teatro Opus, no Shopping Villa-Lobos, em São Paulo. A turnê contém três novas faixas: Me Estuprem, sobre assédio sexual e estupro; Doze flores amarelas; e o partido. Na época, foi relatado que nenhum deles apareceria no próximo álbum do grupo. Porém, no dia 23 de setembro de 2017, a banda tocou os três novamente durante sua apresentação no festival Rock in Rio, e desta vez disse que todos fariam parte do projeto. Em dezembro de 2017, eles anunciaram que começaram a gravar o álbum e que seria lançado pela Universal Music. Em 31 de janeiro, eles anunciaram que a ópera rock seria lançada no início de 2018 e que seu título seria Twelve Yellow Flowers.
Em maio de 2018, Branco Mello foi diagnosticado com um tumor na laringe, que o deixou três meses ausente da banda. No período em que esteve ausente, foi substituído por Lee Marcucci, que atuou como músico contratado pela banda entre 2002 e 2009.
Titãs Trio Acústico e retorno ao BMG
A partir de 2019, eles realizaram uma série de shows acústicos em comemoração aos 20 anos da MTV Acústica, que não puderam ser comemorados em 2017 devido à preparação para Doze Flores Amarelas. A digressão chamou-se "Trio Acústico" e foi conjugada com a promoção de Doze Flores Amarelas e a digressão "Enquanto Hár Sol", esta última em formato eléctrico e misturando canções de várias épocas do grupo.
Em 2020, o grupo anunciou que havia registrado o projeto em estúdio e o resultado seria dividido em três EPs, a que se chamaram Titãs Trio Acústico. Um remake da faixa "Sonífera Ilha" foi lançado em single e videoclipe no dia 20 daquele mês, quando também foi anunciado que os três EPs sairiam a partir de abril no BMG, selo ao qual voltaram no final do mês. 2019.
Em outubro de 2020, os restantes integrantes participaram na regravação de "Comida" (de Jesus Não Tem Dentes no País dos Banguelas), da cantora Elza Soares. A versão estava originalmente planejada para o álbum que ela lançou em 2019, Planeta Fome, mas ela acabou optando por usar a música em outro momento, e decidiu lançá-la no aniversário de um ano do álbum, e também para marcar a indicação para o mesmo Grammy latino.
Membros
formação atual
Branco Mello - vocal (1982-atualmente), baixo elétrico (2002-atualmente), violão em shows acústicos (2016-atualmente)
Sérgio Britto - vocal e teclado (1982-atualmente), baixo nas faixas cantadas por Branco (2009-atualmente)
Tony Bellotto - violão e violão (1982-atualmente), vocal (2016-atualmente)
Tokyo foi uma banda brasileira que surgiu em 1984, com um estilo punk rock e que revelou o cantor punk Supla e o produtor de MPB BiD (na época Bidi, guitarrista). Eles fizeram sucesso com as canções "Humans" e "Girl from Berlin"
História
No início, a banda tinha os nomes Zig Zag e Metropolis, posteriormente se mudando para Tóquio. O primeiro lançamento da banda foi um single simples com a música "Mão Direita", que foi lançada pelo selo Som Livre e acabou sendo censurada por ter uma letra que tratava de masturbação.
Eles então se mudaram para a Epic Records, onde lançaram a música "Humans", que foi o primeiro hit de rádio da banda. No mesmo ano eles lançaram Humans, o álbum de estreia da banda. Na época, a imprensa rotulava a banda de "punks boutique". O single seguinte foi "Girl from Berlin", faixa do pintor Rodrigo Andrade em 1982. "Girl from Berlin" teve a participação da roqueira alemã Nina Hagen, e fez sucesso em 1986. Nesse mesmo álbum, participa Cauby Peixoto em uma faixa chamada "Romântica". Após o lançamento do primeiro álbum, Bid deixou a banda e foi substituído por Conde Novaes.
Em 1987 lançam o disco O Outros Lado, que não faz sucesso. Porém, a música "Metralhar e Não Morrer" chegou a tocar em algumas rádios. A banda encerrou suas atividades dois anos depois.
Membros
Supla (voz e ocasionalmente guitarra base)
Andrés Etchenique (baixo e backing vocals)
Eduardo Bidlovski "Bidi" (guitarra solo e backing vocals)
Count (guitarra)
Marcelo Zarvos (teclado)
Rocco Bidlovski (bateria, percussão e backing vocals)
Ultraje a Rigor é uma banda de rock brasileira, criada no início dos anos 1980 em São Paulo. Idealizado por Roger Moreira (vocal e guitarra base), fez sucesso em 1983 no Brasil, devido às canções "Inútil" e "Mim Quer Tocar". Em 1985 a banda tornou-se nacionalmente conhecida pelo álbum Nós Vamos Invadir sua Praia, que trouxe o primeiro disco de ouro e platina para o rock nacional.
Sua formação inicial foi Roger, Leonardo Galasso (bateria, mais conhecido como Leôspa), Sílvio (baixo) e Edgard Scandurra (guitarra solo). Hoje, apenas Roger, o criador da banda, continua desde a formação original.
Entre 2011 e 2013, a banda tornou-se a banda da casa do talk show brasileiro Agora É Tarde, da Rede Bandeirantes, apresentado por Danilo Gentili. Após a contratação de Danilo Gentilli pelo SBT, a banda passa a integrar o elenco de The Noite com Danilo Gentili
História
Início: 1980 - 1988
O grupo Ultraje a Rigor começou como uma banda de covers, principalmente Beatles, punk rock e new wave. A primeira formação, composta por Roger, Leôspa, Sílvio e Edgard Scandurra, começou com pequenos shows em bares. Em 1982, decidiram que o nome da banda seria Ultraje a Rigor, um trocadilho com a expressão "traje estrito". Roger tinha inicialmente pensado em nomear a banda apenas como "Ultraje", mas Edgard, quando questionado sobre o nome, ouviu mal e perguntou: "Huh? Como é? Que fantasia, a fantasia formal?". O trocadilho deu certo e o nome Ultraje a Rigor foi adotado.
Logo, Silvio deixou a banda e foi substituído por Maurício Defendi. Em abril de 1983, a nova formação participa do primeiro show da banda apenas com composições próprias. Após alguns shows, a banda fechou contrato de gravação com o produtor Pena Schmidt, que fazia parte da WEA e também trabalhou com artistas como Ira! (do qual Edgard fazia parte) e os Titãs. O Ultraje então gravou seu primeiro single, Inutil / Mim Quer Tocar, que, devido a problemas de censura, não foi lançado até outubro daquele ano.
Edgard, já membro do Ira !, viu-se incapaz de continuar dividindo seu tempo entre duas bandas e optou pela segunda. Carlo Bartolini, conhecido como Carlinhos, foi chamado para ocupar seu lugar. Em 1984, com a nova formação, o Ultraje gravou seu segundo single, Eu Me Amo / Rebelde Sem Causa. A primeira música teve um sucesso relativo, incentivado pela coincidência de seu refrão com o de Egotrip, de Blitz. A segunda música, porém, foi decisiva para o sucesso da banda desde que começou a ser cantada, em janeiro de 1985.
O primeiro LP da banda, Nós Vamos Invadir Sua Praia, lançado alguns meses depois, foi um grande sucesso. Foi o primeiro LP de rock do Brasil a ser certificado Ouro e Platina. A maioria das músicas teve grande sucesso, e a banda bateu recordes de público em diversos pontos do país, como no Canecão, no Rio de Janeiro.
No início de 1986, o Ultraje gravou o LP Liberdade Para Marylou, com uma versão remixada de Nós Vamos Invadir Sua Praia, a inédita Hino dos Cafajestes e uma versão de Marylou em ritmo carnavalesco, muito tocada nos bailes carnavalescos do tempo. Em 1987, durante as gravações do novo LP Sex !!, Carlinhos (com a possibilidade de se mudar para Los Angeles para formar sua própria banda) deixou a banda e Sérgio Serra o substituiu. O segundo álbum fez tanto sucesso quanto o primeiro, com a música Eu Gosto de Mulher chegando a 96 no Hot 100 Brasil.
Maturidade e mudanças: 1989 - 1998
Em 1989, mais maduros e um pouco cansados das constantes turnês, os membros gravaram seu terceiro álbum, Crescendo. O álbum vendeu bem, mas a mídia começou a perder o interesse no Ultraje após quatro anos de sucesso. Mesmo assim, o grupo ainda gerou polêmica, ao provocar o anúncio do fim da censura oficial, com a canção Filha da Puta. A música foi censurada não oficialmente em muitas estações de rádio e programas de TV, o que dificultou a promoção do álbum. Outras canções picantes com temas como "O Chiclete" e "Volta Comigo", uma canção sobre adultério, tiveram suas performances comprometidas. No mesmo ano, o grupo fez uma participação especial no álbum de 1989 do grupo Trem da Alegria, na música Jandira, que foi a terceira música de trabalho do disco. Em 1990, o Ultraje voltou às raízes com o lançamento de "Por Quê Ultraje a Rigor?", Disco de covers que fazia parte do repertório do início de carreira, além de Mauro Bundinha, música inédita da mesma fase. Mauricio, depois de se casar com uma americana, mudou-se para Miami. Sua vaga foi preenchida provisoriamente por Andria Busic, baixista do Dr. Sin, que um mês depois passou a vaga para Osvaldo Fagnani. Após quase mais um ano de turnê, Roger percebe que Ultraje a Rigor não era mais a mesma banda. Leôspa, depois de casado, não conseguiu mais manter o entusiasmo para viajar e ensaiar; Sergio aspirava sair para formar sua própria banda, e Osvaldo preferia trabalhar em seu estúdio profissional. Depois de uma conversa com Leôspa, Roger decidiu procurar novos integrantes para tentar dar continuidade ao Ultraje.
Em busca de bares e shows de bandas iniciantes, encontrou Flávio Suete, baterista que tocou covers de Frank Zappa. Flávio indicou Serginho Petroni, baixista que também tocou covers. Juntos, começaram as audições para novos guitarristas. Após meses de testes, eles descobriram Heraldo Paarmann por meio de um anúncio na Rádio Brasil 2000 FM. Eles continuaram ensaiando e fizeram alguns shows para reforçar seus respectivos sons. Em 1992, contra a vontade da banda, a WEA lançou uma coletânea intitulada "The Enchanted World of Ultraje a Rigor" (a palavra "Enchanted" foi uma ironia de Roger quanto ao charme dos primeiros anos e as dificuldades da gravadora em relação a novos projetos ) Embora essencialmente uma compilação de material lançado anteriormente, o álbum continha duas novas faixas da nova formação (Vamos Virar Japonês, com a dupla caipira Tonico e Tinoco; e uma versão de Rock das 'Aranha', de Raul Seixas), juntamente com reedições de sucesso lançadas anteriormente. Em 1992, ainda em rebelião contra a indiferença de sua gravadora, o grupo gravou de forma independente Ah, Se Eu Fosse Homem, uma turnê sobre as dificuldades enfrentadas pelos homens em relação ao novo pós-feminismo. A fita dessa música, distribuída nas rádios pela banda, produziu os resultados esperados.
Em 1993, em meio a uma situação já tensa com a gravadora, lançam Ó !, seu sexto LP - o quarto composto apenas de material inédito. O álbum foi gravado às pressas (dois meses em estúdio) e com orçamento pequeno, condição que foi imposta pela WEA que, mesmo assim, praticamente ignorou o álbum, fazendo com que o contrato fosse rescindido em 1994. O vídeo para "Acontece Toda Vez" Que Eu Fico (Apaixonado) "fez sucesso na MTV, mas a canção foi apenas um modesto sucesso na mídia e nas lojas. Em 1995, uma nova coleção de sucessos, desta vez sem o conhecimento da banda, foi lançado, parte da série "Pop Generation" .Em 1996, a gravadora lançou mais uma coleção surpresa, o disco O Melhor do Ultraje a Rigor / 2 É Demais! - fusão dos dois primeiros discos sem as faixas bônus. sem avisar a banda, a Warner lança mais dois lançamentos: em 1997, Pop Brasil, (na verdade, uma reedição de Geração Pop com menos músicas), e, em 1998, Ultraje a Rigor Vol. 2/2 É Demais !, outros dois- compilação de fusão de álbum, sem as faixas bônus da banda - o terceiro e o quarto álbuns.
Reiniciar: 1999 - 2007
No início de 1999, após Serginho deixar a banda e ser substituído por Rinaldo Amaral (conhecido como Mingau), o Ultraje lançou 18 Anos sem Tirar !, álbum gravado ao vivo em 1996, de forma independente, que ganhou quatro novas faixas em estúdio. Agora, passando de WEA para Deckdisc / Abril Music e tendo como carro-chefe a faixa "Nada a Declarar", chegam ao Disco de Ouro. Em janeiro de 2001, o Ultraje a Rigor participou da terceira edição do Rock in Rio, em apresentação conjunta com o Ira! e intitulado Devo Ficar Ou Devo Ir ?, capa de The Clash.
Em 2002, outra mudança de formação: Flávio e Heraldo se distanciaram das intenções musicais do resto da banda e decidiram sair. Foram substituídos por Marco Aurélio Mendes, Bacalhau, ex-baterista do Rumbora, e Sérgio Serra, ex-guitarrista do Ultraje, que voltou de Los Angeles para se reintegrar ao grupo e participar da gravação de Os Invisíveis.
Em 2005, a banda gravou e lançou, em CD e DVD, seu Acústico MTV. O álbum conta com grandes sucessos como "Inutil", "Mim Quer Tocar", "Independente Futebol Clube" e "Eu Gosto de Mulher" e novas faixas como "Each Um Por Si". Destaque também para Eu Não Sei, versão Can't Explain, do The Who, feita por Roger a pedido de Ira !; Ciúme, gravado em versão originalmente planejada para o álbum Nós Vamos Invadir Sua Praia, com uma parte calma; e vamos invadir sua praia, com cordas e metal.
Fase independente: 2008 - 2010
No final de 2008, Roger confirmou sua saída do selo Deckdisc para trabalhar em um álbum independente para download. O projeto se chamava Esquisita Música a Troca de Nada !, e você não precisa pagar para ter as músicas no computador. No início de 2009, após gravar algumas demos, Sérgio Serra deixou a banda novamente. Lançado no dia 5 de abril de 2009, o EP foi gravado com as participações de Edgard Scandurra nas guitarras, da cantora Klébi Nori na música Amor e foi disponibilizado no site ReverbNation e no My Space da banda.
Após alguns meses como power-trio, acompanhado pela banda suporte, por meio de uma conta no Facebook, Roger anuncia a entrada do guitarrista Marcos Kleine. Com essa formação, a banda segue realizando shows nas proximidades da região sudeste do Brasil, devido ao medo de Roger de voar, o que leva a banda a agendar shows em que é possível viajar de ônibus.
2010 - atualmente
Em 2010, foi anunciado o lançamento da biografia Nós Vamos Invadir Sua Praia, que mostra a história da banda. O livro, da jovem jornalista Andréa Ascenção, autora do agente literário Andrey do Amaral, é recheado de histórias, fotos, letras de músicas, depoimentos e curiosidades. A biografia foi publicada em abril de 2011 pela Editora Belas Letras. Na época, Roger pretendia gravar um CD e DVD ao vivo, comemorando 30 anos de carreira.
Em junho de 2011, a banda passou a integrar o elenco do talk show Agora É Tarde, como banda regular. Com isso, a banda voltou a ter maior destaque na grande mídia, apresentando-se em grandes festivais como o SWU, onde teve problemas com a produção do cantor britânico Peter Gabriel, e no Reveillon, na Paulista.
Em 2012, a banda lançou um álbum na Deckdisc em parceria com a Raimundos, intitulado O Embate do Século: Ultraje a Rigor vs. Raimundos. A ideia do projeto é que uma banda regravasse a outra e vice-versa.
No final de 2013, a banda anunciou a saída da Rede Bandeirantes e do Agora É Tarde, juntando-se a Danilo Gentili, Léo Lins, Murilo Couto e Juliana Oliveira no novo talk show noturno brasileiro, The Noite no SBT.
Em 2015, a banda grava o álbum instrumental Por que Ultraje a Rigor ?, Vol. 2, que é uma continuação da versão álbum, lançada pelo grupo em 1990. O disco, gravado ao vivo no estúdio, conta com 20 regravações e conta com a distribuição EF, selo de propriedade da Sony Music. O projeto foi lançado em agosto. No mesmo ano, eles se apresentaram no Palco Sunset da sexta edição do Rock in Rio, ao lado de Erasmo Carlos. [11] Em 2016, eles abriram o show dos Rolling Stones no Estádio do Maracanã para a turnê Latin America Olé Tour 2016.
Documentário
Em 31 de janeiro de 2019, estreou o documentário Ultraje. Dirigido por Marc Dourdin, o documentário foi lançado em comemoração aos 35 anos da banda, com a participação de todos os integrantes que passaram por ele na época. Segundo informações da Vice Brasil, o documentário foi um fracasso de bilheteria, tendo estreado em 20 salas de cinema e levando 101 pessoas às sessões, sendo a menor bilheteria entre os filmes nacionais.
Membros
formação atual
Roger Moreira - Voz e Guitarra (1981-hoje)
Mingau - Baixo e Vocais (1999 até hoje)
Bacalhau - Bateria e Voz (2002 até hoje)
Marcos Kleine - Guitarra e Voz (2009-hoje)
Uns e Outros é uma banda de rock alternativo formada em 1983 no Rio de Janeiro. [1] Tornou-se conhecida nacionalmente pelos singles "Letter to Missionaries" e "Red Days", ambos de 1989, de seu segundo álbum (relançado em 2009 pela SONY / BMG).
Depois de um tempo longe do mainstream, a banda passou por mudanças e lançou o álbum Canções de Amor e Morte, que ganhou elogios da crítica, principalmente, com os singles "Um Dia De Cada Vez" e "Depois do Temporal". O álbum conta com um remake de "Dia Branco", clássico da música brasileira, de Geraldo Azevedo.
Em 2014 lançaram seu primeiro CD ao vivo (originalmente em DVD), gravado no Rio de Janeiro, em 19 de novembro de 2010; que foi lançado "Perdendo Vida", com a participação de Bruno Gouveia, da Biquini Cavadão.
membros atuais
Marcelo Hayena - Vocais (1983 - atualmente)
Nilo Nunes - Guitarra (1983 - atualmente)
Ronaldo Pereira - Bateria (1988-1993, 2014-2018)
Gueu Torres - Baixo (2007 - atualmente)
Bruno Baiano - Bateria (2018 - atualmente)
Violeta de Autumn é uma banda de rock brasileira formada em São Paulo. Fortemente influenciados pelos Beatles, Rolling Stones, Pink Floyd, Led Zeppelin e Gong, eles eram originalmente uma banda pós-punk com alguns elementos psicodélicos embutidos neles, mas gradualmente abandonariam suas influências pós-punk e adicionariam mais elementos progressivos ao seu som com o passar do tempo.
A banda passou por várias mudanças de formação desde sua fundação; o único membro fundador remanescente é o vocalista / guitarrista Fabio Golfetti.
História
Fabio Golfetti fundou a Violeta de Autumn em 1985 com Cláudio Souza; ambos haviam deixado recentemente a banda pioneira New Romantic Zero. Angelo Pastorello se juntou a eles mais tarde, e com essa formação eles lançaram uma fita demo, Memories, no mesmo ano. A fita chamou a atenção do selo independente Wop-Bop Records, que lançou seu primeiro EP, Reflexos da Noite, em 1986.
Em 1987, o primeiro álbum homônimo de Violeta de Autumn saiu pela RCA Records. Foi muito bem recebido; elogios em particular foram para seu cover da canção dos Beatles "Tomorrow Never Knows".
Em 1988, eles lançaram um EP de quatro faixas intitulado The Early Years, com covers de "Citadel" dos Rolling Stones, "Interstellar Overdrive" do Pink Floyd, "Within You Without You" dos Beatles e "Blues for Findlay". de Gong. Essas gravações foram feitas originalmente entre 1984 e 1986. No ano seguinte, seu segundo álbum de estúdio, Em Toda Parte, foi lançado pela Ariola Records. A partir deste álbum, Violeta de Autumn abandonou o som pós-punk anterior e mudou-se para uma direção mais experimental, influenciada pelo rock progressivo.
Em 1990, Cláudio Souza deixou a banda, sendo substituído por Cláudio Fontes (Souza voltaria à banda em 1993). De 1993 a 1995, o Violeta de Outono entrou em um curto período de hiato; voltaram à atividade com um álbum ao vivo, Eclipse, e seu terceiro álbum de estúdio, Mulher na Montanha, que começou a gravar em 1995, mas não seria concluído até 1999. Em 2000, lançariam seu segundo álbum ao vivo, Live at Rio ArtRock Festival '97, uma gravação de sua performance no Rio ArtRock Festival no Rio de Janeiro em 1997. Durante o hiato de Violeta de Autumn, Golfetti lançou três álbuns com a Companhia de Ópera Invisível do Tibete (Versão Tropical Brasil), um projeto paralelo de Violeta de Autumn que se formou em 1988, no entanto, o projeto não foi tão bem sucedido e memorável como o próprio Violeta de Autumn e chegou ao fim em 1995, ressurgindo em 2010.
Ainda em 2000, Violeta de Autumn mudou sua programação quase que completamente, com Gregor Izidro substituindo Cláudio Souza e Sandro Garcia substituindo Pastorello. Porém, ambos voltariam a gravar o quarto álbum de estúdio da banda em 2003, Ilhas, lançado em 2005.
Violeta de Autumn & Orchestra, seu primeiro videoclipe, saiu em 2006, gravado durante apresentação em São Paulo dois anos antes, com participação especial da Orquestra Sinfônica da USP. No mesmo ano, Pastorello deixou a banda e foi substituído por Gabriel Costa, enquanto o estreante Fernando Cardoso assumiu o cargo de tecladista. Com esta formação, eles lançaram seu quinto álbum de estúdio (e sétima gravação de estúdio como um todo), Volume 7, em 2007.
Em 2009, Cláudio Souza saiu de Violeta de Autumn pela terceira vez, mas antes disso gravaram outro videoclipe, Seventh Brings Return, no qual tocaram covers ao vivo de Pink Floyd e Syd Barrett, e também fizeram seu primeiro álbum completo em show no o teatro da cidade de São Paulo. Fred Barley substituiu Souza - porém, Barley deixou a banda em 2011 para ingressar no Terço, sendo substituído pelo ex-A Chave do Sol José Luiz Dinola; desde então, a formação da Violeta de Outono permanece inalterada.
O sexto álbum da banda, Espectro, foi lançado em 2012.
Em 19 de setembro de 2016, a banda anunciou que havia começado a trabalhar em seu sétimo álbum de estúdio, Spaces, lançado em 14 de outubro de 2016. No mesmo ano, a revista Rolling Stone Brasil o elegeu o 25º melhor álbum brasileiro de 2016.
Membros
formação atual
Fabio Golfetti - Vocais, violão (1985–)
Gabriel Costa - Bass (2006–)
José Luiz Dinola - bateria (2011–)
Fernando Cardoso - teclado (2006–)
Zero (denominado ZERØ) é uma banda de rock brasileira formada em 1983 em São Paulo e radicada no Rio de Janeiro desde 1998, considerada a maior precursora do movimento Novo Romântico no Brasil.
História
Primeira formação e "heróis" (1983-1985)
Zero emergiu das cinzas do Ultimato (anteriormente conhecido como Lux), uma banda instrumental de jazz / no wave punk formada em São Paulo em 1978 (e rebatizada de Ultimato em 1981) por Fabio Golfetti, Alberto "Beto" Birger, Cláudio Souza, Gilles Eduar e Nelson Coelho. O futuro vocalista Guilherme Isnard, que havia recentemente deixado sua banda anterior, Voluntários da Pátria, foi apresentado ao Ultimato por seu amigo Luiz Antônio Ribas, dono do extinto selo independente Underground Discos e Artes; Isnard então decidiu se juntar à banda e conversou com seus membros sobre adicionar letras às músicas. Seu estilo musical acabou mudando para "arte rock com um toque pós-punk", nas palavras de Isnar, e em 1983 eles se reorganizaram como Zero. Seu primeiro lançamento foi o single "Heroes", que saiu pela CBS Records em 1985.
Mudanças na formação, etapas no escuro e carne humana (1985–1987)
Em 1985, a banda participou do primeiro álbum de May East, Remota Batucada, na faixa "Caim e Abel" - mas também passou por uma grande reestruturação no mesmo ano, com a saída de todos os seus integrantes, exceto Isnard. Muitos de seus ex-integrantes iniciariam seus próprios projetos: Fabio Golfetti e Cláudio Souza formaram a influente banda de rock psicodélico Violeta de Autumn, Beto Birger compôs Nau com Vange Leonel, Gilles Eduar se juntou ao Grupo Luni e Nelson Coelho criou Dialeto.
Isnard juntou-se então à formação "clássica" da banda: Alfred "Freddy" Haiat (ex-Degradée e irmão do guitarrista do Metrô Alec Haiat) no teclado, Ricardo "Rick" Villas-Boas no baixo, Eduardo Amarante (ex-Agentss e Azul 29) na guitarra e Athos Costa na bateria. Seu primeiro grande lançamento em estúdio foi a peça estendida Passos no Escuro, da EMI; foi um campeão de vendas, ganhando um Disco de Ouro pela ABPD. O EP gerou os sucessos "Formosa" e "Agora Eu Sei", este último com a participação especial do vocalista da RPM Paulo Ricardo nos vocais adicionais.
Em 1987, Athos Costa deixou a banda e foi substituído pelo ex-Blue 29 Malcolm Oakley. A banda começou então a trabalhar no seu primeiro álbum de estúdio, Carne Humana, que deu origem aos também populares singles "Quimeras" e "A Luta e o Prazer". No mesmo ano, abriram shows da turnê Break Every Rule de Tina Turner em São Paulo e no Rio de Janeiro.
Separação (1989)
Citando sua falta de interesse em continuar com a banda, Guilherme Isnard anunciou que o Zero estava chegando ao fim em 1989. [7] Em seguida, passou a trabalhar em outros projetos, entre eles a banda cover de Roxy Music e Bryan Ferry Roxy Nights, e cantou standards de Jazz e Samba Canção como Guillaume Isnard e Psicofônicos. Depois de se apresentar com o cantor Miltinho em 1992, voltou a morar no Rio de Janeiro e parou de cantar até 1997, quando decidiu retomar a carreira.
Rick Villas-Boas mudou-se temporariamente para a Holanda antes de retornar ao Brasil; Eduardo Amarante mudou-se para Salvador; Malcolm Oakley se tornou um publicitário; e Freddy Haiat dirige seu negócio de fabricação e importação de instrumentos musicais com seu irmão Alec.
Reunião (1998-)
Isnard se juntou à formação clássica do Zero para um show comemorando o 15º aniversário da banda em 1998; seria apenas por um dia, mas a resposta dos fãs foi tão positiva que eles anunciaram uma reunião definitiva. Seu primeiro lançamento após o hiato (mas com uma formação um pouco diferente - Sergio Naciffe entrou como baterista, Jorge Pescara no baixo e chapman stick, e JP Mendonça como tecladista adicional) foi a compilação Electro Acústico, que saiu em 2000 pela Sony e continha regravações acústicas de algumas das canções antigas da banda, além de três faixas inéditas. Teve a participação especial de Andrea Dutra do Arranco de Varsóvia, Philippe Seabra da Plebe Rude e Bruno Gouveia da Bikini Cavadão.
Em 2003, para comemorar o 20º aniversário da banda, a EMI lançou Complete Work, uma combinação de Passos no Escuro e Carne Humana em apenas um CD.
Em 2004, a Voiceprint Records lançou Dias Melhores, uma compilação de demos inéditas e outros materiais antigos gravados pela banda entre 1984 e 1985.
Em 2004, o Zero passou por mais uma mudança de formação, com a entrada de Yan França na guitarra, Eliza Schinner no baixo e Fabiano Matos na bateria, sendo substituído por Vitor Vidaut em 2007; Em 30 de agosto do mesmo ano, lançam às suas custas seu primeiro novo álbum desde 1987, Quinto Elemento, com Jorge Pescara no contrabaixo. Demos preliminares de cada uma das músicas foram disponibilizadas para serem ouvidas no perfil oficial da banda no MySpace.
Mais encontros da formação clássica da banda aconteceriam em 2012, quando eles tocaram ao vivo seus dois primeiros lançamentos completos, e em 2013, para shows em comemoração aos 30 anos de Zero; na época, Isnard anunciou que um DVD de sua atuação nesses shows seria lançado, mas até agora o plano não se concretizou.
Em 2017 Guilherme estreou uma nova formação do Zero em Nova Friburgo com Nivaldo Ramos no baixo, Daniel Viana na guitarra, Gustavo Wermelinger na bateria e Caius Marins nos teclados. Em 2018, gravaram ao vivo o EP Audioarena Originals - Guilherme Isnard e Zero em especial no Canal BIS e Multishow. A banda voltou aos grandes palcos como o Circo Voador, mas se desfez na véspera do show que comemorava seus 35 anos com a participação de Kiko Zambianchi e Paulo Ricardo, para a comodidade logística de organizar uma banda com músicos paulistas.
A partir de 2020, Zero conta com Fabiano Matos na bateria, Elisio Neto na guitarra, Rigel Romeu nos teclados e Nivaldo Ramos que permaneceu no baixo. Em outubro de 2020, eles lançaram Quando Esse Mal Passar, o primeiro single de seu próximo álbum, composto por Elísio e Isnard durante o confinamento na pandemia COVID-19.
Formação
membros atuais
Guilherme Isnard - vocal (1983-)
Fabiano Matos - bateria (2004–2005, 2020–)
Rigel Romeo - teclado (2020–)
Elísio Neto - violão (2020–)
Nivaldo Ramos - baixo (2017-)
Kid Abelha (também conhecido como Kid Abelha e os Abóboras Selvagens entre 1982 e 1988) foi uma banda de rock brasileira que fazia sucesso no país desde os anos 1980. Foi composta por Paula Toller, George Israel e Bruno Fortunato. Já venderam 9 milhões de cópias de discos só no Brasil.
História
Anos 80
Em 1981, Paula Toller conheceu Leoni na faculdade. Ambos estudavam na PUC-Rio e começaram a namorar. Com isso, Paula passou a visitar os ensaios da banda "Chrisma", formada por Leoni (vocal e baixo elétrico), Carlos Beni (bateria) e Pedro Farah (guitarra). Os meninos sempre convidavam Paula para entrar na banda, porém ela sempre recusava, alegando ser tímida. Suas visitas aos ensaios a motivaram a cantar. George Israel, por sua vez, foi visto tocando saxofone em Búzios, no Rio de Janeiro, e convidado por um amigo de Leoni para conhecer a banda que Leoni comandava.
George aceitou o convite e se juntou à banda, logo depois conhecida como Kid Abelha e os Abóboras Selvagens, nome escolhido em transmissão ao vivo na Rádio Fluminense FM. A primeira demo realizada pela extinta rádio foi Distraction. O sucesso foi imediato; a banda passou a se apresentar no Circo Voador e, na sequência, participou do LP Rock Voador, com duas faixas: Distratação e Vida de Cão é Chato pra Cachorro. Pedro Farah foi o primeiro integrante a deixar a banda, logo no início do sucesso, para morar nos Estados Unidos. Com isso, Bruno Fortunato assumiu definitivamente o violão do Kid. Beni, que mais tarde seria o produtor da banda carioca Biquini Cavadão, foi o segundo integrante a deixar Kid, sendo substituído por bateristas contratados.
pintura íntima
Depois de inserir duas músicas no LP "Rock Voador", coletânea de bandas inéditas lançada pela Warner, a banda foi contratada pela gravadora e gravou seu primeiro single, Pintura Intimate, que teve a música Por Que Não Eu? no lado B. “Fazer amor de madrugada ...” foi o primeiro refrão de Kid Abelha a ficar na memória dos brasileiros, e o primeiro disco de ouro. Em 1984, o maior sucesso da banda veio com o lançamento de seu segundo single, Como Eu Quero, que rendeu seu segundo disco de ouro. O lado B era um homem com uma missão.
Your Spy, Rock in Rio e Sentimental Education
Também em 1984 foi lançado o primeiro disco de Kid Abelha e os Abóboras Selvagens, Seu Espião. Um LP que traz grandes sucessos que chegam às rádios: Fixação, Nada So So, Alice (Don't Write Me That Love Letter), e o já lançado Intimate Painting, Por que não Eu? e "Como eu quero". O álbum conquistou o terceiro disco de ouro da carreira. Em janeiro de 1985, a banda tocou no maior evento de rock do mundo na época, o Rock in Rio. Na terça, dia 15, eles tocaram para 50 mil pessoas e na sexta-feira, dia 18, para 250 mil pessoas. Os 7 maiores sucessos do disco Seu Espião foram tocados ao vivo. Educação Sentimental, segundo LP da banda, foi lançado em 1985, com a participação de Lágrimas e Chuva, Educação Sentimental I e II e Garotos. Fórmula do Amor, parceria da banda com o cantor Leo Jaime, foi gravada em versão lenta. O sucesso adicionou outro recorde de ouro. O novo baterista da banda, Claudinho Infante, é contratado para este trabalho.
A saída de Leoni e o 'Ao Vivo'
No show de Leo Jaime, no Rio de Janeiro, a cantora chamou a banda para cantar o hit A Formula do Amor. No entanto, ele se esqueceu de ligar para Leoni. Por conta disso, surgiram desentendimentos entre Leoni e Paula Toller e seus respectivos namorados, Fabiana Kherlakian (herdeira da marca Zoomp) e Herbert Vianna (líder da banda Os Paralamas do Sucesso). As desavenças culminaram com a saída de Leoni, que, além de baixista, era o compositor principal. Parecia ser o fim do Abóboras, porém, a banda promoveu o projeto de LP duplo e VHS ao vivo, intitulado "Kid Abelha Ao Vivo" e gravado no Parque Anhembi para um público de 20 mil pessoas, contendo os maiores sucessos até então e também a inédita Nada Por Mim, parceria de Paula Toller e Herbert Vianna, anteriormente gravada pela cantora Marina Lima. Por problemas técnicos com as imagens, o projeto foi reduzido a um único LP, com nove músicas. Os Aboboras foram acompanhados por Cláudia Niemeyer (baixo elétrico), Marcelo Lima (teclados), Don Harris (trompete) e Julio Gamarra (percussão). Ao Vivo foi mais um disco de ouro.
Tomate
Em 1987, Paula é eleita a mais nova sex symbol do Brasil e o grupo promove sua maior ousadia com o álbum Tomate. O videoclipe da música título (inspirado no poema de Murilo Mendes, O Tomate (da Art Crítica)) recebeu diversos prêmios, além dos sucessos No Meio da Rua, Me Leave Falar e Amanhã é 23 (incluídos na trilha sonora do novela O Outro, da Rede Globo) todas da primeira safra de canções da parceria Paula Toller e George Israel. Com a presença do baixista e produtor Nilo Romero, o álbum foi mixado em Londres e dedicado a todos que trabalham à noite.
Em 1988, Claudinho deixou a banda, reduzindo-a à formação atual de Paula, George e Bruno. Mesmo assim, ainda participa do álbum Kid, um ano depois. Agora eu sei, todo o meu ouro, dizer não é dizer sim e cujo poder é o mais conhecido. Para além do tema da novela Dizer Não é Dizer Sim, a canção Sexo e Dólares foi o tema do filme nacional que contou a história de Lili Carabina, Lili, a Estrela do Crime. Nos agradecimentos, nomes conhecidos, como Cazuza (que escreveu o press release do álbum), Frejat e Herbert Vianna. Devido à gravidez de Paula Toller, os shows foram reduzidos e a banda decidiu parar por alguns meses.
anos 90
O início da década de 1990 é abençoado com o álbum "Greatest Hits 80's", que além de nove hits em LP e dez em CD, revela "No Seu Lugar". As músicas foram remasterizadas digitalmente e "Como Eu Quero" e "Fixação" ganharam um novo vocal, com a voz de Toller mais afinada do que nunca. Ganhou o primeiro disco de platina da banda. "Everything is Permitted" trouxe, em 1991, um forte erotismo em letras como "I Like Being Cruel", "Lolita" e "Electricity" (estreia de George Israel nos vocais). Trouxe também o hit "Grand 'Hotel", os remakes de "Escape Number 2", de Os Mutantes; e "No Vou Ficar", música de Tim Maia que fez sucesso com Roberto Carlos. "Indecência", por sua vez, é inspirada no poema de DH Lawrence, "Indecência pode ser saudável".
"No Seu Lugar" também faz parte do disco, que marca a estreia de Kadu Menezes na bateria. O álbum também marcou a redução do nome da banda, que perdeu os "Abóboras Selvagens", passando a se chamar "Kid Abelha". "O Sexo que Fazemos" foi o tema principal do álbum "IêIêIê", de 1993, devido ao fato de que este verso começa com três letras do álbum, "Por Uma Noite Inteira", "Mil e Uma Noites" e " Um Segundo a Mais ". Destacaram-se "Eu Tive um Sonho" (tema da minissérie Sex Appeal), "Deus (Aparecer na Televisão)", "Em 92" e "O Beijo". Também está presente no trabalho a primeira gravação da banda em inglês, a regravação de "Smoke On The Water", do Deep Purple.
Zumbido acústico
Entre março e julho de 1994, George Israel e Kadu Menezes gravaram o disco "Meio Shutdown" em shows em Belo Horizonte, Curitiba, Criciúma, Concórdia, Venâncio Aires e Sta. Bárbara. (Tim Maia) e Canárias do Reino. A música de trabalho foi "Solidão Que Nada", uma parceria entre George Israel, Nilo Romero e Cazuza. Depois de 18 shows no Jazzmania, que chegou a ser especial de TV, a turnê viaja por todo o Brasil. Mauricio Gaetani (piano e acordeão), Odeid (baixo), Serginho Trombone (trompete), Lui Coimbra (violoncelo) e, como convidados, Sergio Dias (em Deus), Ritchie (Como Eu Quero) e Lulu Santos (Canário) participaram na o álbum do Reino). Como um prêmio de mais de 500.000 cópias, este é um dos discos duplos de platina da coleção das abelhas.
Meu mundo gira em torno de você
Em 1996, a música “Na Rua, na Chuva, na Fazenda de Hyldon lançou o álbum Meu Mundo Gira em Torno de Você”. No vídeo “Te Amo pra Sempre”, top da MTV, Paula aparece com um biquíni simples de bolinhas. Também podem ser encontrados no álbum Como É Que Eu Vou Embora, “Combinação” e “A Moto”. Participação em instrumentos, de Rodrigo Santos (da banda Barão Vermelho) no baixo e estreia do atual trompetista Jefferson Victor, na faixa “Vou Mergulhar”. “My World…” é o álbum de estúdio mais vendido da banda, com 3 versões diferentes, incluindo uma versão em CD duplo de platina.
Espanhol e remix
No ano seguinte, 1997, a banda deu voos ainda maiores, levando seus trabalhos para o exterior, no CD Kid Abelha, lançado nos EUA, Espanha e países latinos. O álbum traz seus maiores sucessos em espanhol, como "¿Por Qué Me Quedo Tan Sola?", "Como Yo Quiero", "Te Amo Por Siempre", "Dios", "Todo Mi Oro", "En medio de la calle "," Grand Hotel "e outros, com a participação de Alejandro Sanz em" Nada por mí ". A banda quase teve o nome abreviado para "Kid", devido à dificuldade de pronúncia do nome "Abelha" em espanhol. Devido ao sucesso da banda em clubs e clubs, no mesmo ano, "Remix" chega às lojas brasileiras, com sucessos remixados por DJs renomados. Platina duplo, com 500 mil exemplares vendidos em dois meses.
E o mundo não acabou
Com saia acima do joelho, na frente de um avião, "Paula Toller" é o primeiro CD solo da cantora. Com seis ótimas músicas da MPB, duas em inglês e duas inéditas, duas que viraram tema de novela e uma que virou tema de comercial da Garoto. Paula não fez turnê com o álbum, apenas divulgou em alguns programas de TV, como Domingão do Faustão e Romance MTV. Podemos destacar "Derretendo Satellites", "Oito Anos" (regravada por Adriana Calcanhoto), "E o Mundo Não Se Acabou", "Patience" (capa do Guns N 'Roses), "Cantar" e "1800 Colinas".
Fechando com disco de ouro
“Autolove”, o nome que o trio define como “o amor que se move sozinho, cujo combustível somos nós” chega em 1998, com mais um disco de ouro. Considerado um dos melhores e mais maduros discos da banda, recebeu os nomes "Eu Só Pensa em Você", "Maio…", "Minas - São Paulo", "Tanta Gente" e a homenagem a Renato Russo em "Três Taças". Há também a música "Ouvir Estrelas", adaptada do poema homônimo de Olavo Bilac.
Anos 2000
2000 marcou o lançamento do álbum "Collection". Abalado pelo hit "Pare o Marriage" da cantora Wanderléa, o álbum vem com diversos sucessos de outros artistas, como "O Telephone Tocou Again" e "Mas, Que Nada" (ambos de Jorge Ben), "Pingos de Amor" (Paulo Diniz e Odibar), "Teletema" (Antonio Adolfo e Tibério Gaspar), "Mamã Natureza" (Rita Lee), "As Curvas da Estrada de Santos (Roberto e Erasmo Carlos), além do inédito" Deve Ser Amor "," Eu Sei Voar "(gravada originalmente para o álbum Autolove) e" Um Momento Só "(gravada originalmente para o álbum IêIêIê). O álbum encerra contrato com a gravadora Warner e a entrada do tecladista Humberto Barros, além disso com a presença de Dunga (baixo).), Rodrigo Santos (baixo) e Cris Braun (voz e composições).
Mais uma vez o Kid Abelha participa do evento Rock in Rio. A terceira edição aconteceu em janeiro de 2001, onde ocorreu a apresentação da banda no dia 20, mesma data de Engenheiros do Havaí, Elba Ramalho, Zé Ramalho e atrações internacionais. Tocaram sucessos como "Fixação", "Pintura Íntima", "Lágrimas e Chuva", "Alice", "No Meio da Rua", "Amanhã tem 23 anos", "Pare o Casamento", "Te I Love Forever" , "Como É que vou embora", "Eu Tive Um Sonho", "Sorry o Auê" (de Rita Lee), entre outros. Surf, foi o primeiro álbum lançado pela Universal Music, em 2001. Os três singles, "Eu Contra a Noite", "Eu Não Esqueço Nada" e "O Rei do Salão" trazem o álbum, que também contém, entre outros, " 3 Meninas na Calçada "," Gávea Posto 6 "e" Pelas Ruas da Cidade ", que falam sobre a vida e a paisagem de cariocas e brasileiros. Bateria e percussão eletrônica acompanham as músicas.
O maior sucesso
Os 20 anos do Kid's foram comemorados em grande estilo em 2002: a banda foi convidada a participar do projeto MTV Acústico. O álbum consta de 20 anos de sucesso em versão acústica: "Como Eu Quero", "Lágrimas e Chuva", "Fixação", "Eu Contra a Noite", "Os Outros", "No Seu Lugar" etc. lançamentos: "Nada Sei", "Gilmarley Song" (homenagem a Gilberto Gil, que havia lançado disco com músicas de Bob Marley) e "Meu Vício Agora", além das regravações de "Brasil" (parceria entre George Israel, Nilo Romero e Cazuza), "Mudança de Comportamento" (Ira!), Com a participação do violonista e vocalista Edgard Scandurra, e "Quero Te Encontro" (da dupla funk Claudinho e Buchecha, em homenagem a Claudinho, que faleceu em junho do mesmo ano). O álbum recebeu diversos prêmios de grande importância no cenário nacional e foi indicado ao Gramy Latino em 2003; seus singles permaneceram por muito tempo no "Top 10" e suas vendas ultrapassaram a marca de 1.250.000 cópias vendidas. no Brasil No ano seguinte o álbum foi sétimo. A turnê, que durou três anos, permitiu shows em todo o Brasil e em algumas cidades dos Estados Unidos. O DVD, primeira obra audiovisual da banda, ganhou o DVD de diamante duplo, marca rara em obras de vídeo.
4 cartas de Israel
Antes de lançar um novo álbum com o Kid, George, em 2004, grava seu primeiro CD solo, "4 Letras", título de uma música sua com o parceiro Cazuza. Músicas inéditas, algumas com Israel como letrista, bem como parcerias com Alvin L, Arnaldo Antunes e participações de Paralamas, Lulu Santos e Sergio Dias estão nesta obra produzida por Ramiro Musoto. A música "Girassóis Azuis" (de George Israel / Dulce Quental) foi até tema da novela América, da Rede Globo. Espetáculos no Teatro Ipanema, no Rio de Janeiro, marcaram o lançamento em 2005.
pegar vida
Pega Vida foi lançado em meados de abril de 2005. O álbum contou com onze novas faixas, escritas por George Israel e Paula Toller, e uma regravação, "Será Que Pus um Grilo na Sua Cabeça?". Em seguida, o primeiro single, "Poligamia", se posicionou entre os dez mais tocados do país, alcançando o 3º lugar nas paradas. “Peito Aberto”, o segundo single, além de alcançar o primeiro lugar na versão original, ficou no topo com as versões acústica e remix. "Eu Tou Tentando" e "Por Que Não Desisto de Você" foram as últimas músicas que deram certo, que também tiveram grande sucesso. Foi veiculado em diversos programas de TV: Altas Horas (três vezes), Domingão do Faustão, Pulso MTV (duas vezes), Fanático MTV (duas vezes), Uncensored (TV Cultura), Programa do Jô, Programa Hebe (SBT), Oi Noites Cariocas Especial (MTV) e Pega Vida Especial (Multishow). Pega Vida também foi lançado em DVD, sendo o primeiro trabalho de artistas brasileiros em vídeo inteiramente com músicas inéditas, que rendeu um DVD dourado.
os Britos
Em 2006, com Gutto Goffi, Nani Dias e Rodrigo Santos, George Israel lançou o primeiro CD e DVD de sua banda paralela, Os Britos, formada em 1994. Rock sem frescuras e muita energia.
2007, o ano em que Kid tirou férias
A banda anunciou as férias em 2007. Paula Toller lança seu segundo CD solo, Só Nós. A obra conta com quatorze canções inéditas, compostas por Caio Márcio e Coringa, Dado Villa-Lobos, Donavon Frankenreiter, Jesse Harris (autor de "Don't Know Why", de Norah Jones), Nenung (do grupo gaúcho Os The Darma Lóvers ), Kevin Johansen, Paul Ralphes e Paula Toller. "All over" e "À noite sonhei com você" seriam as músicas de promoção do álbum de uma vez, mas devido a problemas com gravadoras internacionais, o primeiro single foi "Meu amor mudou-se para a lua", lançado em 22 de maio. George Israel ele também lança seu segundo CD solo, "Distorções do meu Jardim", com o single "A Noite Perfeita", em parceria com Leoni (depois de 20 anos sem comporem juntos) e tem João Barone (Paralamas do Sucesso) na bateria. álbum, "Chão de Jardim" em parceria com Marcelo Camelo, "Alguém Como Você", de George Israel para o acústico MTV de Sandy e Junior, e "As Rosas Não Falam", de Cartola. "Curados ao sol de Copacabana" escrito por George fala da chegada de avós ao Brasil fugindo do holocausto e apresenta Jorge Mautner
No final de 2008, Paula Toller lançou a obra Nosso, gravada ao vivo na turnê Só Somos, em CD e DVD. O disco mistura as duas obras anteriores, contando ainda com dois êxitos de Kid Abelha (Grand 'Hotel e Nada por mim), as regravações de Saúde / Só love (Rita Lee / Claudinho e Buchecha) e Mãe coragem (Caetano Veloso) e a versão original em espanhol de À noite eu sonhei com você, intitulada Anoche soñé contigo. Em 2010 George lançou o cd “13 parcerias com Cazuza” unindo sua obra com o poeta. Entre as canções: Brasil, Solitude que nada, Bourgeoisie. Tem participações especiais de Elza Soares, D2, Frejat, Sandra de Sá, Ney Matogrosso. Em junho do mesmo ano, gravou o concerto do CD no Canecão com convidados e com a banda que o acompanhou na digressão solo; Guto Goffi, Odeid, Gê Fonseca e Rene Rossano. Os fãs perguntam sobre o retorno da banda em contatos virtuais ou pessoais com membros do Kid Abelha, principalmente com Paula Toller e George Israel, mas a resposta é sempre a mesma, que eles não sabem sobre o futuro do Kid.
2011, o retorno
Em 2011 a banda retorna com a turnê "Glitter de Principante", comemorando 30 anos de carreira. A banda é uma das atrações do Festival de Música de Maceió (MMF), um dos maiores festivais de música do Nordeste, que reuniu mais de 45 mil pessoas. Na ocasião, Paula Toller e os companheiros do Kid Abelha dividem a noite com CPM 22, Pitty, Deslucro, Diogo Nogueira, Oxe! e Fernanda Guimarães.
2012 - Show comemorativo no Rio de Janeiro
(Multishow Live: Kid Abelha 30 anos)
No dia 28 de abril de 2012, a banda gravou um especial para comemorar os 30 anos de carreira que as abelhas completam no dia 13 de novembro, data do primeiro show profissional da banda, em show na cidade do Rio de Janeiro transmitido ao vivo pela TV canal Multishow, com bolo de aniversário no final e participação da Escola de Samba Mangueira Tambores. A gravação do show gerou um DVD comemorativo, com gravações da turnê "Glitter De Principiante", que começou em Curitiba em 2011.
2013 - Retorno ao Festival de Verão após 8 anos
Paula Toller e seus companheiros de Kid Abelha voltaram ao Festival de Verão, depois de oito anos, e abriram a segunda noite do evento, no Parque de Exposições, em Salvador. A banda subiu ao palco para satisfazer as expectativas dos fãs, antigos e novos, cantando na hora a música “No seu Lugar”. Foi difícil para Paula Toller encerrar a apresentação. O público empolgado pediu bis e foi aceito. Com cachos soltos e vestido amarelo “ouro”, Paula Toller, acompanhada por George Israel e Bruno Fortunato, comemora três décadas de sua carreira. “Esta noite é super especial para nós porque estamos aqui para agradecer à Bahia e ao Brasil. São 15 anos de Festival e 30 de Kid Abelha. 2012 foi um ano maravilhoso, acabamos de lançar um DVD ao vivo. Aconteceu muita coisa boa e é hora de comemorar ”, disse o artista pouco antes de iniciar o espetáculo.“ Nada disso ”,“ Educação sentimental 2 ”e“ Na rua, na chuva, na fazenda ”foram tocadas direito no início do espectáculo. "Todo o meu ouro", "In 92", "Garotos", "Dizer não é dizer sim" e "Amanhã é 23" também estiveram entre os muitos êxitos que compuseram os mais recentes trabalhos dos grupo. canções como “Eu só penso em você”, “No meio da rua”, “Grand'Hotel”, “Nada que eu sei”, “Lágrimas e chuva”, “Eu tive um sonho”, “Alice”, “Consertando” e “Eu te amo para sempre”. No início, durante a passagem de som, o saxofonista George Israel prometeu um show “bacana” cheio de surpresas. “Esse show é uma parceria com o público de todo esse tempo e Salvador sempre foi uma cidade pela qual a banda é muito querida”, disse. Paula agradeceu o carinho dos fãs. “É lindo ver seus rostos, de perto e de longe. Fico imaginando o sorriso de cada um, o que cada um de nós tem a ver com cada um de vocês. Obrigado”, disse o vocalista .
Depois de se reunirem, Paula Toller, George Israel e Bruno Fortunato anunciaram que a banda faria mais uma pausa para se dedicarem a seus projetos pessoais. Paula chegou a usar sua página no Twitter para conversar com os fãs: “Queridos, sinto que as reclamações, os gritos e até os palavrões sobre o fim da turnê são sinais de amor. As ondas vêm e vão. Lóviu tudo! ” ela escreveu. Paula Toller anunciou em abril em entrevista à revista Quem que a banda havia encerrado as atividades após a turnê.
No dia 22 de abril de 2016, o Kid Abelha anunciou que encerrou as suas atividades em 2013 na sua página do Facebook: “A vontade de experimentar outras formas de criar e o cansaço natural de tanto tempo juntos conduziram-nos a esta decisão. Um final suave , acabamento liso, evitando sensacionalismo. "
Membros
Paula Toller - vocalista
George Israel - saxofone / guitarra / guitarra / bandolim / flauta transversal
Bruno Fortunato - violão / violão
Legião Urbana é uma banda brasileira de rock fundada em 1982 em Brasília, Distrito Federal, por Renato Russo e Marcelo Bonfá. O grupo também contou com Dado Villa-Lobos e Renato Rocha em sua formação mais conhecida. Diante da morte de Renato Russo em 11 de outubro de 1996, o grupo encerrou suas atividades onze dias depois. Possui uma discografia de oito álbuns de estúdio, três coletâneas e cinco álbuns ao vivo (um deles sem a presença de Renato Russo).
Em 2010, a Legião Urbana vendeu quatorze milhões de cópias (incluindo álbuns solo de Renato Russo), segundo informações da gravadora EMI ao jornal O Estado de S. Paulo. No mesmo ano, a revista Veja publicou quinze milhões de exemplares (considerando a discografia da banda e os dois primeiros álbuns solo de Renato, The Stonewall Celebration Concert e Equilíbrio Distante); a revista também afirmou ao mesmo tempo que comercializava uma média de 250.000 discos por ano. Em 2015, O Estado de S. Paulo afirmou que a banda vendeu 25 milhões de cópias em seus quatorze anos de atividade. É o segundo grupo musical brasileiro que mais vendeu discos de catálogo no mundo, além de fazer parte do chamado "quarteto sagrado" do rock brasileiro, ao lado dos grupos musicais Barão Vermelho, Titãs e Os Paralamas do Sucesso. [4]
Entre outubro de 2015 e dezembro de 2016, Dado Villa-Lobos e Marcelo Bonfá, os dois integrantes restantes do grupo, se apresentaram junto com André Frateschi nos vocais principais e vários músicos convidados na turnê Legião Urbana XXX Anos, que consistiu na celebração de trinta anos de seu primeiro álbum de estúdio. Devido à boa aceitação do público, o grupo decidiu retomar o projeto em 2018, desta vez interpretando o repertório do segundo e terceiro álbuns do grupo, que continua até hoje.
História
Fundação, início e histórico
A banda foi formada em agosto de 1982, pouco menos de um ano após o fim da banda Aborto Elétrico, desencadeada por atritos entre os integrantes Renato Russo e Felipe Lemos. O primeiro atrito foi durante a execução ao vivo da música "Veraneio Vascaína" (na época, Renato errou na letra e levou um golpe durante o show). O segundo atrito foi quando Renato Russo apresentou "Química" em ensaio do Aborto e Felipe Lemos criticou veementemente a música. O fim da banda se deu no final de 1981, quando Renato Russo rompeu pacificamente o vínculo com os demais integrantes, com direito a um último encontro poucos meses depois motivado pela negligência de Ico Ouro Preto para assumir uma apresentação do grupo. . Com o fim da banda, Felipe e seu irmão Flávio Lemos (baixo) fundaram o Capital Inicial, com sua formação firmada junto com Dinho Ouro Preto (vocal) e Loro Jones (guitarra).
Para compor, Renato Russo se inspirou em muitas bandas estrangeiras como Joy Division, The Smiths, The Beatles, The Clash, The Cure, The Ramones, Joni Mitchell, The Gang of Four, Talking Heads, The Sex Pistols, The Jesus and Mary Chain, Public Image Ltd, U2, Bob Dylan e as obras dos filósofos Bertrand Russell e Jean-Jacques Rousseau (de quem, junto com o pintor Henri Rousseau, veio a inspiração para seu sobrenome artístico). O nome "Legião Urbana" deriva da frase "Urbana Legio Omnia Vincit" (em latim, "Legião Urbana ganha tudo"). A frase é uma referência à frase do imperador romano Júlio César, “Roman Legio Omnia Vincit”, traduzida como “Os legionários romanos conquistam tudo”. O nome também surgiu da ideia original de Renato Russo e Marcelo Bonfá em fundar o grupo para alternar violonistas e tecladistas para completar o grupo. Ou seja, uma "legião" de músicos. A primeira apresentação do Legião Urbana aconteceu no dia 5 de setembro de 1982, na cidade de Patos de Minas, durante o festival Rock no Parque, que contou com outras oito atrações, entre elas o grupo musical Plebe Rude (banda afiliada e amiga de Legião). Este foi o único show em que a banda apareceu com sua primeira formação: Renato Russo (Voz, Baixo), Marcelo Bonfá (Bateria), Paulo Paulista (Teclado) e Eduardo Paraná (Guitarra), Aliás, Cadoro Promoções - empresa responsável por produção do festival - contratou Aborto Elétrico e imprimiu centenas de pôsteres com o nome da banda formada por Renato Russo, Felipe Lemos, Flávio Lemos, Ico Ouro-Preto e, anteriormente, André Pretorius. Mas como o grupo havia encerrado suas atividades, Renato convenceu o dono da produtora, Carlos Alberto Xaulim, a se apresentar com a banda que acabava de formar com Marcelo Bonfá. Após a apresentação, Paulo Paulista e Eduardo Paraná deixaram o Legião. O próximo violonista a ingressar no grupo seria Ico Ouro Preto (irmão de Dinho Ouro Preto e ex-integrante do Aborto Elétrico), mas, por descaso com o grupo, foi substituído por Dado Villa-Lobos, que assumiu a função de violonista na Legião em março de 1983.
Vista de Brasília, cidade do surgimento do grupo.
Brasília ainda era uma ilha cultural em relação ao resto do país. Até 1978, a curta história da nova capital ainda não lhe atribuía nenhum momento particularmente brilhante nas artes, até porque a primeira geração de artistas brasilienses ainda não havia se formado. Estas foram surgindo, ali mesmo, com a cara que aquelas duas primeiras décadas tiveram na cidade. "Química" foi um dos hinos do Aborto Elétrico e foi a primeira música da chamada Turma da Colina a ser gravada em fonograma e lançada em LP e K7 em todo o país. Herbert Vianna (que já havia gravado seu primeiro LP com Os Paralamas do Sucesso para a gravadora britânica EMI) apresentou a Jorge Davidson, o agente da gravadora, uma fita cassete com gravações de Renato Russo (correspondente ao álbum solo O Trovador Solitário), que interessado ao diretor artístico. A Legião Urbana foi convocada no final de 1983 para gravar três demos, entre elas "Geração Coca-Cola" e "Ainda É Cedo". No início, a sonoridade da banda não agradava aos executivos da EMI, que esperavam canções mais próximas do folk, já que a fita apresentada a Jorge por Herbert Vianna era do período em que Renato Russo tocava e cantava sozinho (essa fase se chama Solitária Trovador). Foi então que o produtor Mayrton Bahia surgiu para mediar a relação da banda com a EMI e favorecer a chegada do grupo ao selo. Jorge Davidson assinaria contrato com a banda em fevereiro de 1984. O sucesso
Em 1984, poucos meses após a Legião ter assinado contrato com a EMI, esta entrou, por sugestão de Marcelo Bonfá e devido a uma tentativa de suicídio de Renato Russo em junho de 1984 em que cortou o pulso esquerdo e não conseguiu tocar baixo para um tempo, o baixista Renato Rocha. Em outubro de 1984, ele começou a gravar seu primeiro álbum de estúdio. Legião Urbana (1985)
Artigo principal: Legião Urbana (álbum)
Legião Urbana, lançado em 2 de janeiro de 1985, tem um forte compromisso político e social, com letras que fazem críticas contundentes a diversos aspectos da sociedade brasileira. Paralelamente a isso, traz algumas canções de amor que marcaram a história da música brasileira, como "Será", "Ainda É Cedo" e "Por While" - esta última considerada "o melhor finalizador de disco", segundo Arthur Dapieve, crítico e amigo de Renato Russo. "Generation Coca-Cola" é outra canção famosa deste álbum, pois assumiu a voz de quem cresceu sob o regime militar, chamando-os de "Generation Coca-Cola". Todas as quatro canções acima mencionadas foram, junto com "Soldiers", promovidas como singles.
O Legião Urbana começou a ganhar notoriedade seis meses após o lançamento do álbum, acelerando o ritmo da música jovem brasileira. De toda a geração que emergiu no boom do rock nacional nessa década, Legião Urbana foi particularmente a mais aclamada pelo público e pela crítica. Apesar da letra ser considerada séria, por outro lado, o discurso não caiu na facilidade do tom panfletário.
Dois (1986)
Artigo principal: Dois (álbum)
O segundo álbum do grupo, Dois, foi lançado em julho de 1986. Um estilo mais próximo ao folk com letras mais líricas surgiu mais. Se o primeiro trabalho teve alguma urgência pós-punk, Dois foi o contraponto; a visão complementar de um trovador que não estava mais sozinho. A intenção era que o disco fosse dobrado com o nome de Mitologia E Intuição, mas o projeto foi negado pela gravadora, obrigando o disco a ser simples. “Daniel Na Cova Dos Leões” abre o disco e no início da gravação ouve-se a introdução de uma rádio mal sintonizada a tocar um excerto de “Será” e alguns excertos do hino do Internacional Socialista. Este álbum é o segundo álbum mais vendido da banda, com mais de 1,8 milhões de cópias (Ver Discografia). "Tempo Perdido", seu primeiro single, foi um grande sucesso e se tornou um dos clássicos da Legião. "Eduardo e Mônica", "Indios" e "Almost Without Wanting" também foram promovidos como singles.
Que país é este 1978/1987
Artigo principal: Que país é este
O álbum seguinte, Que País É Este 1978/1987 foi lançado em dezembro de 1987. O sucesso de Dois fez com que a gravadora pressionasse muito a banda para lançar um novo álbum, sem que houvesse repertório novo para ele. Das nove faixas do Que País É Este, apenas duas foram compostas após o álbum "Dois" - essas, justamente as duas últimas: Angra dos Reis (em alusão à construção de uma usina nuclear na cidade do Rio de Janeiro) e Mais fazer o mesmo. A música Que País É Este foi composta em 1978, quando Renato tinha apenas 18 anos e iniciava seu projeto com o Aborto Elétrico. Já o Faroeste Caboclo foi composto em 1979, mas nunca foi apresentado para o Aborto Elétrico. Renato considerou-o seu Furacão (canção de Bob Dylan sobre um boxeador que passou anos injustamente atrás das grades), e foi inicialmente baseado em um súbito com semelhanças com as canções de Raul Seixas e com "Domingo No Parque", canção de Gilberto Gil. Espetáculo no Estádio Mané Garrincha e distância dos palcos
Antigo Estádio Mané Garrincha, palco de uma série de graves incidentes que marcaram um novo rumo para a Legião Urbana.
Devido à falta de organização dos shows muitas vezes causada pelos fãs, além de complicações internas, principalmente com Renato Russo, as turnês do grupo nunca foram longas. Os integrantes da banda se sentiram exaustos física e emocionalmente, principalmente Renato, por ser o líder em quem os fãs depositavam suas expectativas.
Mesmo com toda a expectativa e preparação, principalmente de Renato Russo, que acreditava que aquele seria o show de sua vida, a apresentação que marcou o retorno da banda a Brasília, no dia 18 de junho de 1988, no Estádio Mané Garrincha, terminou em tragédia. Antes do início do espetáculo, falhas na organização e no desempenho da polícia causaram comoção fora do estádio, atrasando a entrada do público de mais de 50 mil pessoas, e o espetáculo começou com mais de uma hora de atraso e as pessoas ficaram ainda na fila para entrar. Com a tensão no ar, uma série de confusões se seguiu. Violência policial, discursos inflamados, bombas caseiras e a invasão do palco por uma torcida maluca que se agarrou violentamente ao vocalista. O cenário de caos terminou com a suspensão da performance e mais confusão. Cerca de 63 pessoas foram presas, mais de 230 ficaram feridas e uma onda de ódio pela banda resultou. Paredes ao redor do estádio e perto da casa da mãe de Renato Russo amanheceram pichações com slogans contra a banda. A turnê foi suspensa e, a partir daí, o Legion nunca mais tocou em sua cidade natal e se voltaria ainda mais para os estúdios. The Four Seasons (1989)
Artigo principal: The Four Seasons (álbum de Legião Urbana)
O álbum As Quatro Estações, de 1989, demorou um ano para ser lançado (a preparação começou em agosto de 1988 e o resultado foi publicado em 30 de outubro de 1989). Por todo o rigor dos arranjos e letras construídos ao longo dessa época, o álbum é considerado pelos fãs o melhor e mais inspirado trabalho do grupo, e até mesmo por Dado Villa-Lobos e Renato Russo (que, segundo sua entrevista à MTV em Maio de 1994, passou a considerar o seguinte disco, "V", o melhor do Legião até ao momento). De todas as 11 músicas do disco, apenas "1965 (Two Tribes)" e "Mauricio" não foram promovidas como singles. É o álbum mais vendido da Legião, com mais de 2,6 milhões de cópias. O baixista Renato Rocha tocou com os demais integrantes nos três primeiros álbuns de estúdio do grupo e até gravou algumas linhas de baixo neste álbum. No entanto, ele foi expulso do grupo em fevereiro de 1989 por falta de compromisso durante a gravação do álbum. As linhas de baixo originalmente gravadas por Rocha foram descartadas e novas linhas foram criadas e gravadas por Renato e Dado. A música "Feedback Song For A Dying Friend" foi escrita em homenagem a Cazuza, que, antes de Renato descobrir que era portador da doença, já havia anunciado que era HIV positivo. Uma das canções mais tocadas, "Pais E Filhos", fala sobre o suicídio de uma jovem. V (1991)
Artigo principal: V (álbum Urban Legion)
Lançado em novembro de 1991, V é considerado o álbum mais melancólico da banda. [34] Renato passou por um momento complicado de sua vida, devido à descoberta de que era HIV positivo um ano e meio antes; problemas de relacionamento com seu namorado, Robert Scott Hickman; e seu problema com o alcoolismo. Também houve muita influência do então Governo Collor, que teve muito destaque com o bloqueio da poupança para todos os brasileiros. O álbum tem um estilo bem atípico do grupo. “Metal Contra As Nuvens” - a música mais longa do grupo, com um total de exatos 11 minutos e 24 segundos de duração - e “O Teatro Dos Vampiros” foram as músicas mais politizadas do disco. "A Montanha Mágica" também se destacou por ser dependência química de Renato. Apenas "O Teatro Dos Vampires", "Vento No Litoral" e "O Mundo Anda So Complicado" foram promovidos como singles. O álbum teve vendas muito fracas em comparação com o álbum anterior, nem mesmo alcançando 500.000 cópias vendidas. O Descobrimento do Brasil (1993) e projetos solo
Artigo principal: A descoberta do Brasil (álbum)
O álbum O Descobrimento do Brasil (1993) foi lançado na época em que Renato Russo iniciava o tratamento para se livrar da dependência química e estava otimista com o sucesso. O disco é dedicado ao músico Tavinho Fialho, baixista que acompanhou a banda na digressão do disco anterior e que morreu num acidente. Desta forma, Descobrimento é um álbum com fortes notas de esperança, mas permeado por tristeza e saudade. Mesmo assim, é considerado por muitos o disco mais "alegre" e delicado do Legião Urbana. O art rock ganha muita experiência no disco, em comunhão com o rock alternativo. "Perfeição" - única música de crítica social e política do disco, com fortes traços de pessimismo -, "Giz" - a música que os integrantes do grupo mais gostariam de ter feito, com várias referências à infância - e " Twenty and Nine "- uma referência aos 29 anos do ciclo de Saturno como um recomeço para Renato - foram as canções de maior sucesso.
1993 também marcou o início do envolvimento dos membros em projetos solo. Dado se juntou ao baixista do Plebe Rude, André X, para fundar a RockIt !, uma gravadora independente que revelou novos artistas. Marcelo começou a fazer trabalhos de computação gráfica e Renato planejou seu primeiro álbum solo, The Stonewall Celebration Concert, que sairia no ano seguinte.
A Tempestade (1996), morte de Renato Russo e fim das atividades do grupo
Artigo principal: A tempestade ou o livro dos dias
Cantor e compositor Renato Russo, líder da Legião Urbana.
A última apresentação da Legião Urbana aconteceu no dia 14 de janeiro de 1995, na casa de shows Reggae Night, em Santos, no litoral de São Paulo. No mesmo ano, todos os álbuns de estúdio da banda até 1993 foram remasterizados no Abbey Road Studios em Londres, conhecido mundialmente por suas gravações para o grupo musical The Beatles; e lançado em lata, intitulado "Por While (1984 - 1995)". A lata trazia ainda um livrinho, com texto do antropólogo Hermano Vianna, irmão do músico Herbert Vianna.
A Tempestade ou O Livro dos Dias, lançado em 20 de setembro de 1996, foi o último álbum da banda com Renato Russo ao vivo. O mesmo foi marcado por canções muito introspectivas e depressivas, alternando entre os sons pesados de "Natália" e "Dezesseis", o lirismo de "L'Avventura" e "O Livro Dos Dias", o experimentalismo de "Música Ambiente", a o sofrimento de "Aloha" e "Esperando por Mim" e a leveza de "Soul Parsifal" e "1º De Julho" (música escrita especialmente para a intérprete Cássia Eller, que a lançou em primeira mão em 1994). As letras, em geral, abordam temas como solidão, passado, amor, depressão, sorologia para o HIV, intolerância e injustiça, considerada um disco "melodramático" com uma alma triste. "The Milky Way" e "Sixteen" foram seus principais singles.
Algumas músicas do álbum sugerem um adeus precoce, como diz a frase "e quando eu for embora, não chore por mim" na música "Música Ambiente". As fotos do encarte foram tiradas perto da época do lançamento, com exceção de Renato, que aproveitou a sessão de fotos para seu álbum solo Equilíbrio Distante (1995), pois o cantor, bastante debilitado, recusou-se a ser fotografado para o álbum. . O álbum A Tempestade foi inicialmente lançado com uma capa de papel e anos depois relançado com uma capa de plástico. A foto de Dado Villa-Lobos é diferente entre essas duas versões. Com exceção de "A Via Láctea", as demais faixas do álbum contam apenas com a voz guia de Renato, que não conseguiu gravar as vozes definitivas. As vozes do guia foram gravadas no início das gravações do álbum, pois Renato estava perdendo sua capacidade vocal. Também não foram incluídas as frases "Urbana Legio Omnia Vincit" e "Ouça no Volume Máximo", presentes nos discos do grupo. Em seu lugar, frase do escritor modernista brasileiro Oswald de Andrade: “O Brasil é uma República Federativa cheia de árvores e gente se despedindo”. O fim oficial da banda foi anunciado em 22 de outubro de 1996, onze dias após a morte de Renato Russo. Morreu 21 dias após o lançamento de A Tempestade, em 11 de outubro de 1996. 11 dias depois, em 22 de outubro, Dado, Marcelo e o diretor artístico da EMI Music, João Augusto, anunciaram o encerramento das atividades do grupo. que, por contrato, ele ainda devia à gravadora três títulos. Dado e Marcelo seguiram carreira e lançaram discos solo nos anos seguintes.
Devido a um processo de recuperação judicial do grupo iniciado em 1985 (pelo qual um oportunista registrou a marca do grupo perante seus membros), quando o processo foi concluído, em 1991, o poder da marca Legião Urbana teria que ser centralizado em apenas um membro, escolhido por Renato Russo. Um mês depois de sua morte, Dado Villa-Lobos e Marcelo Bonfá receberam uma ligação emocionada pelos pais de Renato, por meio da qual foi anunciado que os dois haviam perdido o direito de dizer publicamente que haviam participado da Legião Urbana. Esse direito foi recuperado definitivamente em 27 de março de 2015, dia em que Renato teria completado 55 anos se estivesse vivo. depois do fim
Outra Estação (1997)
Artigo principal: Outra temporada
Outra temporada foi um álbum póstumo. A ideia original era que The Tempest fosse um álbum duplo. Mas, como o custo de venda e produção seria muito alto, a ideia foi descartada pelos membros do grupo e o material inédito foi retrabalhado e lançado neste álbum. Músicas como "Clarisse" ficaram de fora do álbum anterior por vontade do próprio Renato, que considerou pesado demais. A letra de "Sagrado Coração" aparece no livrinho, porém Renato não conseguiu gravá-la porque já estava muito fraco. O álbum conta com participações especiais de Renato Rocha, ex-baixista do Legião e Bi Ribeiro, baixista do Paralamas do Sucesso. "Before Six" e "As Flores do Mal" foram os seus principais singles. O produtor musical vencedor do Grammy Latino Tom Capone trabalhou como co-produtor no álbum e gravou guitarras e efeitos.
MTV acústica
Artigo principal: Acoustic MTV (álbum de Legião Urbana)
Em 1992, a banda participou da segunda gravação da série Acústico MTV no Brasil. O disco, de janeiro de 1992, lançado em outubro de 1999 e impulsionado por canções como “Hoje A Noite Não Tem Luar” - versão brasileira de “Hoy Me Voy Para México” de Menudos - e releituras de Neil Young, The Jesus And Mary Chain e Joni Mitchell. Impostos
Membros vivos da Legião Urbana realizaram show de homenagem em 2012 com o ator Wagner Moura como vocalista.
Em 5 de setembro de 2009, após rumores de um possível retorno às atividades, a família Manfredini, Dado Villa-Lobos, Marcelo Bonfá e a gravadora EMI alegaram que a informação sobre o retorno da banda era infundada, esclarecendo que “um possível retorno dos banda Legião Urbana é falsa. Não há possibilidade de retorno da banda Legião Urbana ". Quinze dias após a negativa, Dado Villa-Lobos e Marcelo Bonfá fizeram uma aparição especial em show no festival Porão do Rock, em Brasília. Em 2011, Dado e Bonfá regeram, juntamente com a Orquestra Sinfônica Brasileira, uma homenagem à Legião Urbana durante o Rock in Rio 4. O show contou com convidados que cantaram alguns sucessos da banda (entre eles, Rogério Flausino, Pitty e Herbert Vianna), além de um medley especial feito pela Orquestra Sinfônica Brasileira com trechos de músicas do grupo. No ano seguinte, a MTV Brasil organizou uma nova homenagem à série MTV Ao Vivo, em São Paulo, pelos trinta anos desde o início das atividades do grupo. A homenagem contou com a participação do ator e diretor Wagner Moura como vocalista principal, além dos músicos Fernando Catatau e Clayton Martin (Cidadão Instigado), Bi Ribeiro (Os Paralamas do Sucesso) e Andy Gill (Gangue dos Quatro), o último guitarrista de uma das maiores influências da Legião. Legião Urbana XXX Anos
Show da turnê "Legião Urbana XXX anos" na cidade de João Pessoa.
Ao recuperar permanentemente os direitos de afirmar publicamente que participaram da Legião Urbana em 27 de março de 2015, o violonista Dado Villa-Lobos e o baterista Marcelo Bonfá usaram o nome Legião Urbana algumas vezes. A primeira vez foi a gravação do especial "Rock In Rio 30 Anos", uma coletânea de vários artistas do rock brasileiro interpretando clássicos da cena conterrânea e influências brasileiras. Dado e Bonfá gravaram, acompanhados por Lucas Vasconcellos (guitarra solo) e Mauro Berman (baixo elétrico), versões para "Toda Forma de Poder", dos Engenheiros do Hawaii e "Por Você", do Barão Vermelho. Posteriormente, os mesmos músicos citados juntaram-se a Roberto Pollo (teclados) e André Frateschi (vocais) com o projeto Legião Urbana XXX Anos, que consistiu em uma série de shows para comemorar os pouco mais de 30 anos do lançamento do primeiro álbum, trazendo junto com o repertório completo e sucessos de outros álbuns do grupo. Por desentendimentos, Dado e Bonfá esclareceram que o projeto não era um retorno definitivo da banda Legião Urbana. A primeira apresentação foi no dia 23 de outubro na cidade de Santos, SP. Dado e Bonfá também lançaram um box especial do primeiro álbum do grupo, incluindo a remasterização de Legião Urbana, um disco de gravações extras e uma cartilha com curiosidades e documentos do grupo. A caixa contém as faixas "Será", "Geração Coca-Cola" e "Soldados", além de sobras de estúdio e versões que Legião tocou para mostrar a gravadora no início de carreira. Dado e Bonfá tiveram um grande problema com a faixa "1977", gravada e nunca lançada devido à insatisfação de Renato Russo com o resultado. A música serviu de base para duas composições de Renato Russo, "Fábrica" e "Tempo Perdido". Quando a caixa estava pronta para o lançamento, Dado e Bonfá foram informados de que a música pertencia a Renato Russo com 75% dos direitos e à Legião Urbana Produções Artísticas (de seu filho, Giuliano Manfredini) com 25%, e não poderia estar em a caixa sob seus verdadeiros créditos (Renato Russo / Dado Villa-Lobos / Marcelo Bonfá). Eles apresentaram documento oficializado pela Secretaria de Censura ao Divertimento Público (DCDP) do Governo Federal, comprovando a veracidade dos créditos informados. Mesmo assim, descobriram que 1977 foi registrado por Giuliano em 2004 no ECAD. Devido a esse novo impasse, o box foi lançado sem a faixa "1977" em março de 2016. A turnê Legião Urbana XXX Anos, segundo seu Facebook oficial, contou com um total de pouco menos de 100 shows realizados nas 5 regiões do Brasil. O último show da turnê foi no dia 30 de dezembro de 2016, na cidade de Caraguatatuba. Outros dois shows do projeto aconteceram em 2018: o primeiro no dia 19 de maio, no Campus Festival, em João Pessoa, e o segundo, no dia 20 de maio, na Virada Cultural de São Paulo. Devido ao grande sucesso de crítica e pedidos de fãs, Legião Urbana XXX Anos voltou em setembro de 2018 com uma nova turnê, desta vez para apresentar o segundo e terceiro álbuns de estúdio da banda. A turnê começou no dia 6 de setembro em Miami e depois voltou ao Brasil para uma série de shows pelo país.
Acusações de plágio
Há polêmica de que a canção "Que País É Este" plagiaria uma canção da banda punk rock americana Ramones chamada "I Don't Care", observada por muitos fãs e especialistas pela semelhança de arranjos e melodia (ou riff). Questionado sobre o vocalista e compositor da banda, Renato Russo brincou, respondendo e citando a tradução do nome da música da banda americana: "I don't care!". Logo depois, ele confirmou que se inspirou na música dos Ramones. O fato, segundo os mesmos fãs e especialistas, não teria chamado a atenção dos Ramones.
Outro caso de plágio, desta vez assumido, da Legião Urbana foram as letras da dupla inglesa Soft Cell. "Tira as mãos de mim / Não pertenço a você", trecho da música "Say Hello Wave Goodbye", é uma tradução da primeira estrofe de "Será", single principal do primeiro disco da banda em Brasília . Renato Russo disse que ficou muito "inspirado" nas palavras da Soft Cell para o trecho "Tira as mãos de mim / Não sou de você". Outra música que a Legion supostamente plagiou foi a versão do grupo escocês The Cartoons de “Love Is The Drug” da Roxy Music para criar sua famosa canção “Still It's Early”. Outros afirmam que a música seria plágio de "A Means To An End" do Joy Division. Filmografia
Veja as matérias principais: Somos Tao Jovem, Faroeste Caboclo (filme) e Eduardo e Mônica (filme)
Dois filmes relacionados à banda foram lançados em cinemas brasileiros, no circuito nacional.
Somos Tao Jovens, de Antônio Carlos da Fontoura, com roteiro de Marcos Bernstein e trilha sonora original de Carlos Trilha, retrata a adolescência de Renato Russo (interpretado pelo ator Thiago Mendonça) [70] e o início de seu interesse pela música, abordando a criação e extinção do Aborto Elétrico e também sua fase como O Trovador Solitário e os dois primeiros anos da Legião Urbana. Distribuído pelas empresas Imagem Filmes e Fox Film Brasil, estreou nos cinemas no dia 3 de maio de 2013. Pouco depois, no dia 30 de maio, foi lançado Faroeste Caboclo, adaptação da canção homônima de Renato, dirigida por René Sampaio e roteiro de Victor Atherino e Marcos Bernstein da letra original, e distribuída pela Europa Filmes. O elenco incluiu Fabrício Bolivaira (João de Santo Cristo), Ísis Valverde (Maria Lúcia), Felipe Abib (Jeremias) e César Troncoso (Pablo). Em julho de 2018, começaram as gravações da adaptação cinematográfica de "Eduardo e Mônica". O filme contará com Gabriel Leone como Eduardo e Alice Braga como Mônica. A previsão era de que o filme estreasse nos cinemas brasileiros em abril de 2020. No entanto, foi adiado devido à pandemia de COVID-19 que ocorreu na época. Membros
Dados de Villa-Lobos
Marcelo Bonfa
Legião Urbana XXX Anos
Dado Villa-Lobos - voz, violão, violão
Marcelo Bonfá - voz, bateria
André Frateschi - voz
Lucas Vasconcellos - violão, violão
Mauro Berman - contrabaixo elétrico, teclados
Roberto Pollo - teclados, programação
Lobão, nome artístico de João Luiz Woerdenbag Filho (Rio de Janeiro, 11 de outubro de 1957), é um cantor, compositor, músico e escritor brasileiro. Sua carreira musical é marcada por grandes parcerias; compôs sucessos como "Me Chama", canção muito conhecida na voz de vários intérpretes, que ficou na 47ª posição entre as maiores canções brasileiras, segundo a Rolling Stone, e "Vida Louca Vida", conhecida na voz de Cazuza. Apesar de ter surgido e conquistado sucesso no meio marginal e underground do rock brasileiro na década de 1980, Lobão vem dialogando com diversos gêneros, como samba e MPB, ao longo de sua carreira. Em 1988, por exemplo, o aviso Cuidado! contou com a participação da percussão da Estação Primeira de Mangueira. Em 2020, o artista mergulhou em seu estúdio e passou a regravar clássicos da música brasileira, que fizeram parte de sua formação musical. O projeto Canções de Quarentena já conta com 13 músicas lançadas em plataformas digitais, com previsão de vir em versão física em CD e LP.
Biografia
infância e adolescência
João Luiz Woerdenbag Filho nasceu em 1957, no hospital Casa de Saúde São José, na cidade do Rio de Janeiro, filho de João Luiz Woerdenbag, mecânico de automóveis que trabalhava na Rede Globo, e Ruth Araújo de Mattos, professora de inglês do Instituto de Educação do Rio de Janeiro. Do lado paterno, Lobão é descendente de holandeses. Ele também tem uma irmã mais nova que mora na Holanda. O interesse pela música surgiu cedo e aos três anos Lobão começou a tocar bateria aos seis, ganhou um tambor de brinquedo dos pais e aos treze a sua primeira bateria profissional. Aos quinze anos ele começou a tocar violão clássico. Lobão cresceu na Zona Sul do Rio de Janeiro e estudou no Colégio São Vicente de Paulo. Na adolescência na escola, recebeu de outros alunos o apelido de "Lobão" pelo fato de comer muito no recreio e vestir um macacão de jardineiro preso por uma única alça. Aos dezenove anos, ele foi expulso de casa por seu pai. Ele se cruzou na cara e bateu com o violão, despedaçando-o em cima do pai (“... só me acalmei quando não tinha mais violão para continuar batendo.”).
Carreira
Vimana e Blitz
Sua carreira começou aos dezessete anos, após sair de casa para se tornar músico profissional. Posteriormente, ingressou na banda Vímana, da qual Lulu Santos e Ritchie também fizeram parte. A primeira apresentação pública com a banda foi em um teatro de São Paulo, no qual acompanharam Marília Pêra. Após outras apresentações, Lobão gravou duas músicas com Vímana em 1975. Em 1977, essas duas composições foram lançadas no single "Zebra / Masquerade". No mesmo ano, gravam um LP, que não foi lançado pela gravadora. Três anos depois, com o fim do grupo, Lobão deu continuidade à carreira de baterista, tocando com Luiz Melodia, Walter Franco, Gang 90 e os Absurdettes e Marina Lima. Fundou a banda Blitz com Evandro Mesquita e Fernanda Abreu e outros, mas devido a diferenças artísticas, deixou o grupo antes mesmo do sucesso comercial. Foi Lobão quem nomeou a banda, às vésperas de um show, após a indecisão do grupo.
Carreira solo
Lobão em entrevista à TV Cultura.
Lobão já havia decidido sair da Blitz. No entanto, ele precisava, de alguma forma, pavimentar o caminho para sua carreira solo. Ele soube que a banda seria entrevistada por uma revista de grande circulação. Então ele fingiu que continuaria como baterista do Blitz apenas para estar na capa. A entrevista já estava marcada, ele falava com os cotovelos, atraiu a maior atenção. Depois, com a revista debaixo do braço e a cassete de "Cena de Cinema" nas mãos, foi bater à porta da editora. Vinte minutos depois, ele já havia assinado uma carreira solo. Saiu cantado de Blitz - e riscado da capa do disco da banda. Em retaliação, eles desenharam, em seu lugar, o rosto de Lobo Mau. Lobão, então, iniciou a carreira solo com o lançamento de Cena de Cinema, em 1982. Formou então a banda "Lobão e os Ronaldos" (que teve em formação). a cantora e tecladista holandesa Alice Pink Pank, ex-Gang 90 e os Absurdettes, além de Guto Barros, violonista e um dos fundadores da Blitz), que lançou Ronaldo Foi Pra Guerra. Lobão apareceu no cinema atuando e cantando com a banda em Areias Escaldantes (1985), mas o filme só foi lançado em alguns cinemas do Rio de Janeiro. Apesar do sucesso de "Me Chama", a banda tem uma vida curta, e após o lançamento do single "Decadence Avec Elegance" (1985) Lobão segue carreira solo mantendo alta rotatividade na mídia e lança o álbum O Rock Errou (1986) , do qual "Rematch" se torna o carro-chefe. Pouco depois de sua libertação, Lobão foi preso por porte de drogas em 1987, passando três meses na prisão. Lá ele desenvolve o álbum Vida Bandida, voltando aos holofotes. Ainda em 1987, gravou com Nélson Gonçalves a música "A Deusa do Amor", que integra o álbum Nos. Após flerte com o samba-rock e participações no Hollywood Rock (1990) e no Rock in Rio II (1991) ( onde recebeu uma vaia histórica), Lobão passa um período fora da mídia. Volta ao Hollywood Rock em 1996, como convidado de Gilberto Gil, que anos depois seria um de seus alvos de críticas. Por volta de 1998, passou a se interessar pela música eletrônica, principalmente pelas composições de Trent Reznor, do Nine Inch Nails, lançando o álbum Noite no mesmo ano.
Suas atitudes polêmicas voltaram à tona em 1999, após o rompimento com as gravadoras e o lançamento de A Vida É Doce em esquema inédito, com distribuição pela internet, bancas de jornal e lojas de departamento. Após o sucesso de vendas e críticas com seus discos independentes A Vida É Doce (1999) e 2001: Uma Odisséia no Universo Paralelo (2001), lançou a revista Outracoisa, por meio da qual lançou bandas e músicos de forma independente, como Cachorro Grande, BNegão, Mombojó e Arnaldo Baptista. Seu penúltimo álbum de estúdio, Canções Dentro da Noite Escura, lançado em 2005, também foi lançado pela revista com tiragem inicial de 21 mil exemplares. Em abril de 2007 lançou o álbum Acústico MTV, que ganhou o Grammy Latino na categoria melhor disco de rock, e como o próprio Lobão caracterizou, foi uma seleção "parcial" de sucessos do músico, incluindo a participação especial do grupo Cachorro Grande, lançado pela Outracoisa.
O ENEM 2009 utilizou a música "Para o Mano Caetano", do álbum de 2001: Uma Odisseia no Universo Paralelo, em uma pergunta. Nesse mesmo ano, Caetano Veloso lançou o álbum Zii e Zie, que contém a faixa "Lobão Tem Razão", feita em resposta a "Para o Mano Caetano", que por sua vez foi uma resposta a "Rock 'n Raul", lançado em 2000, onde Veloso fez uma pequena citação a Lobão.
No final de 2010, o cantor lançou sua biografia, 50 Anos a Mil, com o jornalista Claudio Tognolli. O livro conta novas e conhecidas histórias da vida do músico, além da letra de duas canções, Canção para Sampa, em homenagem a São Paulo, e Das Tripas, Coração, em homenagem a Júlio Barroso (1953 - 1984), Cazuza (1958) - 1990) e Ezequiel Neves (1935 - 2010). Junto com o livro, Lobão, em parceria com a Sony Music, montou uma caixa com três CDs mais o DVD do Acústico MTV, contendo as canções mais marcantes dos primeiros 10 anos de carreira, todas as canções escolhidas por ele e remasterizadas por o produtor americano Roy Cicala, famoso por trabalhar com grandes nomes do rock mundial, como John Lennon e Jimi Hendrix, e com os brasileiros Nasi e Ciro Pessoa. Em meados de 2011, prestes a completar um ano de lançamento, 50 Anos a Mil atingiu a marca de 100 mil cópias vendidas. No mesmo ano, Lobão fez turnê com a turnê "Elétrico 2011", que gerou o CD e DVD Lobão Elétrico: Lino, Sexy & Brutal (Ao Vivo em SP), gravado em outubro de 2011, no Citibank Hall, em São Paulo. O disco foi lançado e distribuído pela Deckdisc no final de 2012. Em 2013, participou da Virada Cultural, evento organizado pela Prefeitura de São Paulo, onde atraiu um bom público. Em 2015 gravou o seu primeiro disco novo em 10 anos, intitulado O Rigor e a Misericórdia. Lançado em janeiro do ano seguinte, Lobão tocou todos os instrumentos e produziu o disco. O projeto, realizado via crowdfunding, deu origem ao livro Em Busca do Rigor e da Misericórdia - Reflexões de um Ermit Urbano, editado pela Editora Record também em 2015. No final de 2016, o músico anunciou uma digressão de quatro espectáculos com a banda Grave, intitulada The Call. Em 2018, lançou o álbum Politically Incorrect Anthology of the 80s through Rock - inspirado no último livro quase homônimo do artista, Politically Incorrect Guide to the 80s through Rock (2017) - só chegou ao mercado fonográfico em 2018. O lançamento foi feito nos formatos CD duplo, LP duplo, pen drive e edição digital. A artista buscou recursos por meio de crowdfunding para concluir o 18º álbum.
Antologia politicamente incorreta dos anos 80 de rock é o primeiro disco de Lobão como intérprete. Ao contrário do anterior O rigor and mercy (2016), álbum gravado de forma solitária pelo cantor, compositor e músico, a antologia de rock foi formatada em estúdio com a banda Os Eremitas da Montanha, formada pelos músicos Armando Cardoso (bateria) , Augusto Passos (baixo e voz), Christian Dias (guitarra) e Felipe Faraco (teclados).
Em 2020, ano da pandemia do Coronavirus, o músico mergulhou em seu estúdio para produzir uma seqüência de canções que o marcaram em sua formação musical. Intitulada Canções de Quarantena, a primeira faixa foi lançada no dia 28 de agosto com O Trem Azul, de Lô Borges e Ronaldo Bastos, seguida por BR-3, de Antônio Adolfo Maurity Saboia / Tibério Gaspar Rodrigues Pereira. A sequência contará com Pedaço de Mim, de Chico Buarque de Holanda, Canteiros, de Fagner e Cecilia Meirelles, Hoje ainda é um dia de rock, de José Rodrigues Trindade, Hora do almoço, de Belchior, Patches de cetim, Benito di Paula, Eu I quero colocar o meu quarteirão na rua, do Sérgio Sampaio e do Sérgio Augusto, do Azul da Cor do Mar, do Tim Maia, do Como Vai Você, do Antônio Marcos, entre tantos outros.
editor
Em 2003, Lobão lançou a revista cultural Outracoisa, em parceria com a L&C Editora. Esta revista reuniu contribuições de músicos e pensadores brasileiros, incluindo José Celso Martinez Corrêa, Angeli, Laerte, Adão Iturrusgarai, Marta Medeiros e outros. Em 2010, lançou sua autobiografia 50 Anos a Mil, que conta desde suas histórias de juventude até suas experiências mais loucas como músico. O livro é co-assinado por Claudio Tognolli. Lobão insiste que sem a "documentação" de Cláudio, as pessoas não acreditariam nas histórias. Em 2012 começou a escrever um novo livro, intitulado Manifesto do Nada na Terra do Nunca, lançado em 2013. Em 2015 publicou Em Busca do Rigor e da Misericórdia - Reflexões de um Eremita Urbano, pela editora Record e em 2017, lançou o Guide Politically Incorrect 1980s de Rock, de LeYa.
Em 2020, Lobão escreve a segunda parte de sua autobiografia, 60 Anos a Mil, narrando todos os detalhes de sua intensa jornada na última década - período em que produziu muito, renovou polêmica, inspirou ações e provocou reações.
No final de 2010, o cantor, compositor e multi-instrumentista Lobão publicou sua explosiva autobiografia, o best-seller 50 anos mil. Agora, dez anos depois, ele trata os leitores da segunda (e igualmente explosiva) parte de sua história, incluindo as novas lutas em que se envolveu, suas criações artísticas mais recentes e a turbulência pela qual o Brasil passou na última década.
Com 60 a mil anos, Lobão afirma-se como um “autor de rock'n'roll”, dando-nos, nesta quinta obra, uma narrativa intensa e corajosa. Muito se pode dizer sobre ele, mas nunca se pode acusar de omissão: neste romance, Lobão dedica-se mesmo a partilhar com o público motivos e decepções pelas suas escolhas, convicções e revisões.
Polêmicas e polêmicas, mas, como na capa, desde os 50 a mil anos, Lobão sempre se apresenta de frente - dando um tapa na cara.
Televisão
Lobão se apresentando no Circo Voador no Rio de Janeiro em 2011.
A partir de 2005, Lobão passa a trabalhar com televisão. Nessa época, apresentou o programa Saca Rolha, na PlayTV, ao lado de Marcelo Tas e da modelo Mariana Weickert. Os três receberam convidados todos os dias para discutir temas nacionais e internacionais em conjunto. Trabalhou de junho de 2007 a dezembro de 2010 como apresentador da MTV Brasil. Apresentou 4 programas, incluindo MTV Debate, ao longo de sua passagem como Vj, MTV Code, em 2008, Lobotomia, em 2010, e Lobão ao Mar nos verões de 2009 e 2010. Em 2007 participou do Som Brasil, homenageando Raul Seixas. Participou como juiz do Astros do SBT, em 2008.
Em 2011, ele se afastou da televisão para cuidar de sua carreira musical. Em novembro de 2011, assinou contrato com a Rede Bandeirantes para apresentar o programa A Liga, no lugar do humorista Rafinha Bastos. Três meses após o início das gravações, Lobão deixou a atração devido a problemas com a produção do programa, além de, na época, estar envolvido com a produção do novo CD e DVD Lobão Elétrico: Lino, Sexy & Brutal (Ao Vivo em SP), lançado em setembro de 2012 pela Deckdisc e início do livro Manifesto do Nada em Neverland, lançado em abril de 2013. Já foi entrevistado em programas como Roda Viva, The Noite, Agora é Tarde, De Frente com Gabi, Programa do Jô, Passando a Limpo, Provocações, Jô Soares Onze e Meia, entre outros. Na década de 1980, apresentou, entre outros, no Globo de Ouro e no Cassino do Chacrinha, importantes programas da Rede Globo.
Em homenagem aos 60 anos, a coluna de Nelson Motta, no Jornal da Globo, de 3 de novembro de 2017, foi sobre ele. Nele, o colunista afirmava considerá-lo um dos maiores compositores de sua geração. Cinema
Em 1985, atuou no filme Areias Escaldantes, filme musical brasileiro. Em 2013, o Canal Bis exibiu o documentário Universo Lobão, que conta sobre sua trajetória. O livro 50 Anos a Mil iria às telas de cinema em 2016, mas a cantora cancelou o projeto.
Vida pessoal
Parentes
Sua mãe era uma paciente cardíaca e cometeu suicídio em 1984. Ela deixou uma carta responsabilizando-o por sua morte. Vinte anos depois, seu pai também cometeu suicídio. relacionamentos e casamentos
Lobão era casado com a atriz e compositora Daniele Daumerie, que faleceu em 2014, muito depois de sua separação. Neste casamento ele teve uma filha, Julia Peres Woerdenbag. O artista carioca mora na cidade de São Paulo desde 2002, com Regina Lopes, com quem é casado desde 1991.
Lobão foi um dos melhores amigos do cantor e compositor Cazuza (1958-1990).
Ideologia política
Em 1989, ao retornar de uma temporada nos Estados Unidos, Lobão votou em Lula, pedindo um voto ao vivo para ele no Domingão do Faustão, o que, conseqüentemente, ocasionou o afastamento do cantor, por muitos anos, de todo e qualquer programa do Network Globe. [30] [31]
Atualmente é um dos artistas brasileiros mais conservadores, com elogios a Olavo de Carvalho, com quem lutou recentemente, e ao Instituto Ludwig von Mises Brasil. Ele era a favor do impeachment de Dilma, inclusive no palco para uma manifestação pró-impeachment. É parceiro da causa do amigo e também roqueiro Roger Rocha Moreira, do Ultraje a Rigor, outro militante da causa conservadora e ferrenho opositor do Partido dos Trabalhadores e de seus militantes.
Carlos Leoni Rodrigues Siqueira Júnior, mais conhecido apenas como Leoni (Rio de Janeiro, 8 de abril de 1961), é um cantor, compositor, músico e escritor brasileiro.
Carreira
1981–86: Kid Abelha
Ele começou a tocar baixo aos 16 anos, quando formou seu primeiro grupo de rock com amigos da escola, chamado "Chrisma".
Em 1981 começou como baixista e compositor principal da banda Kid Abelha, ao lado de George Israel, Paula Toller, Alessandro Gonçalves que era um baixista que morava na cidade de Peixe, no estado do Tocantins, e posteriormente Bruno Fortunato. Teve um relacionamento amoroso com Paula Toller, mas em 1986, após dois discos de ouro, houve um desentendimento entre os dois. Os integrantes do Kid Abelha e do selvagem Aboboras foram convidados a tocar a música A formula do Amor (parceria entre Leo Jaime e Leoni) em show de Leo Jaime, mas se esqueceram de chamar Leoni no palco na hora da apresentação de a música, que levou a banda a uma briga interna que levou o músico a se distanciar ainda mais da banda.
1986–92: Heroes of the Resistance
Em 1986, Leoni fundou o Heroes of Resistance, onde foi vocalista e baixista. Com os Heroes lançou três discos, conseguiu disco de ouro e acertou os sucessos "Só Pro Meu Prazer" e "Double de Corpo". Com o passar do tempo e os objetivos dos membros divergiram, a banda acabou em 1993.
1993 – presente: carreira solo
Em 1993 partiu solo para o lançamento da música "Garotos II" (no estilo pop / rock), que ficou seis meses nas paradas de todo o país, o que já havia acontecido dezesseis vezes, a exemplo de "Fixação", "Just for Meu Prazer "," Como Eu Quero "," Exagerado "," Doublé de Corpo "e" A Fórmula do Amor ". No mesmo ano, fez sucesso com a música "Carro e Grana", que exaltou o ritmo pop reggae da época. Teve alguns sócios de renome como Cazuza, Herbert Vianna, Leo Jaime, Paula Toller, Roberto Frejat, Ney Matogrosso, Vinícius Cantuária, Ivan Lins, Paulinho Moska e Rodrigo Maranhão.
Em 1995 lança o livro "Letra, Música e Outros Conversas", onde entrevista e fala com oito artistas consagrados da sua geração (Renato Russo, Herbert Vianna, Lobão, Frejat, Adriana Calcanhoto, Marina Lima, Samuel Rosa e Nando Reis ) sobre o processo de criação dos compositores.
Em 2002, após oito anos sem lançar um álbum completo, montou o selo Batuque Elegante, onde lançou "Você Sabe o que Eu Quero Dizer", um CD com músicas inéditas e ritmo brasileiro. Deste álbum, destacam-se "Fotografia", "Temporada das Flores", "As Cartas que Eu Não Mando" e "Melhor pra Mim". Começou a fazer shows no Lonas Culturais e em alguns pequenos clubes como o Pop Rock, de Belo Horizonte. Os shows, a princípio pequenos, começaram a ganhar um público cativo. Em 2003, percebendo que nem sempre o público reconhecia suas canções como sendo suas, resolveu gravar um CD reunindo seu repertório. Foi um projeto com o objetivo de informar o público sobre sua contribuição para a música brasileira. O álbum foi batizado de Áudio-retrato por esta razão, sendo produzido pelo maestro Eduardo Souto Neto, e com participação de Leo Jaime em Lágrimas e Chuva, Dinho Ouro Preto em "Garotos II - O Outros Lado", Rodrigo Maranhão em "Falando de Amor" e Herbert Vianna na inédita "Song for When You Back", feita por Leoni para seu amigo após a queda do avião. Lançado pela Som Livre, o CD logo se tornou um sucesso de vendas e impulsionou a carreira de Leoni, ampliando muito seu público e sua agenda de shows.
Em 2005, devido ao sucesso do álbum anterior, lançou o CD e DVD "Ao Vivo". Tanto o CD quanto o DVD alcançaram vendas que renderam um disco de ouro. Eles têm as mesmas participações do Audio-retrato, assim como Herbert Vianna reinterpretando sua primeira parceria com Leoni, "Por Que Não Eu?", Que acabou na trilha sonora da novela A Lua me Disse. Ao todo, foram vendidos mais de 85 mil CDs e 50 mil DVDs.
Em 2006, Leoni gravou o disco inédito "Outro Futuro", com estreia em Juiz de Fora, no Cine Theatro Central, e estréia no Rio de Janeiro, no Canecão. A faixa-título é uma parceria com Daniel Lopes, seu guitarrista e parceiro em outras composições que virão. Após o lançamento, ele foi a Paris com seis índios Ashaninka (do Acre), para gravar um documentário e um show baseado em seu álbum. O DVD "Outro Futuro", produzido pela TV Zero de Roberto Berliner, teve boa aceitação entre os fãs.
Em 2007, Leoni decidiu usar a internet para se aproximar de seus fãs. Sua primeira ferramenta foi uma comunidade na rede social Orkut, onde se juntou e interagiu com quem estava lá. Logo em seguida surgiu a vontade de transportar o sistema usado no Orkut para o seu site oficial. Lá, além de divulgar seu trabalho, conseguiu ter um contato maior com seus fãs. Em meados de 2008, Leoni decidiu transformar seu site em sua gravadora e distribuidora também, disponibilizando uma música por mês para qualquer pessoa cadastrada em seu site, gratuitamente. Cada música vem com áudio (em qualidade normal e superior), letra, cifra e um breve histórico de como foi composta e gravada. Até agosto de 2009, dez músicas foram lançadas, sendo uma delas composta em parceria com uma fã, vencedora de um concurso proposto por Leoni. Aliás, é com concursos e promoções que a cantora movimenta o site, hoje com mais de 30 mil inscritos. O último concurso aconteceu em parceria com a MPB FM, onde um torcedor, eleito pelo público, cantou junto com Leoni a música "Um Herói que Mata", na gravação do programa Palco MPB, exibido no dia 25 de agosto de 2009.
Em 2011, fez uma participação especial no CD A Sociedade do Espetáculo, da banda O Teatro Mágico, na 15ª música do álbum, intitulada "Nas Margens de Mim", composta em conjunto com o líder da trupe, Fernando Anitelli . Depois da turnê "A Noite Perfeita", acompanhados pelo guitarrista Gustavo Corsi, o baixista italiano Andrea Spada e o baterista Lourenço Monteiro. Leoni lançou sua turnê "Como Mudar o Mundo" em 2013, acompanhado pela banda Furacão de Bolso. O programa "Notícias de Mim" estreou em 2015 no Circo Voador, no Rio de Janeiro, para divulgar seu trabalho homônimo, totalmente financiado por fãs em um projeto de financiamento coletivo através do Catarse.
A próxima turnê foi 'Multiverse'. O novo show mistura música, poesia e projeções. Além dos formatos tradicionais de shows - voz / violão e com banda.
Em 2020, isolado por causa da Covid-19, ele passou a fazer shows frequentes em seu canal no Youtube
Paulo Ricardo Oliveira Nery de Medeiros (Rio de Janeiro, 23 de setembro de 1962) é um baixista, músico, compositor e ator brasileiro.
Biografia
Paulo Ricardo Oliveira Nery de Medeiros era conhecido como músico, compositor, cantor, baixista, violonista, jornalista e ator. Ele nasceu no Rio de Janeiro em 23 de setembro de 1962, no bairro da Urca. Filho do engenheiro Waldeck Nery de Medeiros e da professora Sônia Oliveira, tem duas irmãs chamadas Cristiane e Rosane. Tem quatro filhos: Paola, Isabela, Luís Eduardo e Diana.
Sua relação com a música começou cedo. Aos cinco anos, foi levado por sua educadora para se apresentar no programa A Hora do Tio Vinícius da TV Globo, apresentado por Augusto César Vannucci. Depois de morar no Rio de Janeiro, Brasília e Florianópolis, formou sua primeira banda em 1978, em São Paulo, com o amigo Ismael. A banda se chamava Soundtrack.
Estudou Jornalismo na ECA da USP e após conhecer o tecladista Luiz Schiavon, formou uma nova banda, Aura, sem resultados expressivos. Em 1982, foi para Londres onde escreveu a coluna “Via Aérea” sobre música europeia para a revista SomTrês e teve contacto com cenas technopop, new wave e pós-punk, bem como expoentes do pop / rock britânico. A correspondência constante com Luiz Schiavon, no Brasil, manteve a amizade / parceria iniciada em 1978.
1983 - 1992
Após seis meses na Europa, voltou ao Brasil e com Schiavon formou a banda RPM junto com o guitarrista Fernando Deluqui e o baterista Moreno Junior, sendo substituído por Paulo PA Pagni. RPM passou a se apresentar em várias casas noturnas de São Paulo e chamou a atenção de gravadoras. Ele assinou um contrato de cinco álbuns sem precedentes com a CBS. O álbum Revoluções por Minuto foi gravado nos Estúdios Transamérica, em São Paulo, entre 1984 e 1985, com produção de Luiz Carlos Maluly. O disco vendeu mais de 600.000 cópias. Em 1986, lançaram o álbum ao vivo Rádio Pirata ao Vivo, dirigido por Ney Matogrosso e que vendeu mais de 2,7 milhões de cópias em todo o país. [4] Em 1988 lançam o álbum RPM (conhecido como Quatro Coyotes), que embora tenha vendido mais de 200 mil cópias, não impediu que a banda se desfizesse no ano seguinte.
Com o fim da RPM, Paulo Ricardo decidiu seguir carreira solo. A primeira obra foi produzida e arranjada por ele, ao lado de Fernando Deluqui e Guilherme Canaes. Lançado em 1989 e intitulado Paulo Ricardo, teve os sucessos “A um Passo da Eternidade” e “A Fina Poeira do Ar” com a participação de Rita Lee. Em 1991, seu segundo álbum, Psico Trópico, produzido por Liminha, foi lançado.
1993 - 1999
Em 1993, o seguinte trabalho foi denominado RPM - Paulo Ricardo & RPM. Produzido por Mayrton Bahia e co-produzido por Guilherme Canaes, teve Marco da Costa na bateria e Franco Jr. nos teclados. Na guitarra esteve novamente Fernando Deluqui que participou do álbum e da composição das músicas. Destaque para “Ninfa”, música em parceria com Paulo PA Pagni. Em 1996, lançou a obra Rock Popular Brasileiro, onde reinterpretou diversos clássicos do rock e do pop nacional. A participação de Renato Russo em “A Cruz e a Espada” virou sucesso 10 anos após seu lançamento com a RPM.
A partir daí, a carreira de Paulo Ricardo começou a seguir o caminho do pop-romântico, mostrando a influência que Roberto Carlos sempre teve na adolescência. O álbum O Amor Me Escolheu, de 1997, mostra essa tendência e nele Paulo Ricardo gravou sucessos de Djavan, Jorge Ben Jor e Fagner, apresentando o hit “Dois” em parceria com Michael Sullivan. Essa música foi incluída na trilha sonora da novela Corpo Dourado, da Rede Globo, em 1998. “Dois” foi eleita a música mais tocada no Brasil naquele ano. A música “Tudo por nada” - versão em português de “Meu coração não te diz não”, gravada por Rod Stewart em 1988 - foi o tema de abertura da novela do SBT Pérola Negra, em 1998.
Com Amor de Verdade, em 1999, Paulo Ricardo expôs todo seu lado romântico e homenageou Roberto Carlos. A obra é permeada por regravações do Rei e com destaque para a inédita "Como se fosse a primeira vez", uma parceria com Michael Sullivan, onde os compositores utilizaram os títulos de Roberto Carlos para compor a música. A música “Sonho Lindo” foi a abertura da novela A Usurpadora, do SBT, em 1999.
2000 - 2009
O álbum Paulo Ricardo, mais uma vez marcado pelo seu conteúdo romântico, foi lançado pela Universal em 2000 e contou com 13 músicas, das quais 11 foram compostas pelo parceiro Michael Sullivan. Em 2001, Paulo Ricardo regravou “Imagine”, música de John Lennon, que foi tema da novela Estrela-Guia, da Rede Globo. O remake e a versão em português foram autorizados pessoalmente a Paulo Ricardo por Yoko Ono, viúva do ex-Beatle. Ainda em 2001, Paulo Ricardo voltou a trabalhar com os parceiros da RPM e lançou o single Vida Real, que é o tema de abertura do programa Big Brother Brasil, na Rede Globo. No final do mesmo ano, começaram os trabalhos com a MTV para o lançamento de um especial RPM com CD e DVD. O álbum "MTV RPM 2002" foi gravado ao vivo no Teatro Procópio Ferreira, em São Paulo, nos dias 26 e 27 de março de 2002. A obra vendeu mais de 300 mil cópias do CD e 50 mil cópias do DVD.
O ano de 2002 foi repleto de conquistas. A DreamWorks convidou Paulo Ricardo para fazer a trilha sonora da versão brasileira do filme Spirit: O Corcel Indomável, que teve a versão original em inglês gravada pelo cantor Bryan Adams. Com esse trabalho, gravado em São Paulo por seu antigo companheiro Guilherme Canaes, Paulo Ricardo recebeu o prêmio DreamWorks de melhor atuação vocal internacional na tradução de Spirit. Em novembro do mesmo ano, Paulo Ricardo iniciou sua participação como ator na novela Esperança, da Rede Globo, no papel de Samuel, o parceiro romântico de Camille, interpretado por Ana Paula Arósio. Além disso, compôs e interpretou com a RPM a música “Where is my love?”, Música-tema da personagem de Nina, interpretada por Maria Fernanda Cândido.
Em 2003, após desentendimentos entre os membros, o RPM foi novamente dissolvido. Paulo Ricardo retomou seu trabalho como cantor e deu início a um novo projeto: o grupo PR.5. A banda era formada pelo próprio Paulo Ricardo, Paulo PA Pagni, Jax Molina (ex-DeFalla), Juninho, Paulinho Pessoa e Yann Laouenan (ex-Metrô). Em 2004, foi lançada a obra Zum Zum. Em 2005, com a banda PR.5, lançou o CD e DVD Acoustic Live, onde interpretou sucessos internacionais de bandas e cantores que tiveram alguma influência na fase inicial de sua formação musical. Neste trabalho, destacam-se as interpretações de “Beautiful Girls” do INXS, “Tonight's the Night (Gonna Be Alright)” de Rod Stewart, “Wicked Game” de Chris Isaak, “Is This Love” de Bob Marley, “Your Song ”Por Elton John, entre outros. Traz também a participação especial de Toquinho em "Noites Quiet Of Quiet Stars (Corcovado)", fazendo uma parceria pouco vista entre um cantor da MPB e uma estrela do BRock.
Em novembro de 2006, Paulo Ricardo lançou o CD Prisma, nome de sua primeira banda. O novo trabalho contou com novas canções dele e de vários parceiros. O CD também marcou a volta da parceria com Luiz Schiavon na música “O dia D, a Hora H”. A obra foi indicada em 2007 ao Prêmio Grammy Latino, na categoria "melhor álbum pop contemporâneo". Em dezembro de 2007, foi lançado o livro Revelações Por Minuto, de Marcelo Leite de Moraes, com fotos de Rui Mendes, contando a história da RPM.
Em julho de 2008 foi lançada a caixa comemorativa dos 25 anos da RPM, contendo os três discos da banda, um CD de raridades e um DVD com o programa “Rádio Pirata” de 1986, no Anhembi, em São Paulo, e gravações de programas como Cassino do Chacrinha, Mixto Quente e Globo Repórter.
2010 - 2012
Em 2010, a Rede Globo produziu o especial Por Toda Minha Vida sobre a RPM. O programa apresentou a trajetória da banda do início ao fim, em 1989. Com depoimentos dos próprios músicos e de pessoas ligadas à história da banda, o programa foi o estopim para um novo retorno.
No início de 2011, Paulo Ricardo e Luiz Schiavon já estavam compondo novas músicas e ensaiando com Fernando Deluqui e Paulo PA Pagni. O show que marcou a volta foi no encerramento da Virada Cultural, em São Paulo, no dia 17 de abril de 2011. O lançamento oficial da nova turnê da banda foi no dia 20 de maio do mesmo ano, no Credicard Hall, em São Paulo, com participação novas canções e clássicos dos anos 80.
O lançamento do álbum Elektra aconteceu no dia 18 de novembro de 2011, no Citibank Hall, no Rio de Janeiro. Este trabalho trouxe um CD duplo com 12 músicas inéditas, com destaque para “Dois Olhos Verdes”, “Very Tudo”, “Ela é Demais (Pra mim)” e a regravação de “Ninfa”. O segundo CD consiste em sete das doze canções inéditas, remixadas pelo DJ Joe K. O álbum foi nomeado para um Grammy Latino de 2012.
carreira como ator
Interpretou o personagem Samuel na novela Esperança, exibida pela Rede Globo de 2002 a 2003. Sua participação na novela rendeu à emissora 43 pico de picos.
2013 interpretou o personagem Rico na série Surtadas na Yoga do canal GNT.
Em 2014 participou do filme Apneia, onde foi dirigido por Mauricio Eça.
Em 2017 fez uma participação na novela Rock Story, onde foi dirigida por Dennis Carvalho.
Agenor de Miranda Araújo Neto, mais conhecido como Cazuza (Rio de Janeiro, 4 de abril de 1958 - Rio de Janeiro, 7 de julho de 1990), foi um cantor, compositor, poeta e letrista brasileiro. Conhecido inicialmente como vocalista e letrista principal da banda Barão Vermelho, [1] na qual fez parceria com Roberto Frejat, Cazuza mais tarde seguiu carreira solo, sendo aclamado pela crítica como um dos principais poetas da música brasileira. Cazuza também era conhecido por ser rebelde, boêmio e polêmico, tendo assumido a bissexualidade em entrevistas. Em 1989, revelou-se soropositivo (termo utilizado para designar a presença do vírus HIV, causador da Síndrome da Imunodeficiência Adquirida) e faleceu em 1990, aos 32 anos, no Rio de Janeiro.
Biografia
infância e adolescência
Filho de Lucinha Araújo (1936) e produtor musical João Araújo (1935-2013), Cazuza recebeu o apelido ainda antes de nascer. Agenor, seu nome verdadeiro, foi recebido por insistência da avó paterna. Quando criança, Cazuza nem sabia seu nome de nascimento, então não atendeu o telefonema na escola. Só mais tarde, quando descobriu que um de seus compositores favoritos, Cartola, também se chamava Agenor (na verdade, Angenor, por erro de registro), Cazuza começou a aceitar o nome. Cazuza sempre teve contato com a música. Influenciado desde jovem pelos grandes nomes da música brasileira, teve preferência por canções dramáticas e melancólicas, como as de Cartola, Dolores Duran, Lupicínio Rodrigues, Noel Rosa, Maysa e Dalva de Oliveira. Também era um grande fã da roqueira Rita Lee, para quem compôs a letra da música "Perto do Fogo", que Rita musicou. Cazuza cresceu no bairro do Leblon e estudou no Colégio Santo Inácio até se mudar para o Colégio Anglo-Americano, para evitar o fracasso. Como os pais às vezes saíam à noite, o único filho ficava com a avó materna, Alice. Por volta de 1965, começa a escrever letras e poemas, que mostra à avó. Graças ao ambiente profissional do pai, Cazuza cresceu em torno dos maiores nomes da música popular brasileira, como Caetano Veloso, Elis Regina, Gal Costa, Gilberto Gil, João Gilberto, Novos Baianos, entre outros. A mãe, Lucinha Araújo, também cantou e gravou três discos.
Em 1972, passando férias em Londres, Cazuza conheceu as canções de Janis Joplin, Led Zeppelin e Rolling Stones, e logo se tornou um grande fã. Por promessa do pai, que lhe disse que lhe daria um carro caso passasse no vestibular, Cazuza foi aprovado em Comunicação em 1976, mas desistiu do curso três semanas depois. Posteriormente passou a frequentar o Baixo Leblon, onde viveu uma vida boêmia, bebendo e fumando, e tendo relações sexuais com homens e mulheres. Para evitar que o filho continuasse a ter uma atitude rebelde perante a vida, João Araújo arranjou-lhe um emprego na gravadora Som Livre, da qual era fundador e presidente. Na Som Livre, Cazuza trabalhou no departamento artístico, onde exibiu fitas de novos cantores. Em seguida, trabalhou na assessoria de imprensa, onde redigiu lançamentos para divulgar os artistas. No final de 1979, fez curso de fotografia na Universidade da Califórnia em Berkeley, nos Estados Unidos. Lá, ele descobriu a literatura da geração Beat, os chamados poetas amaldiçoados, que mais tarde teriam grande influência em sua carreira. Em 1980, retorna ao Rio de Janeiro, onde integra o grupo de teatro Asdrúbal Trouxe o Trombone, no Circo Voador. Foi nessa época que Cazuza cantou em público pela primeira vez. O cantor e compositor Leo Jaime, convidado para integrar uma nova banda de rock de garagem que se formava no bairro do Rio Comprido, não aceitou, mas indicou Cazuza nos vocais. Desses ensaios na casa do tecladista Maurício Barros, nasceu o Barão Vermelho. [5] Em 30 de novembro de 2013, seu pai João Araújo, então presidente da Som Livre, faleceu aos 78 anos após infarto.
Barão Vermelho
O Barão Vermelho, que até então era formado por Roberto Frejat (guitarra), Dé Palmeira (baixo), Maurício Barros (teclado) e Guto Goffi (bateria), gostou muito da voz estridente de Cazuza. Em seguida, Cazuza mostrou as letras da banda que havia escrito e passou a compor com Roberto Frejat, formando uma das duplas mais celebradas do rock brasileiro. A partir daí, a banda que antes tocava apenas covers passou a criar seu próprio repertório. Após ouvir uma fita demo da banda, o produtor Ezequiel Neves convenceu o diretor artístico da Som Livre, Guto Graça Mello, a gravar a banda. Juntos, eles convencem o relutante João Araújo a apostar no Barão.
Com produção barata e gravada em apenas dois dias, o primeiro álbum da banda, Barão Vermelho, foi lançado em 1982. Das canções mais importantes, "Bilhetinho Azul", "Ponto Fraco", "Down Em Mim" e "Todo Amor Que Exister Nessa Vida ". Apesar de ter sido aclamado pela crítica, o disco vendeu apenas 7.000 cópias. Após alguns shows no Rio de Janeiro e em São Paulo, a banda voltou ao estúdio e com melhor produção gravou o álbum Barão Vermelho 2, lançado em 1983. Esse álbum vendeu 15 mil cópias. Foi nessa fase que, durante show no Canecão, Caetano Veloso apontou Cazuza como o maior poeta da geração e criticou as rádios por não tocarem na banda. Na época, as rádios tocavam apenas pop e MPB brasileira. O selo de "banda maldita" só abandonou o Barão Vermelho quando o cantor Ney Matogrosso gravou "Pro Dia Nascer Feliz". Foi o impulso que faltava e a banda ganhou vida pública própria.
Maior Abandonado e Rock in Rio
A banda foi convidada a compor e gravar o tema do filme Bete Balanço. A música título tornou-se um dos grandes clássicos da banda, impulsionando o filme que se tornou um sucesso de bilheteria. A música também impulsionou as vendas do terceiro álbum de Barão, Maior Abandonado, lançado em outubro de 1984, que foi certificado ouro, gravando outras composições como "Maior Abandonado" e "Por Que a Gente é Assim?". Nos dias 15 e 20 de janeiro de 1985, o Barão Vermelho se apresentou na primeira edição do Rock in Rio. A apresentação da banda no quinto dia tornou-se antológica por coincidir com a eleição do presidente Tancredo Neves e o fim da Ditadura Militar. Cazuza anunciou o fato ao público e, para comemorar, cantou "Pro Dia Nascer Feliz". "Não divido nada, muito menos o palco"
Cazuza deixou a banda para ter liberdade de compor e se expressar musicalmente e poeticamente. Em julho de 1985, durante os ensaios do quarto álbum, Cazuza deixou o Barão Vermelho para seguir carreira solo. Suspeita-se que naquele mesmo ano começou a ter febre diária, sinais de AIDS que se agravariam anos depois. Ezequiel Neves, que já trabalhou com Barão, se dividiu entre a banda e a carreira solo de Cazuza. “Eu era 'salomônico'”, declarou em entrevista ao Jornal do Commercio, em 2007, quando Cazuza completaria 49 anos.
Carreira solo
Exagerado e só se for para dois
Em outubro de 1985, Cazuza foi internado para tratamento de pneumonia. Cazuza exigiu um teste de HIV, que deu negativo. Em novembro de 1985, seu primeiro álbum solo, Exagerado, foi lançado. "Exagerado", faixa-título composta em parceria com Leoni, torna-se um dos maiores sucessos e marca registrada da cantora. A música "Só As Mães São Felizes" foi proibida pela censura. Gravou o segundo álbum na segunda metade de 1986; Com a separação da Som Livre com seu elenco de artistas, Só Se For A Dois foi lançado pela PolyGram (hoje Grupo Universal Music) em 1987. Logo em seguida, a PolyGram contratou Cazuza. Só se for para dois apresentou temas românticos como "Só se for para dois", "O Nosso Amor a Gente Inventa", "Solitude Que Nada" e "Ritual".
A ideologia e o tempo não param
AIDS manifestada em 1987; Cazuza foi hospitalizado com pneumonia e um novo teste revelou que a cantora era portadora do vírus HIV. Em outubro, Cazuza foi internado na Clínica São Vicente, no Rio de Janeiro, para tratamento de uma nova pneumonia. Ele então foi levado por seus pais para os Estados Unidos. Lá, ele foi submetido a tratamento baseado em AZT por dois meses no Hospital New England de Boston. Ao retornar ao Brasil no início de dezembro de 1987, Cazuza começou a gravar um novo álbum. Ideologia, de 1988, inclui os sucessos "Ideologia", "Brasil" e "Faz Parte Do Meu Show". "Brasil", em versão de Gal Costa, foi tema de abertura da novela Vale Tudo, da Rede Globo, e ganhou o prêmio Sharp de melhor música do ano e melhor composição pop-rock do ano (Cazuza, George Israel e Nilo Romero).
Os shows ficaram mais elaborados e a turnê do álbum Ideologia, dirigida por Ney Matogrosso, percorreu o Brasil. O Tempo Não Para, gravado no Canecão durante essa turnê, foi lançado em 1989. O álbum tornou-se o maior sucesso comercial, ultrapassando 500 mil cópias vendidas. A faixa "O Tempo Não Para" se tornou um de seus maiores sucessos. “Todo Amor Que Hár Nessa Vida” também se destaca com um novo arranjo mais introspectivo, “Codinome Beija-Flor” e “Faz Parte Do Meu Show”. "O Tempo Não Para" também foi lançado em VHS pela Globo Filmes. Burguesia
Em fevereiro de 1989, Cazuza declarou publicamente que era HIV positivo, ajudando assim a conscientizar sobre a doença e seus efeitos. Ele compareceu à cerimônia do Sharp Award em cadeira de rodas, e recebeu os prêmios de melhor música para "Brasil" e de melhor álbum para Ideologia. Bourgeoisia (1989) foi gravada com o cantor em uma cadeira de rodas e com uma voz claramente enfraquecida. [1] É um álbum duplo de duplo conceito, sendo o primeiro álbum com músicas de rock brasileiro e o segundo com músicas de MPB. Bourgeoisia foi o último álbum gravado por Cazuza e vendeu 250.000 cópias. Cazuza recebeu o prêmio póstumo Sharp de melhor canção com "Guinea Pigs of God".
Morte
Em outubro de 1989, após quatro meses de tratamento alternativo em São Paulo, Cazuza partiu novamente para Boston, onde ficou internado até março de 1990, retornando ao Rio de Janeiro. Em 7 de julho de 1990, Cazuza morreu aos 32 anos de choque séptico causado pela AIDS. O funeral contou com a presença de mais de mil pessoas, entre parentes, amigos e fãs. O caixão, coberto de flores e lacrado, foi levado para a sepultura pelos ex-companheiros do Barão Vermelho. Cazuza foi sepultado no cemitério São João Batista, no Rio de Janeiro. No topo de mármore da tumba aparece o título de seu último grande sucesso, "O tempo não para", e as datas de seu nascimento e morte. Não há nada em sua lápide a não ser seu famoso codinome. No ano seguinte, é lançado o álbum póstumo Por Aí.
Legado
Estátua do Cazuza no Leblon, Rio de Janeiro
O estilo, a habilidade vocal e a obra produzida por Cazuza tiveram um impacto significativo na música popular brasileira. Isso lhe rendeu o título de um dos maiores vocalistas masculinos da música contemporânea. Escrevendo para a coluna Combate Rock no UOL, o crítico musical Marcelo Moreira escreveu que “Além da óbvia qualidade de seus textos e letras, o que o torna o melhor cantor do nosso rock é sua irreverência e a capacidade de zombar de todos, inclusive de si mesmo “Acrescentando que“ Sua própria existência foi o maior legado que deixou, tornando-o um símbolo daquele rock brasileiro pulsante e necessário dos anos 80. Segundo a revista Rolling Stone Brasil: “Cazuza vive na memória da música brasileira entre lendas sobre sua paixão temperamento. Mas o que garante a posteridade é o trabalho que transcendeu o universo do rock ao se aproximar da MPB com uma poesia que está sempre no fio da navalha. Uma obra marcada por um desespero paradoxalmente esperançoso. ” A cantora e jornalista Mona Gadelha escreveu que Cazuza “ganhou espaço com discursos de protesto contra os males do Brasil da época, que são quase iguais”, compara. isso nas letras, na escolha dos temas. Cazuza acreditou muito no que escreveu, sem se preocupar em agradar. O rock, além de ser uma música, é um comportamento, uma atitude crítica em relação ao mundo. O Cazuza cumpriu muito bem essa função com o que escreveu ”, avança. A artista chama a atenção para a permanência de vários desses versos na linguagem popular do país. 'Segredos de um liquidificador', 'um museu de grandes novidades', 'nós inventamos o nosso amor'. para mim, é a verdadeira consagração popular, quando a obra transcende o tempo e entra no cotidiano da língua ”. O cantor Frejat disse que “Cazuza promoveu uma revolução na música brasileira”, por conseguir unir o rock brasileiro à MPB, pois antes havia forte resistência por parte da indústria a essa união. Cazuza também é creditado por suas letras críticas e contundentes, que questionam o sistema político brasileiro; Bruno Ribeiro, do Portal do Partido Democrático Trabalhista, comentou: “canções como 'O Tempo Não Para' mostravam com suas letras a realidade de um país preconceituoso, problemático e, ao mesmo tempo, revolucionário. Nas entrelinhas, a mensagem muitas vezes girava na fala ". Francisco Fernandes Ladeira, do Observatório da Imprensa, o descreveu como "O poeta do rock brasileiro" e elogiou as canções “O Tempo Não Para”, “Brasil” e “Burguesia”, por “refletirem não só a angústia enfrentada pelo cantor. Mas também de forma confiável como era o contexto brasileiro no final da década de 1980, período marcado por grande instabilidade política e econômica. ”Em outubro de 2008, a revista Rolling Stone divulgou a Lista dos Cem Maiores Artistas da Música Brasileira, cujo resultado colocou Cazuza na 34ª posição. Em apenas dez anos de carreira, Cazuza deixou 126 canções gravadas, 78 inéditas e 34 para outros intérpretes.As canções de Cazuza já foram reinterpretadas pelos mais diversos artistas brasileiros dos mais diversos gêneros musicais. A Som Livre apresentou o show Tributo a Cazuza , em 1999, posteriormente lançando em CD e DVD, que contava com Ney Matogrosso, Barão Vermelho, Engenheiros do Havaí, Kid Abelha, Zélia Duncan, Sandra de Sá, Arnaldo Antunes e Leoni. Em 2000, o musical Casas de Cazuza, escrito e dirigido de Rodrigo Pitta, cuja história é baseada nas canções de Cazuza, foi exibido no Rio de Janeiro e em São Paulo.Em 2004 foi lançado o filme biográfico Cazuza - O Tempo Não Para, de Sandra Werneck. Com a morte, seus pais fundaram a Sociedade Viva Cazuza em 1990. O objetivo é proporcionar uma vida melhor para crianças soropositivas por meio de saúde, educação e lazer. Em 1997, a cantora Cássia Eller lançou o álbum Veneno AntiMonotonia, que traz apenas composições de Cazuza. Artistas Relacionados
Entre vários artistas ligados a Cazuza estão: Frejat, por ter sido um grande amigo e seu principal parceiro nas composições musicais; Simone ("O tempo não para" e "Codename Hummingbird"); Leoni (com quem escreveu o maior sucesso, "Exagerado"); George Israel (com quem compôs "Brasil", "Solidão que nada" e 13 outras canções); Leo Jaime (que apresentou Cazuza à banda Barão Vermelho quando esta já estava formada e precisava de um vocalista para completar a banda); Lobão, tanto pela amizade com Cazuza quanto pela influência mútua, por ter sido uma grande inspiração no início de sua carreira; [8] Cássia Eller por ser a intérprete que gravou a maior parte das músicas de Cazuza; Arnaldo Antunes por sua destacada influência; Bebel Gilberto pela amizade e parceria em algumas músicas; Rita Lee, parceira na música "Perto do Fogo", a última que escreveu antes de morrer e a primeira ela gravou em seu álbum de 1990; Ney Matogrosso, grande amigo que o dirigiu nos programas "Ideologia" e "O Tempo não Para"; e Renato Russo, por ter homenageado duas vezes o amigo e ex-vocalista de Barão (com a canção em inglês Feedback Song For a Dying Friend e com a regravação de Quando Eu Estiver Cantando no show Viva Cazuza, em 1990).
Capital Inicial é uma banda de rock brasileira formada pelos irmãos Fê Lemos e Flávio Lemos em 1982, após o fim das atividades do grupo Aborto Elétrico, do qual os irmãos participaram. A banda é atualmente composta por quatro integrantes: Fê Lemos (bateria), Flávio Lemos (baixo), Dinho Ouro Preto (voz) e Yves Passarell (guitarra), além de Robledo Silva (teclados) e Fabiano Carelli (guitarra), banda de suporte. A banda estreou em 1986 com seu álbum de estreia auto-intitulado.
História
O início
Em 1978, Fê Lemos voltou de uma estadia na Inglaterra para Brasília, onde seu pai lecionou na Universidade de Brasília (UnB). Integrou um grupo de jovens fãs de punk rock do conjunto de quatro prédios, batizado de "Turma da Colina", que contava com Renato Russo. Os dois e o sul-africano André Pretorius fundaram a banda Aborto Elétrico, com Renato no baixo, André na guitarra e Fê na bateria. A banda não tinha ninguém nos vocais. Pretorius teve que voltar à África do Sul para cumprir o serviço militar, então Renato se tornou violonista e cantor, enquanto o irmão de Fê, Flávio Lemos, assumiu o baixo. A banda logo se tornou uma das mais populares de Brasília, e um de seus maiores fãs era Dinho Ouro Preto, um velho amigo de Renato que ia a todos os shows. Surgimento da banda (1983-1985)
Em 1983, Fê e Renato se desentenderam, ocasionando a saída do cantor e a extinção do Aborto Elétrico. Os irmãos Lemos convocaram o ex-guitarrista do Blitx 64 Loro Jones e a cantora Heloísa para formar outra banda, o Capital Inicial. Após um mês tocando em um teatro da Associação Brasiliense de Odontologia com Plebe Rude e a nova banda de Renato, Legião Urbana, sob pressão dos pais, Heloísa deixa a banda. A audição de Lemos para uma nova vocalista, e Dinho Ouro Preto assumiu. Dinho insistiu que a banda incluísse canções do Aborto no repertório e, posteriormente, chamou Renato para completar a letra de "Música Urbana", que se tornaria um dos primeiros sucessos do Capital. Dinho e Jones já haviam tocado juntos na banda Dado e o Reino Animal, que incluía os futuros membros do Legião Dado Villa-Lobos e Marcelo Bonfá. Três meses depois, em julho de 1983, estreou com show na Unb, passando então em São Paulo (SESC Pompeia) e no Rio de Janeiro (Circo Voador). A banda faz constantes viagens e apresentações nos principais palcos do rock underground brasileiro. Em 1984, o ritmo crescente de viagens indica a necessidade de estar mais perto de seu principal mercado, as regiões Sudeste e Sul. No final do ano, assinaram seu primeiro contrato fonográfico, com a CBS (atual Sony), e se mudaram para São Paulo no início de 1985. Logo em seguida, lançaram seu primeiro disco em vinil, o single duplo Descendo o Rio Nilo / Leve Desespero. Este ano também integram a trilha sonora do primeiro "filme de rock" brasileiro, Areias Escaldantes, de Francisco de Paula, ao lado de Ultraje a Rigor, Titãs, Lobão e os Ronaldos, Ira !, Metrô, Lulu Santos e May East.
primeiros discos
O primeiro LP, Capital Inicial, já da Polygram, foi lançado em 1986 e recebeu ótimas críticas. “Um rock limpo, vigoroso, dançante e acima de tudo competente, a quilômetros de distância da mesmice que assaltou a música pop brasileira nos últimos tempos”, é como o jornalista Mário Nery abre sua crítica ao disco na Folha de S.Paulo. [6] O álbum contou com faixas como "Música Urbana", "Psicopata", "Fátima", "Veraneio Vascaína", "Leve Desespero" entre outras. Em 1987, com o tecladista Bozzo Barretti em sua formação, o Capital Inicial lançou seu segundo álbum, Independência, gravando "Prova", "Independência" e a regravação de "Descendo o Rio Nilo".
Naquele ano, foi convidado a abrir os shows da turnê do cantor inglês Sting em São Paulo (estacionamento no Anhembi), Rio de Janeiro no Maracanã, Belo Horizonte no Estádio Independência, Brasília no Estádio Mané Garrincha e Porto Alegre no Estádio Olímpico Monumental. Você Não Precisa Entender chegou às lojas de todo o país em 1988, com "A Portas Fechadas", "Pedra Na Mão" e "Fire". 1989 marca o lançamento do álbum Todos os Lados, com as faixas "All Sides", "Mickey Mouse in Moscow" e "Belos e Malditos". Em 1990 participaram do festival Hollywood Rock, realizado em São Paulo e no Rio de Janeiro. O álbum Eletricidade, lançado em 1991, marca o início das mudanças no Capital Inicial, a começar pelo selo. O álbum, lançado pela BMG, traz uma versão de "O Passageiro", de Iggy Pop, batizada de "O Passageiro", e composições como "Cai a Noite", "Kamikaze" e "Todas as Noites". Nesse mesmo ano, participaram da segunda edição do festival Rock in Rio. O vídeo "O Passageiro" foi gravado em uma câmera PXL-2000 que armazenava imagens em preto e branco em uma fita cassete.
Discordâncias
Em 1992, Bozzo Barretti deixou o grupo e, em 1993, diferenças musicais e pessoais levaram o vocalista Dinho Ouro Preto a seguir carreira solo. Já o Capital Inicial, agora com Santos Murilo Lima (ex-banda Rúcula) nos vocais, lançou Rua 47 em 1995. Em 1996, a banda lançou Capital Inicial Ao Vivo, o primeiro da Qualé Cumpadi Records, selo independente montado pela banda. , e a segunda pela Rede Brasil Discos, atualmente Alpha Discos.
O retorno do capital inicial
Em março de 1998 em São Paulo, após o lançamento, pela Polygram, do álbum O Melhor do Capital Inicial, os quatro integrantes originais decidiram retornar aos palcos. Dinho Ouro Preto, Loro Jones, Fê Lemos e Flávio Lemos estão de volta à estrada com um novo show, em comemoração aos 15 anos da banda e aos 20 anos de nascimento do rock candango. O repertório traz sucessos, faixas pouco conhecidas e composições de bandas que fizeram parte da cena brasiliense dos anos 80, como Plebe Rude e Legião Urbana.
Em julho do mesmo ano, a banda assinou contrato com a Abril Music, e em setembro seguiu para Nashville, Tennessee, EUA, onde gravou Atrás dos Olhos. Este disco é produzido por David Zá, que entre outros já trabalhou com artistas como Prince, Billy Idol e Fine Young Cannibals. Neste mesmo ano de 1998 também são lançadas mais duas coletâneas da Universal (ex-PolyGram): um álbum da série Millennium, com vinte músicas retiradas dos quatro primeiros álbuns, e um álbum de músicas do grupo remixadas por produtores famosos e DJs do Brasil.
O ano de 1999 é dedicado à turnê brasileira. Surge a ideia de fazer um álbum ao vivo, reunindo novos e antigos sucessos. Essa ideia rapidamente se transforma em um projeto de álbum acústico, em parceria com a MTV Brasil. O último ano do século 20 começa com a banda se preparando para a gravação do MTV Acoustic, que acaba ocorrendo em março com a participação do cantor e compositor Kiko Zambianchi. O disco é lançado no dia 26 de maio. Acústico MTV - Capital Inicial foi um grande sucesso comercial (disco de platina 3 × certificado pela ABPD), marcando o ressurgimento da banda. público de 250 mil pessoas. Em fevereiro de 2002, Loro Jones deixou a banda. O guitarrista reclamava do excesso de tempo de trabalho, com mais de 150 shows na década que se iniciava, e do agravante do fato de Jones ainda residir em Brasília, ao contrário de seus companheiros de banda, o que o levava a constantes deslocamentos para São Paulo. . Yves Passarell, da banda Viper, assumiu.
Recentemente
O álbum Eu Never Said Adeus foi lançado em 2007, com o primeiro single "Eu Never Said Adeus". Em 2008, lançou o álbum ao vivo Multishow ao Vivo: Capital Inicial em Brasília para comemorar 25 anos de carreira. O álbum foi gravado em Brasília, na Esplanada dos Ministérios, no dia 21 de abril, aniversário da cidade e teve mais de 1 milhão de pessoas em público. Os músicos convidados Robledo Silva e Fabiano Carelli participaram do show. A primeira música de trabalho do álbum foi "Algum Dia", e a segunda "Dançando com a Lua".
Mostra do Capital Inicial em 2015
No sábado, 31 de outubro de 2009, a banda fazia um show em Patos de Minas, Minas Gerais, quando Dinho Ouro Preto caiu a três metros do palco. Dinho sofreu traumatismo cranioencefálico leve e uma fratura de costela; e após cinco dias de internação, a cantora voltou à UTI por causa de uma infecção. No dia 30 de novembro, Dinho saiu do hospital, depois de quase um mês internado. Depois de sair do hospital, Dinho e os integrantes da banda entraram em estúdio para gravar o décimo quinto álbum do grupo Das Kapital. O disco traz algumas músicas que contam um pouco do drama vivido por Dinho. Lançado no dia 2 de junho de 2010, o primeiro single do álbum foi "Depois da Meia Noite", lançado para rádios de todo o Brasil, e depois "Como se Sente", "Vivendo e Aprendendo" e "Vamos Comemarar" a pedido dos fãs. Segundo Dinho, o Das Kapital marca o início de uma terceira fase do Capital, depois da inicial e da volta, “de discos que são mais parecidos com a gente, com o tipo de som que gostamos”. A banda também se apresentou no Rock in Rio 2011, no dia 24 de setembro, abrindo o show para os californianos do Red Hot Chili Peppers.
Em 10 de dezembro de 2012, eles lançam um novo álbum, Saturno. O álbum foi produzido por David Corcos e contém 13 faixas, entre elas os singles "O Lado Escuro da Lua" e "Saquear Brasília". No ano seguinte eles são confirmados no Rock in Rio 2013, no dia 14 de setembro, mesmo dia da banda Muse.
Em 2015, o Capital Inicial decidiu gravar um segundo álbum acústico em Nova York. O Acústico NYC teve grande parte de seu repertório gravado após o Acústico MTV, além de três composições inéditas, uma música dos anos 80 ("Belos e malditos") e covers de Legião Urbana e Charlie Brown Jr. Lenine e Seu Jorge fizeram participações especiais, e as guitarras teve a participação do produtor Liminha e do ex-Charlie Brown Thiago Castanho.
Em show em Manaus, no dia 15/04/2016, Dinho comentou sobre a participação do músico Lenine no álbum.
“Quando convidamos Lenine, pensamos que ele gostaria de tocar nossas músicas mais complicadas. Mas foi exatamente o contrário, logo no nosso primeiro encontro ele pediu para cantar algumas de nossas músicas mais populares”, revelou Dinho, referindo-se a “Don ' olhe para trás "e" Tempo perdido "da Legião Urbana.
Em 2017, em plena turnê acústica de NYC, a banda preparou um show elétrico com setlist passando por todas as fases das três décadas de carreira, investiu na pirotecnia e nas artes visuais nas telas, para se apresentar na 7ª edição do Rock in Rio, o show contou com a participação de Thiago Castanho (Ex Guitarrista do Charlie Brown Jr). A apresentação da banda foi eleita o melhor show nacional no Rock in Rio 2017.
Em 10 de abril de 2018, a banda entrou em estúdio e atualmente está gravando um novo álbum inédito cujo lançamento será "parcelado" onde a banda lançará uma música inédita por mês, totalizando 12 músicas inéditas que serão lançadas digitalmente e posteriormente física de mídia . No dia 25 de maio de 2018, a banda lançou o mais novo single “Não olhe para mim assim” em todas as rádios do país, o primeiro trabalho lançado do novo álbum intitulado “Sonora” produzido por Lucas Silveira da banda Fresno. Em junho, o Capital Inicial iniciará a nova turnê "Sonora" a partir do Rio de Janeiro - RJ.
Membros
formação atual
Dinho Ouro Preto - vocal, violão e violão (1982-1993, 1998 - presente)
Fê Lemos - bateria (1982 - presente)
Flávio Lemos - baixo (1982 - presente)
Yves Passarell - violão e violão (2002 - presente)
Dentre tantos artistas também se destacam grandes cantores da música popular brasileira que têm um grande papel na história cultural brasileira como a bousa nova e a MPB onde se destacam grandes músicos que fazem as melhores canções e letras musicais que irão acompanhar os melhores:
Dorival Caymmi (Salvador, 30 de abril de 1914 - Rio de Janeiro, 16 de agosto de 2008) foi um cantor, compositor, instrumentista, poeta, pintor e ator brasileiro.
Ele compôs inspirado nos hábitos, costumes e tradições do povo baiano. Com forte influência na música negra, desenvolveu um estilo pessoal de compor e cantar, mostrando espontaneidade nos versos, sensualidade e riqueza melódica.
Poeta popular, compôs obras como Saudade da Bahia, Samba da Minha Terra, Doralice, Marina, Modinha para Gabriela, Maracangalha, Saudade de Itapuã, O Dengo que a Nega Tem, A Lenda do Abaeté e Rosa Morena.
Filho de Dorival Henrique Caymmi e Aurelina Soares Caymmi, foi casado com Adelaide Tostes, com quem teve três filhos: Nana, Dori e Danilo, que também são cantores, além das netas Juliana e Alice.
Morreu no dia 16 de agosto de 2008, aos 94 anos, em casa, às seis horas da manhã, em decorrência de insuficiência renal e falência de múltiplos órgãos, em decorrência de um câncer renal que apresentava há nove anos. Ela estava sob cuidados domiciliares desde dezembro de 2007.
Ele era de ascendência italiana por parte de pai, as gerações na Bahia começaram com seu bisavô, que chegou ao Brasil para trabalhar na reforma do Elevador Lacerda. Ainda criança, iniciou a sua atividade como músico, ouvindo parentes ao piano. Seu pai era funcionário público e músico amador, ele tocava, além de piano, violão e bandolim. A mãe, dona de casa, misturava português e africano, cantava apenas em casa. Ouvindo o fonógrafo e depois o fonógrafo, sua vontade de compor cresceu. Ele cantou, quando menino, em um coro de igreja, como baixista. Aos treze anos, interrompe os estudos e passa a trabalhar na redação do jornal O Imparcial, como assistente. Com o fechamento do jornal em 1929, ele se tornou vendedor de bebidas. Em 1930 escreveu sua primeira música: "No Sertão", e aos vinte anos estreou-se como cantor e violonista em programas da Rádio Clube da Bahia. Em 1935, passa a apresentar o musical Caymmi e Suas Canções Praieiras. Aos 22 anos, venceu, como compositor, o concurso de carnaval com o samba A Bahia também dá. Gilberto Martins, diretor da Rádio Clube da Bahia, o incentiva a seguir carreira no sul do país. Em abril de 1938, aos 23 anos, Dorival viaja pela ita (navio que faz a travessia de norte a sul do Brasil) até a cidade do Rio de Janeiro, para conseguir um emprego como jornalista e fazer o curso preparatório de Direito. Com a ajuda de familiares e amigos fez pequenos trabalhos na imprensa, trabalhando no Jornal, do grupo Diários Associados, mas mesmo assim continuou a compor e a cantar. Nessa época, conheceu Carlos Lacerda e Samuel Wainer.
Dorival Caymmi, 1956. Arquivos Nacionais.
Foi apresentado ao diretor da Rádio Tupi e, em 24 de junho de 1938, estreou-se no rádio cantando duas composições, embora ainda não tivesse contrato. Se saiu bem como calouro e passou a cantar dois dias por semana, além de participar do programa Dragão da Rua Larga. Nesse programa, interpretou O que é que a Baiana Tem ?, composta em 1938. Com a música, fez Carmen Miranda seguir carreira no exterior, a partir do filme de 1938 Banana da Terra. Sua obra evoca principalmente a tragédia dos negros e pescadores baianos: O Mar, A História dos Pescadores É Doce Morrer no Mar, A Jangada Só Volta, Canoeiro, Pescaria, entre outros. Filho de uma santa da Mãe Menininha do Gantois, para quem escreveu em 1972 a canção em sua homenagem: "Oração de Mãe Menininha", gravada por grandes nomes como Gal Costa e Maria Bethânia.
Nos anos 1970, sua canção "Suíte do Pescador" ganhou notoriedade na União Soviética após a composição da trilha sonora do filme "Capitães da Areia", baseado na obra de Jorge Amado, que fez grande sucesso no país.
Em 1986, a Escola de Samba Estação Primeira de Mangueira apresentou o enredo "Caymmi mostra ao mundo o que a Bahia e a Mangueira têm". Nesse desfile, com um belo samba, a Estação Primeira de Mangueira conquistou o título principal do Carnaval Carioca. Em 2014 foi homenageado pela Escola de Samba Águia de Ouro, que apresentou o enredo: “A Velha Bahia apresenta o centenário do poeta compositor Dorival Caymmi” em homenagem ao centenário de Dorival Caymmi. A escola terminou em terceiro lugar, mesma posição do ano anterior.
Construção
Dorival Caymmi em uma foto de 1938.
Nas composições de Caymmi (Maracangalha, 1956; Saudade de Bahia, 1957), a Bahia aparece como um lugar exótico com um discurso típico que se consolidou nas primeiras décadas do século 20, com referências à cultura africana, à comida, à dança, ao vestuário, e especialmente para a religião.
Caymmi na Rádio Nacional, em 1938.
Fundo
Com a Primeira Guerra Mundial, um lundu de autoria anônima, com o nome de "A Farofa", trata não só do conflito, mas também do dendê e do vatapá, na canção "O Vatapá". O compositor José Luís, apelidado de Caninha, utilizou, em 1921, a palavra balangandã, no samba "Quem vem atrás fecha a porta". A culinária baiana foi consagrada no maxixe "Cristo nasceu na Bahia", lançado em 1926. No final da década de 1920, ele associa a Bahia à mulher que balança, balança, cambaleia, embaralha e move as cadeiras ao dançar samba, o que surpreende na lingüística, já que o autor não era brasileiro.
Sucesso
O primeiro grande sucesso "O que a baiana tem?" cantada por Carmen Miranda em 1939 não só marca o início da trajetória internacional de Pequena Notável vestida de baiana, mas também influenciou a música popular do Brasil, ficou conhecida a ponto de ser imitada e parodiada, como no choro "O que é que a baiana tem? " de Pedro Caetano e Joel de Almeida ou na canção "A baiana diz que tem" de Felipe Colognezi. Apesar das produções anteriores, as composições de Caymmi são as mais lembradas da cultura baiana.
Morte
Em 16 de agosto de 2008, aos 94 anos, Caymmi faleceu em seu apartamento na Avenida Nossa Senhora de Copacabana, no bairro de Copacabana, de insuficiência renal devido ao câncer que o acompanhava desde 1999.
Seu corpo foi velado na Câmara Municipal do Rio de Janeiro, no centro do Rio de Janeiro. Caymmi foi sepultado no dia seguinte no Cemitério São João Batista, no bairro de Botafogo, com a presença de seus filhos e personalidades como Othon Bastos, Gilberto Gil, Gilberto Braga, João Ubaldo Ribeiro, Daniela Mercury, Wagner Tiso, Glória Perez e os Prefeito do Rio, Cesar Maia (DEM).
Em sua homenagem, o governador da Bahia, Jaques Wagner (PT) e o governador do Rio de Janeiro, Sérgio Cabral Filho (PMDB), declararam luto oficial de três dias em seus estados. O então Presidente da República, Lula (PT), escreveu uma nota de pesar em homenagem ao músico: “Dorival Caymmi é um dos fundadores da música popular brasileira, patriarca de uma linhagem de músicos talentosos. Suas canções praieiras e seu samba -canção são patrimônio cultural nacional Brilharam e inovaram como compositor, músico e cantor Sua música é uma tradução completa da Bahia Foi com tristeza que recebi a notícia de seu falecimento Minhas sinceras condolências a sua esposa Stella Maris e seus filhos - Naná, Dori e Danilo. Sua obra ficará sempre viva na memória dos brasileiros, iluminando a todos com a graça e alegria de suas canções ”
Francisco Buarque de Hollanda OMC • ComIH, mais conhecido como Chico Buarque (Rio de Janeiro, 19 de junho de 1944), é músico, dramaturgo, escritor e ator brasileiro. É conhecido por ser um dos maiores nomes da música popular brasileira (MPB). Sua discografia conta com aproximadamente oitenta discos, entre discos solo, em parceria com outros músicos e compactos.
Escreveu seu primeiro conto aos 18 anos, ganhando destaque como cantor em 1966, quando lançou seu primeiro álbum, Chico Buarque de Hollanda, e ganhou o Festival de Música Popular Brasileira com a canção A Banda. [5] [6] ] [7] Exilou-se na Itália em 1969, devido à crescente repressão ao regime militar brasileiro nos chamados "anos de chumbo", tornando-se, ao retornar em 1970, um dos artistas mais atuantes na crítica política e na luta pela democratização do país. Em 1971 foi lançado Construction, considerado pela crítica como um de seus melhores trabalhos, e em 1976, Meus Caros Amigos - ambos os álbuns figuram, por exemplo, na lista dos 100 maiores álbuns da música brasileira organizada pela revista Rolling Stone Brasil.
Além de sua notabilidade como músico, ele desenvolveu uma carreira literária ao longo dos anos, escrevendo peças e romances. Conquistou três Prêmios Jabuti: Melhor romance em 1992 com Estorvo e Livro do Ano, tanto pelo livro Budapeste, lançado em 2004, e por Leite Derramado, em 2010. Em 2019, foi distinguido com o Prêmio Camões, principal obra literária troféu em língua portuguesa, pela obra como um todo.
Neto de Cristóvão Buarque de Hollanda e filho de Sérgio Buarque de Hollanda e Maria Amélia Cesário Alvim, Chico é irmão das cantoras Miúcha, Ana de Hollanda e Cristina. [9] Foi casado durante 33 anos (de 1966 a 1999) com a atriz Marieta Severo, com quem teve três filhas, Sílvia Buarque, Helena e Luísa.
Biografia
Francisco Buarque de Hollanda nasceu em 19 de junho de 1944 na cidade do Rio de Janeiro, filho de Sérgio Buarque de Hollanda (1902–1982), importante historiador e jornalista brasileiro, e de Maria Amélia Cesário Alvim (1910–2010), pintora e pianista. Casou-se com Marieta Severo em 1966, com quem teve três filhas: Sílvia Buarque, Luísa Buarque e Helena Buarque. A cantora também tem cinco netos. Chico é irmão das cantoras Miúcha, Ana de Hollanda e Cristina Buarque. Ao contrário da crença popular, o dicionarista Aurélio Buarque de Holanda era apenas um primo distante do pai. Nos primeiros versos de sua canção "Paratodos", Chico Buarque homenageia seus antepassados familiares: Meu pai era paulista / Meu avô, de Pernambuco / Meu bisavô, de Minas Gerais / Meu trisavô, da Bahia. O "avô de Pernambuco" a que a cantora se refere era paterno: Cristóvão Buarque de Hollanda. O "bisavô mineiro", Cesário Alvim, e o "bisavô baiano" Eulálio da Costa Carvalho, estavam do lado materno.
Em 1946, muda-se para São Paulo, onde seu pai assume a direção do Museu do Ipiranga. Chico sempre se interessou pela música, interesse esse bastante reforçado pela convivência com intelectuais como Vinicius de Moraes e Paulo Vanzolini.
Em 1953, Sérgio Buarque de Hollanda, pai da cantora, foi convidado a lecionar na Universidade de Roma. A família Buarque de Hollanda mudou-se então para a Itália. Chico aprende duas línguas estrangeiras, na escola fala inglês e na rua italiano. Nessa época, compôs suas primeiras canções de carnaval.
Chico voltou ao Brasil em 1960. No ano seguinte, produziu suas primeiras crônicas para o jornal Verbâmidas, do Colégio Santa Cruz de São Paulo, nome que criou. Sua primeira aparição na imprensa, porém, não foi relacionada ao trabalho, mas sim a um policial. Publicada no jornal Última Hora, de São Paulo, a notícia de que Chico e um amigo roubaram um carro próximo ao estádio do Pacaembu para passear pela madrugada paulista foi anunciada com a manchete "Pivetes roubou um carro: preso".
Em 25 de março de 1996, foi agraciado com o grau de Comandante da Ordem do Infante D. Henrique, de Portugal.
Em 1998, a artista foi homenageada no Desfile das Escolas de Samba do Rio de Janeiro, pela GRES Estação Primeira de Mangueira, no enredo "Chico Buarque da Mangueira". A escola verde e rosa dividiu o título de campeã daquele carnaval com Beija-Flor de Nilópolis. [18] [19]
Em 2015, participou da música "Trono de Estudar", composta por Dani Black em apoio aos alunos que se articulavam contra o projeto de reorganização escolar do governo do estado de São Paulo. A faixa contou com 17 outros artistas brasileiros: Arnaldo Antunes (ex-Titãs), Tiê, Dado Villa-Lobos (Legão Urbana), Paulo Miklos (Titãs), Tiago Iorc, Lucas Silveira (Fresno), Filipe Catto, Zélia Duncan, Pedro Luís (Pedro Luís e A Parede), Fernando Anitelli (O Teatro Mágico), André Whoong, Lucas Santtana, Miranda Kassin, Tetê Espíndola, Helio Flanders (Vanguart), Felipe Roseno e Xuxa Levy.
começo de carreira
Chico Buarque aparece na TV Rio, em 1967.
Chico Buarque chegou a se matricular no curso de Arquitetura na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo (FAU) da Universidade de São Paulo (USP) em 1963. Estudou dois anos e parou em 1965, quando começou a se dedicar à carreira artística. Nesse ano lançou Sonho de um Carnaval, inscrito no 1º Festival Nacional de Música Popular Brasileira, veiculado pela TV Excelsior, além de Pedro Pedreiro, música fundamental para experimentar a forma de trabalhar os versos, com rigoroso trabalho morfológico estilístico e politização, mais significativamente na década de 1970. A primeira composição de Chico foi aos 15 anos, Canção dos Olhos (1959). A primeira gravação foi também uma marchinha, "Marcha para um dia de sol", gravada por Maricene Costa, em 1964.
Conheceu Elis Regina, que havia vencido o Festival de Música Popular Brasileira (1965) com a música Arrastão, mas a cantora acabou desistindo de gravá-la por impaciência com a timidez do compositor. Chico Buarque se revelou ao público brasileiro ao vencer o mesmo Festival, no ano seguinte (1966), veiculado pela TV Record, com A Banda, interpretado por Nara Leão (empatado em primeiro lugar com Disparada, de Geraldo Vandré, interpretado por Jair Rodrigues). Porém, Zuza Homem de Mello, no livro The Age of Festivals: A Parable, revelou que "A Banda" ganhou o festival. O musicólogo preservou as folhas de votação do festival por décadas. Neles, conta-se que a canção "A Banda" venceu a competição por 7 a 5. Chico, sabendo que venceria, dirigiu-se ao presidente da comissão e disse que não aceitaria a derrota da Disparada. Se isso acontecesse, ele entregaria imediatamente o prêmio ao competidor.
Em 10 de outubro de 1966, data da final, deu-se início ao processo que designaria Chico Buarque como unanimidade nacional, apelido criado por Millôr Fernandes.
Músicas como Ela e sua Janela, de 1966, começam a demonstrar a cara lírica do compositor. Com a observação da sociedade, como nos diversos momentos em que a palavra janela é citada em suas primeiras canções: Juca, Januária, Carolina, A Banda e Madalena foram para março. As influências de Noel Rosa podem ser notadas em A Rita, 1965 , citado na letra, e Ismael Silva, como nas marchas de rancho.
Festivais de MPB na década de 1960
Tom Jobim e Chico Buarque no Festival Internacional da Canção (FIC), 1968.
No festival de 1967, também faria sucesso com Roda Viva, interpretado por ele e pelo grupo MPB-4 - amigos e intérpretes de muitas de suas canções. Em 1968, venceu novamente mais um Festival, o III Festival Internacional da Canção, da TV Globo. Como compositor, em parceria com Tom Jobim, com a música Sabiá. Mas, dessa vez, a vitória foi contestada pelo público, que preferiu a música que ficou em segundo lugar: Sem contar que não falei de flores, de Geraldo Vandré.
A participação no Festival, com A Banda, marcou a primeira aparição pública de grande repercussão, apresentando um estilo sustentado pelo movimento musical urbano da Bossa Nova, surgido em 1957. Ao longo de sua trajetória, o samba e a MPB seriam estilos amplamente explorados .
Trilha sonora e adaptações de livros
Chico participou como ator e compôs diversos sucessos do filme Quem o Carnaval Chegar e foi diretor musical de Joanna Francesa com Roberto Menescal, com quem compôs a música-tema, ambos filmes dirigidos por Cacá Diegues. Compôs a música-tema do longa-metragem Vagabundo, de Hugo Carvana - a Carvana até modificou o roteiro para melhor utilizá-lo. Faria o mesmo com os seguintes filmes deste diretor: Se Holds Malandro e Vai Work Vagabond II. Adaptou canções de uma peça infantil para o filme Os Saltimbancos Trapalhões do grupo de humor Os Trapalhões e com interpretação de Lucinha Lins. Outras adaptações de sua peça homônima foram feitas para o filme Ópera do Malandro, outro musical cinematográfico. Vários filmes que tiveram temas próprios e fizeram muito sucesso além dos citados: Tchau, Tchau Brasil, Dona Flor e seus dois maridos e Eu te amo, os dois últimos com Sônia Braga. Ele recentemente teve uma participação especial como ator no filme Ed Mort. Escreveu o livro que virou filme, Benjamim, que estreou nos cinemas em 2003, tendo como intérpretes os protagonistas Cleo Pires, Danton Melo e Paulo José. [25]
Em maio de 2009 foi lançado o filme Budapeste, baseado no livro homônimo de Chico Buarque. No filme, também há uma participação especial do escritor.
teatro e literatura
Chico Buarque se apresenta em 1970.
Apresentou as peças Morte e vida severina e os infantis Os Saltimbancos. Também escreveu várias peças, entre elas Roda Viva (proibido), Gota d'Água, Calabar (proibido), Ópera do malandro e cinco livros: Estorvo, Benjamim, Budapeste, Leite Derramado e O Irmão Alemão.
Chico Buarque sempre se destacou como colunista no ensino médio; seu primeiro livro foi publicado em 1966, trazendo os manuscritos de suas primeiras composições e o conto Ulisses, além de uma crônica de Carlos Drummond de Andrade sobre A Banda. Em 1974, escreveu o romance pecuário Fazenda Modelo e, em 1979, Chapeuzinho Amarelo, livro-poema infantil. A Bordo Rui Barbosa foi escrito em 1963 ou 1964 e publicado em 1981. Em 1991, publicou o romance Estorvo (vencedor do Prêmio Jabuti de melhor romance em 1992) e, quatro anos depois, escreveu o livro Benjamim. Em 2004, o romance Budapeste ganha o Prêmio Jabuti de Livro do Ano. Em 2009, lançou o livro Leite Derramado, que também recebeu o Prêmio Jabuti de Livro do Ano. Em 2016, estreia a versão teatral desse romance do Club Noir, estrelada por Helena Ignez e Luiz Päetow. Oficialmente, a venda mínima de seus livros é de 500 mil exemplares no Brasil.
Polêmica sobre o Prêmio Jabuti
Tanto Budapeste quanto Leite Derramado ganharam o Prêmio Jabuti de Anuário sem terem ganhado o mesmo prêmio na categoria Melhor Romance. Budapeste ficou em terceiro lugar no Prêmio de Melhor Romance de 2004, enquanto Leite Derramado ficou em segundo lugar em 2010. Após a escolha de 2010, muitas críticas foram feitas à forma do prêmio, visto que, na categoria prêmios, o júri seria composto de especialistas, e nos prêmios do Year Book, o voto representaria a vontade dos empresários do setor. Os três primeiros colocados em cada categoria competiram pelo prêmio final, para o Livro do Ano. Uma petição online, intitulada “Chico, devolva o Jabuti!”, Coletou milhares de assinaturas. A editora Record (que publicou If I Close Eyes Now de Edney Silvestre, vencedor na categoria de melhor romance e preterido na votação final) criticou o regulamento do prêmio, alegando que favoreceria pessoas com grande penetração na mídia e seria desrespeitoso ao júri especializada e com os próprios autores, anunciando que não mais inscrevem candidatos ao prêmio. Com a polêmica, foi anunciado que em 2011 apenas os vencedores de cada categoria concorreriam à premiação final.
programas de televisão
Deixou de participar de programas populares de televisão, tendo problemas com a TV Excelsior, durante o ensaio para o programa Chacrinha, em que um dos produtores teria feito uma piada com a letra da música Pedro Pedreiro: “Este trem não chega aqui mais cedo, não? " - referindo-se ao comprimento da carta de sessenta versos. Irritado, Chico foi embora e nunca mais apareceu no programa. O executivo Boni proibiu qualquer referência a Chico durante a programação da TV Globo, depois que os dois também tiveram um caso, mas por um curto período, já que ainda na década de 1970 (e início dos anos 1980) suas canções faziam parte das trilhas sonoras. de várias novelas, como Espelho Mágico e Sétimo Sentido. Ao fim da proibição, vários anos depois, Chico concordou em fazer um programa com Caetano Veloso, que contava com a participação de outros artistas.
Críticas à Ditadura Militar do Brasil
Opinião da Censura das Mulheres da Música de Atenas pelo Serviço de Censura do Entretenimento Público em 1976.
Parecer da Censura recomendando a proibição da música "Partido Alto", de Chico Buarque.
Ameaçado pelo regime militar, exilou-se na Itália em 1969, onde chegou a se apresentar com Toquinho. Naquela época, suas canções Apesar de você (que dizem ser uma alusão negativa ao presidente Emílio Garrastazu Médici, mas que Chico sustenta são referentes à situação) e "Cálice" foram proibidas pela censura brasileira. Adotou o pseudônimo de Julinho da Adelaide, com o qual compôs apenas três canções: Milagre Brasileiro, Acorda amor e Jorge Maravilha. Na Itália, Chico fez amizade com o cantor Lucio Dalla, para quem fez Minha História, versão em português (1970) da canção Gesù Bambino (título verdadeiro 4 marzo 1943), de Lucio Dalla e Paola Palotino.
Ao retornar ao Brasil, deu continuidade a composições que denunciaram aspectos sociais, econômicos e culturais, como a famosa Construção ou a divertida Festa Alto. Atuou com Caetano Veloso (que também estava exilado, mas na Inglaterra) e Maria Bethânia. Havia outra de suas canções associadas a críticas a um presidente do Brasil. Julinho da Adelaide, aliás, não era apenas um pseudônimo, mas a forma que o compositor encontrou para contornar a censura, então implacável ao notar seu nome nos créditos de uma música. Para completar a farsa e dar-lhe um ar de veracidade, Julinho da Adelaide até tinha carteira de identidade e até deu entrevista para um jornal da época.
Uma das canções de Chico Buarque que critica o regime é uma carta em forma de música, uma carta feita em música que ele escreveu em homenagem a Augusto Boal, que vivia no exílio, quando o Brasil ainda estava sob o regime militar. A canção chama-se Meu Caro Amigo e foi dirigida a Boal, que na altura estava exilado em Lisboa. A música foi lançada originalmente em um disco com um título quase idêntico, chamado Meus Caros Amigos, que data de 1976.
Nordestino ja
Ainda aproveitando o filão armado após o regime militar, cantou, ainda que com pequena participação individual, no coro da versão brasileira de We Are the World, sucesso americano que reuniu vozes e arrecadou fundos para USA for Africa. O projeto de criação coletiva sobre o poema de Patativa do Assaré, Nordeste já (1985) em prol da causa da seca nordestina, reunindo 155 vozes em um single com as canções Chega de mágoa e Seca d'água.
genealogia e parentesco
O pai de Francisco Buarque de Hollanda, Sérgio Buarque de Hollanda, é primo-irmão da mãe de Aurélio Buarque de Hollanda Ferreira, Maria Buarque Cavalcanti Accioly Lins, ambos netos de Manuel Buarque de Gusmão Lima. A avó materna de Aurélio Buarque de Hollanda Ferreira, Luísa Buarque de Hollanda Cavalcanti, é irmã do avô paterno de Francisco Buarque de Hollanda, Cristóvão Buarque de Hollanda. Uma genealogia parcial,
Manuel Buarque de Gusmão Lima cc Maria Magdalena Pais de Hollanda Cavalcanti (Pais Barreto)
Luísa Buarque de Hollanda Cavalcanti cc Berino Justiniano Accioly Lins
Maria Buarque Cavalcanti Accioly Lins cc Manuel Hermelindo Ferreira
Aurélio Buarque de Hollanda Ferreira
José Luís Pais Barreto Buarque
Cristóvão Buarque de Hollanda cc Heloísa de Araújo
Sergio Buarque de Hollanda
Francisco Buarque de Hollanda
o "eu" feminino
Chico Buarque, Geraldo Azevedo e Elba Ramalho em uma foto de 1980.
Composições que se destacaram pela decantação de um "eu lírico" feminino, retratando temas do ponto de vista de mulheres com notável poesia e beleza: esse estilo é adaptado em Com Açúcar, com carinho escrito para Nara Leão; continuou nesta linha com belas canções como Olhos nos Olhos e Teresinha, gravadas por Maria Bethânia, Atrás da Porta, interpretada por Elis Regina, e Folhetim, com Gal Costa, Iolanda (versão adaptada de letra original de Pablo Milanés), em dueto com Simone, Anos Dourados - clássico feito em parceria com Tom Jobim para a minissérie homônima e "O Meu Amor" para a peça "Ópera do Malandro" de Marieta Severo, Cristina Branco e Elba Ramalho. também "Palavra de Mulher".
Intérpretes de Chico Buarque
Chico Buarque com o músico Henrique Mann, em meados da década de 1980.
O cantor nunca se recusou a oferecer composições originais para seus amigos cantores. Muitos deles agora têm versões definitivas em outras vozes. Além das já citadas canções do "eu" feminino de Chico, temos o exemplo da atuação de Elis Regina nas canções Atrás da Porta e O cio da terra, com gravações de Milton Nascimento e da dupla rural Pena Branca & Xavantinho. Há também interpretações de Oswaldo Montenegro, que, em 1993, lançou o disco Seu Francisco, com produção de Hermínio Bello de Carvalho, e de Ney Matogrosso, que, em 1996, lançou Um Brasileiro. Nesse mesmo ano, o sambista João Nogueira, em parceria com o maestro Marinho Boffa, gravou o disco "Chico Buarque, Letra & Música", com 14 canções que marcaram a carreira do cantor.
Vale citar também o sucesso em outras composições que fez para cantores populares que não tiveram destaque, como nos casos de Ângela Maria, que gravou Gente Humilde, e de Cauby Peixoto com Bastidores. Entre os artistas que regravaram suas canções em estilo popular, podemos citar Rolando Boldrin, que relançou Minha História, e a banda Engenheiros do Hawaii, que, em 2000, gravou Quando o Carnaval Chegar, no álbum 10 000 Destinos .
Sócios
Desde muito jovem, Chico ganhou reconhecimento da crítica e do público assim que as primeiras obras foram apresentadas. Ao longo de sua carreira, trabalhou como compositor e intérprete de vários dos maiores artistas da MPB como Tom Jobim, Vinícius de Moraes, Toquinho, Milton Nascimento, Ruy Guerra e Caetano Veloso. Os parceiros mais constantes são Francis Hime e Edu Lobo.
trabalho teatral
A cantora, homenageada pela Mangueira, durante o Desfile das Escolas de Samba do Rio de Janeiro em 1998, no Sambódromo da Marquês de Sapucaí.
Em 1965, a pedido de Roberto Freire, diretor do Teatro da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (TUCA), da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP), Chico musicou o poema Morte e Vida Severina de João Cabral de Melo Neto, pela montagem da peça. Desde então, sua presença no teatro brasileiro tem sido constante:
roda viva
A peça Roda viva foi escrita por Chico Buarque no final de 1967 e estreou no Rio de Janeiro, no início de 1968, sob a direção de José Celso Martinez Corrêa, tendo Marieta Severo, Heleno Pests e Antônio Pedro nos papéis principais. A temporada carioca foi um sucesso, mas a obra tornou-se símbolo de resistência ao regime militar durante a temporada da segunda produção, com Marília Pêra e Rodrigo Santiago. Um grupo de cerca de 110 pessoas do Comando Comunista de Caça (CCC) invadiu o Teatro Galpão, em São Paulo, em julho daquele ano, espancou artistas e depredou a cena. No dia seguinte, Chico Buarque estava na plateia para apoiar o grupo e deu-se início a um movimento organizado em defesa do Roda viva e contra a censura nos palcos brasileiros. Chico disse no documentário Bastidores, que pode ter havido um engano, e que a peça que o comando deveria invadir se passava em outro espaço do teatro.
Calabar
Calabar: o Elogio da Traição, foi escrito no final de 1973, em parceria com o cineasta Ruy Guerra e dirigido por Fernando Peixoto. A peça relativiza a posição de Domingos Fernandes Calabar no episódio histórico em que preferiu ficar ao lado dos holandeses contra a coroa portuguesa. Foi uma das produções teatrais mais caras da época, custando cerca de US $ 30.000 e empregando mais de 80 pessoas. Como sempre, a censura do regime militar deve aprovar e divulgar a obra em ensaio especialmente dedicado a isso. Depois que toda a assembléia ficou pronta e a primeira divulgação do texto, esperou-se a aprovação final. Foram três meses de antecipação e, em 20 de outubro de 1974, o General Antônio Bandeira, da Polícia Federal, sem motivo aparente, baniu a peça, baniu o nome "Calabar" e proibiu a proibição de divulgação. O prejuízo para os autores e para o ator Fernando Torres, produtores da montagem, foi enorme. Seis anos depois, uma nova montagem seria lançada, desta vez lançada pela censura.
Pingo D'água
Em 1975, Chico escreveu a peça Gota d'Água com Paulo Pontes, a partir de um projeto de Oduvaldo Viana Filho, que já havia feito uma adaptação de Medeia, de Eurípedes, para a televisão. A tragédia urbana, em forma de poema com mais de quatro mil versos, tem como pano de fundo as agruras sofridas pelos moradores de um conjunto habitacional, a Vila do Meio-dia, e, no centro, a relação entre Joana e Jasão , um popular compositor cooptado pelo poderoso empresário Creon. Jasão acaba deixando Joana e seus dois filhos para se casar com Alma, filha do empresário. A primeira produção teve Bibi Ferreira no papel de Joana e direção de Gianni Ratto. Luiz Linhares foi um dos atores dessa primeira produção.
ópera desonesta
Artigo principal: Ópera do Trickster
O texto da Ópera do Malandro é baseado na Ópera dos Mendigos de John Gay (1728) e na Ópera dos Três Vinténs (1928), de Bertolt Brecht e Kurt Weill. O trabalho partiu da análise destas duas peças conduzida por Luís Antônio Martinez Corrêa e que contou com a colaboração de Maurício Sette, Marieta Severo, Rita Murtinho e Carlos Gregório. A equipe também colaborou na finalização do texto final por meio de leituras, críticas e sugestões. Nesta fase da obra, estão os filmes Ópera de Trespents, de Pabst, e Getúlio Vargas, de Ana Carolina, os estudos do Teatro Bernard Dort e sua realidade, as memórias de Madame Satã, bem como a amizade e o testemunho do Grande Otelo . O professor Manuel Maurício de Albuquerque participou também para uma melhor compreensão dos diferentes momentos históricos em que se passam as três óperas. O professor Werneck Viana posteriormente contribuiu com observações muito esclarecedoras. E Maurício Arraes entrou para o grupo, já em fase de transposição do texto para o palco. A peça é dedicada à memória de Paulo Pontes.
O Grande Circo Místico
Artigo principal: O Grande Circo Místico
Inspirados no poema do modernista Jorge de Lima, Chico e Edu Lobo juntos compuseram a trilha sonora desse espetáculo criado especialmente para o Balé Teatro Guaíra, de Curitiba, que estreou em 17 de março de 1983. Nos dois anos seguintes, eles viajaram pelo país apresentando aquele que foi um dos maiores e mais completos shows já realizados. Um álbum coletivo foi lançado pela Som Livre para gravar a obra, com interpretações de grandes nomes da MPB.
Djavan Caetano Viana (Maceió, 27 de janeiro de 1949) é um cantor, compositor, arranjador, produtor musical, empresário e violonista brasileiro.
Djavan mistura vários estilos, incluindo jazz, blues, samba e flamenco. Entre suas canções mais conhecidas, destacam-se: "Sina", "Flor de Lis", "Lilás", "Pétala", "Se…", "Nem Um Dia", "Eu Te Devoro", "Oceano", "Açaí "," Samurai "e" Meu Bem Querer ".
Biografia
1949-1973: o começo
Djavan é filho de mãe negra chamada Virginia e pai branco que trabalhava como vendedor ambulante. Sua mãe, lavadeira, cantava canções de Ângela Maria, Dalva de Oliveira e Orlando Silva. [1] Djavan falhou por pouco se tornar um jogador de futebol. Entre 11 e 12 anos, dividia seu tempo e sua paixão entre jogar bola nas várzeas de Maceió e o equipamento de som quadrifônico da casa do Dr. Ismar Gatto, pai de um amigo da escola. De sua primeira paixão, surgiu como meio-campista do time juvenil do CSA (Maceió), onde poderia até ter seguido a carreira profissional. Aos 23 anos, chegou ao Rio de Janeiro para tentar a sorte no mercado musical. Trabalhou como crooner em clubes famosos como Number One e 706. Com a ajuda de Edson Mauro, radialista e conterrâneo, conheceu João Araújo, presidente da Som Livre, que o leva à TV Globo. Passa a cantar trilhas sonoras de novelas, para as quais grava canções de compositores consagrados como "Alegre Menina" (Dori Caymmi, com letra de Jorge Amado), da novela Gabriela, "Qual é" (Marcos Valle e Paulo Sérgio Valle), do romance Os Ossos do Barão (1973), e "Calmaria e Vendaval" (Toquinho e Vinícius de Moraes).
1975-1976: "Fato famoso"
Em três anos, nas horas vagas ao microfone, compôs mais de 60 canções, de diversos gêneros; com um deles, "Fato Consumado", ficou em segundo lugar no Festival Abertura de 1975, idealizado pela Rede Globo, e chegou ao estúdio da Som Livre. Lá gravou o seu primeiro disco, com produção de Aloysio de Oliveira, mítico produtor de Carmen Miranda e Tom Jobim. '' A voz, o violão, a música de Djavan '' de 1976 é um disco de samba abalado, sincopado e diferente de tudo que se fazia na época. Visto hoje, este trabalho não marca apenas a estreia de Djavan. Isso o torna uma figura incontornável na história da música brasileira. Seu primeiro álbum trouxe o “carro-chefe”: “Flor de Lis” que se torna um grande sucesso nas rádios. Além do sucesso '' Fato Consumado '", o álbum traz outras composições que ganharam reconhecimento entre críticos e fãs como:" Maria das Mercedes "," Embola Bola "e" Para-Raio "
1977-1979: "Rosto Indiano"
Depois de algum tempo, tocou solo por três meses na boate 706, depois deixou a Som Livre e ingressou na Odeon. Djavan gravou seu segundo álbum, intitulado Djavan, lançado em 1978, que viria a ser intitulado "Cara de Índio" (nome da primeira faixa do álbum). Empolgada com seu novo artista, a EMI-Odeon investe pesadamente no álbum. Com uma orquestra dos melhores músicos da praça em 1978, Djavan, marcado pela descoberta das grandes canções de amor e desamor, consagra-o como compositor completo.
Além de "Cara de Índio" que retrata a cultura e visão social dos índios brasileiros, o disco traz a música "Álibi" que ao mesmo tempo seria gravada por Maria Bethânia, tornando-se um grande sucesso no país, que foi o faixa -título do álbum de maior sucesso da cantora, Álibi (primeiro álbum de uma intérprete na história da música brasileira cujas vendas ultrapassaram 1 milhão de cópias). Outras canções do mesmo álbum também foram regravadas: "Dupla Traição", de Nana Caymmi, e "Samba Dobrado", de Elis Regina no Festival de Jazz de Montreux. [1] [4] Djavan também grava um videoclipe da música "Serrado" para o programa Fantástico da Rede Globo e, mesmo não estando mais na Som Livre, faz mais um hit para o artista. Entre outras canções importantes do álbum está "Nereci", aparecendo em várias coleções internacionais, sendo classificada principalmente como uma "canção dançante".
1980: "My Well Wanted"
Dois anos depois, em 1980, Djavan lança o álbum Alumbramento e mostra que, além de completo, dialoga bem com seus pares. O álbum abre parcerias com Aldir Blanc, Cacaso (em "Triste Baía de Guanabara") e Chico Buarque (em "A Rosa"), agora definitivamente os primeiros companheiros da MPB. A essa altura, talento reconhecido pela crítica e pelo público, Djavan vê algumas de suas canções ganharem outras vozes: Maria Bethânia grava "Álibi"; Roberto Carlos grava “A Ilha”; Gal Costa grava “Açaí” e “Faltando um Pedaço”; e Caetano Veloso, em homenagem ao verbo "caetanear", substitui-o por "djavanear" em sua versão de "Sina". A música "Meu Bem Querer" foi trilha sonora de três novelas da Rede Globo: Coração Alado, com tema da personagem Vívian, interpretada por Vera Fischer, A Indomada, na versão original e foi também tema de abertura da novela ópera Meu Bem Querer, em nova versão. A música se tornou um dos maiores sucessos da carreira da cantora.
1981: seduzir
Em 1981 e 1982, Djavan recebeu o prêmio de melhor compositor pela Associação Paulista dos Críticas de Arte. O ciclo vitorioso de lançamentos da EMI-Odeon terminou em 1981 com o álbum Seduzir. Um registro de afirmação, como o próprio Djavan escreveria em seu livreto: “O pouco que aprendi está aqui. Cheio. Dos dedos dos pés à cabeça ''. Depois de uma viagem de Djavan à cidade de Luanda, Angola, acompanhado por Marieta Severo, Chico Buarque, Zezé Motta, Gonzaguinha, Paulinho Nogueira e Walter Franco, as primeiras canções sobre África e o início das digressões pelo Brasil, guiadas pela produtora, aparecem Monique Gardenberg e o diretor Paulinho Albuquerque. O álbum Seduzir foi avaliado por todas as músicas com maior pontuação, onde o crítico Alex Henderson compara as composições e estilo musical de Djavan aos dos Beatles e Stevie Wonder, além de citar faixas como "Sedutor", "Morena de Endoidecer", "Jogral "tão significativo. "e" Faltando um Pedaço ". Outro legado do Seduzir foi a primeira banda, denominada Sururu de Capote, composta por Luiz Avellar no piano, Sizão Machado no baixo, Téo Lima como baterista e Zé Nogueira nos sopros.
1982-1983: Leve e reconhecimento internacional
Em 1982, "Flor-de-lis", sucesso instantâneo do álbum inaugural, tornou-se o primeiro hit de Djavan no disputado mercado norte-americano, dublado pela diva Carmen McRae, com o título "Upside Down". Chega o convite da gravadora CBS, futura Sony Music, e Djavan parte para Los Angeles para gravar, sob a produção de Ronnie Foster, um dos principais nomes da soul music norte-americana, o álbum Luz, que conta com a participação de Stevie Wonder na canção "Samurai", além de outros grandes sucessos que se eternizariam como "Sina", "Pétala", "Açaí", "Capim". O trabalho resulta em uma mistura da musicalidade brasileira típica da exportação com a influência do jazz americano.
Em 1983, participou do sucesso "Superfantástico", do grupo infantil Turma do Balão Mágico de grande sucesso.
1984-1990: Lilás, meu lado, não é azul, mas é mar e oceano
Em 1984, em Los Angeles, Djavan gravou também o segundo álbum Lilás, com a faixa-título de mesmo nome, que foi tocado mais de 1.300 vezes em rádios brasileiras no dia de sua estreia. O álbum ainda produz outro grande sucesso para as rádios: "Corners".
Em 1985, é lançada nos EUA uma compilação dos discos Luz e Lilás.
Seguem-se dois anos de viagens ao redor do mundo. Ainda nessa época, Djavan se dedicou à carreira de ator, no filme Para Viver um Grande Amor, de Miguel Faria Jr., no qual Djavan interpreta um mendigo apaixonado que se encanta pela garota rica, interpretada por Patrícia Pillar.
Por volta de 1983-1984 correram rumores de um caso extraconjugal, em que Djavan teria se envolvido com a atriz Glória Pires, fato desmentido pelo próprio cantor em entrevista à revista Playboy, tendo afirmado à revista "(Glória Pires) Teve esse encantamento pra mim ... Mas a gente não namorou, não. " Na mesma publicação, Djavan afirmava que sua relação extraconjugal envolveu a atriz Patricia Pillar, com quem se relacionou por onze meses, a partir da gravação do filme Para Viver um Grande Amor, no qual coestrelaram, Djavan se separou de Aparecida, sua esposa, mas não teve mais contato com Patrícia.
Em 1986, ele voltou a gravar no Brasil. Meu lado, além de retornar, é também um novo começo. Uma volta ao samba, já com um estilo musical identificado pelo público, mas também um passeio de baões, canções e baladas. Este é o Djavan em dez anos de carreira: explorador de sons, palavras, imagens inusitadas, variedade rítmica, games com tempos, melodias atípicas e riqueza harmônica. Presente em outras canções, a ancestralidade africana está impressa no Meulado, com o “Hino da Juventude Negra da África do Sul” e ainda com mais vigor em “Soweto”, a sua primeira canção de protesto eficaz, canção que abre Não é azul, mas é mar (1987), gravado novamente em Los Angeles e lançado como Bird of Paradise, com canções em inglês de Djavan: "Stephe's Kingdom" (com participação de Stevie Wonder), "Bird of Paradise" e "Miss Sussana".
O disco seguinte, Djavan (1989), é lembrado como "o de" Oceano ", o clássico, uma daquelas raras canções perfeitas em forma, conteúdo, música e letra. A faixa-título, incluída na trilha sonora da novela Top Model torna-se um dos maiores sucessos do compositor.O álbum traz ainda outros sucessos como "Cigano", "Avião" e "Mal de Mim", que integra a minissérie O Sorriso do Lagarto, da TV Globo. , Oceano também foi lançado no exterior em 1990, com o título Puzzle of Hearts, contendo versões em inglês das faixas "Avião" ("Being Cool"), "Oceano" ("Puzzle of Hearts") e "Curumim" ("Amazon Farewell" ").
1990: diversificação de estilos em Coisa de Acender, Novena, Malásia e Bicho Solto
Djavan inicia os anos 90 com o aclamado álbum Coisa de Acender. Lançado em 1992, é um dos álbuns mais criativos e diversificados do cantor, onde se nota uma grande influência de estilos como jazz, soul, blues e funk americano, aliados ao estilo inconfundível das suas composições. As faixas "Linha do Equador" (parceria entre Djavan e Caetano Veloso), "Se", "Boa Noite", "Alivio", "Outono" e "A Rota do Indivíduo", uma balada densa e introspectiva merecem a ser destacado. , com uma melodia complexa e muito elaborada. Na fusão de ritmos e harmonias inovadoras de Coisa de Acender, voltam parcerias, entre elas, com a filha Flávia Virginia, nos vocais em várias faixas.
Aos 45 anos de vida e 20 de carreira, em 1994, Djavan lançou Novena, uma obra que marca sua maturidade. Totalmente composto, produzido e arranjado por ele, o álbum consolida o trabalho com sua banda, composta então por Paulo Calazans nos teclados, Marcelo Mariano ou Arthur Maia no baixo, Carlos Bala na bateria e Marcelo Martins nos instrumentos de sopro.
Com Malaysia (1996), a banda se expande e ganha participação na seção de metais: Marçalzinho na percussão, Walmir Gil no trompete e François Lima no trombone. O disco traz três faixas de outros compositores: “Coração Leviano”, de Paulinho da Viola, “Sorri”, a versão de Braguinha para “Smile”, de Chaplin e “Correnteza”, de Tom Jobim e Luiz Bonfá. No álbum, Djavan é reflexivo e melódico. Desse álbum, duas canções, Correnteza e Nem Um Dia, integraram, respectivamente, as trilhas sonoras das novelas de sucesso O Rei do Gado e Por Amor. O álbum Bicho Solto (1998), dois anos depois, já traz o artista festivo e dançante, acendendo faixas ao ritmo do funk.
Ambas as obras comemoram sua 20ª carreira, a primeira com seu estilo pessoal, a segunda com o rejuvenescimento do artista. Entre as parcerias, a entrada definitiva do guitarrista Max Viana, seu filho, na banda. A marca de dois milhões de cópias vendidas fica a cargo da dupla Ao Vivo (1999). Gravado pela primeira vez fora dos estúdios, o álbum traz quase uma antologia de sua obra, com 24 faixas, 22 grandes sucessos. O lançamento leva Djavan em uma turnê de três anos.
Anos 2000: milagroso, vaidade, na trilha, etc. e tons
A canção "Accelerated" foi eleita a melhor canção brasileira de 2000 no Grammy Latino. [10] Em 2000, Djavan recebeu o Prêmio Multishow de melhor cantor, melhor show e melhor CD. Milagreiro, de 2001, é um duplo regresso a casa. O primeiro foi gravado inteiramente em seu home studio, com a ajuda dos filhos Max e João Viana e Flávia Virginia, e um retorno à casa original, Alagoas, com a onipresente temática nordestina. Em 2004, o músico celebra a independência total, com a criação da sua própria editora, Luanda Records, que lançaria os seus dois álbuns seguintes, Vanidade (2004) e Na Pista, etc. (2005), um disco com as suas canções remixadas para dançar e Matizes, (2007). É o surgimento do empresário Djavan Caetano Viana.
Anos 2010: Ária, Rua dos Amores e Vidas pra Contar
Djavan durante show em 2011
Em 2010, Aria é a primeira em que Djavan exerce exclusivamente a arte de interpretar canções de outros compositores. Sempre rigoroso na condução de sua carreira, ele aguardou o auge da maturidade vocal para focar em um repertório escolhido entre sua memória afetiva e suas antenas sempre ligadas ao que é musical e interessante.
Em 2012 lançou a Rua dos Amores. Depois de quatro anos sem compor deliberadamente nada - além do intenso envolvimento com Aria - Djavan nos apresenta este novo álbum. Passeando por ritmos e sons brasileiros como quem cruza a rua onde nasceu, cresceu e cresceu, o autor assina as letras e melodias das 13 novas canções, fez todos os arranjos e é o produtor do CD. A Rua dos Amores é um disco de canções de amor, ponto final. E canções tão diversas quanto possível, em forma e conteúdo. Ouvi-los é caminhar por essa diversidade, sem nunca perder um estilo único. A música "Vive", em parceria com Maria Bethânia, é o tema da novela Salve Jorge.
Em 2014, foi lançado o CD e DVD Rua dos Amores Ao Vivo. Inclui sucessos da cantora, além da nova música "Maledeto".
Em 2015 Djavan recebe um Grammy Latino pelo conjunto de sua obra. Em 2016, foi indicado ao Grammy Latino de Gravação do Ano e ao Grammy Latino de Melhor Canção em Língua Portuguesa pela canção "Vidas Pra Contar"; o álbum da faixa homônima também foi indicado ao Grammy Latino de Álbum do Ano e ao Grammy Latino de Melhor Álbum com Música.
Em 2018, ganhou um álbum tributo em ritmo reggae intitulado Jah-Van - Djavan goes Jamaica produzido por BiD e Fernando Nunes. No mesmo ano, seu álbum Vesúvio foi eleito o 35º melhor álbum brasileiro de 2018 pela revista Rolling Stone Brasil.
ancestralidade
Em 2007, ele foi submetido a um teste de DNA para verificar sua ancestralidade. Os resultados do teste de Djavan - ancestral materno africano e paterno europeu revelam um padrão da população brasileira, que nasceu da mistura de colonizadores portugueses com índios nativos e com africanos trazidos de volta como escravos.
O teste que examinou a ancestralidade materna da cantora revelou um conjunto de sequências genéticas (haplogrupo) predominantemente encontrado na África Ocidental e atinge frequências máximas (17%) no Senegal.
O teste que traçou a linhagem paterna identificou um haplogrupo "tipicamente europeu e mais característico dos países do norte"
Caetano Emanoel Viana Teles Veloso OMC (Santo Amaro, 7 de agosto de 1942) é músico, produtor, arranjador e escritor brasileiro. Com uma carreira de mais de cinco décadas, Caetano construiu uma obra musical marcada pela releitura e renovação e amplamente considerada de grande valor intelectual e poético. Embora desde muito jovem tenha aprendido a tocar violão em Salvador, escreveu resenhas de cinema para o Diário de Notícias nas décadas de 1960 e 1962, e conheceu o trabalho de cantores de rádio e músicos da bossa nova (notadamente João Gilberto, seu "mestre supremo" e com quem dividiria o palco anos depois), Caetano começou a trabalhar profissionalmente apenas em 1965, com o single "Cavaleiro / Samba em Paz", enquanto acompanhava a irmã mais nova, Maria Bethânia, nas apresentações nacionais do espetáculo Opinião, no Rio de Janeiro.
Nessa década conheceu Gilberto Gil, Gal Costa e Tom Zé, participou de festivais de música popular da Rede Record e compôs trilhas para cinema. Em 1967, saiu seu primeiro LP, Domingo, com Gal Costa, e, no ano seguinte, liderou o movimento Tropicalismo, que renovou a cena musical brasileira e as formas de se fazer e criar música no Brasil, por meio do álbum Tropicália ou Panis et Circencis, ao lado de vários músicos. Em 1968, devido ao endurecimento do regime militar no Brasil, compôs o hino "É Proibido Proibir", que foi desclassificado e amplamente vaiado durante o III Festival Internacional da Canção. Em 1969, foi preso pelo regime militar e partiu para o exílio político em Londres, onde lançou o álbum Caetano Veloso (1971), álbum com tema melancólico e canções escritas em inglês e dirigidas aos que permaneceram no Brasil. O álbum Transa (1972) representou sua volta ao país e sua experiência com os compassos de reggae. Em 1976, juntou-se a Gal Costa, Gilberto Gil e Maria Bethânia para formar o Doces Bárbaros, grupo influenciado pela temática hippie dos anos 1970, lançando o álbum Doces Bárbaros e saindo em turnê. Nos anos 1980, mais sóbrio, patrocinou e se inspirou em grupos de rock brasileiros, aventurou-se nas produções dos discos Other Words, Colors, Nomes, Uns e Velô e, em 1986, participou de um programa de televisão com Chico Buarque. Na década de 1990 escreveu o livro Verdade Tropical (1997) e o álbum Livro (1998). Ele ganhou o prêmio Grammy de 2000 na categoria World Music. Com o álbum A Foreign Sound, cantou clássicos norte-americanos. Em 2006, lançou o álbum Cê, fruto de sua experimentação com o rock e o underground. Unindo esses gêneros ao samba, Zii e Zie, de 2009, mantiveram a parceria com a Banda Cê, que terminou com o álbum Abraçaço, de 2012.
Caetano Veloso é considerado um dos artistas brasileiros mais influentes desde a década de 1960, já tendo sido chamado de "aedo pós-moderno". Em 2004, foi considerado um dos músicos latino-americanos mais respeitados e produtivos do mundo, tendo lançado mais de cinquenta álbuns e músicas em trilhas sonoras de filmes como Hable con Ella, de Pedro Almodovar e Frida, de Julie Taymor. Ao longo de sua carreira, ele também se tornou uma das personalidades mais polêmicas do Brasil. É uma das figuras mais importantes da música popular brasileira e internacionalmente considerado um dos melhores compositores do século 20, sendo comparado a nomes como Bob Dylan, Bob Marley, John Lennon e Paul McCartney. Foi eleito pela revista Rolling Stone como o 4º maior artista da música brasileira de todos os tempos pelo corpo da obra [8] e pela mesma revista o 8º maior cantor brasileiro de todos os tempos
Biografia
Vida pessoal
Caetano junto com seus filhos
Caetano Veloso nasceu em 7 de agosto de 1942 em Santo Amaro, Bahia, como o quinto dos sete filhos de José Teles Velloso (1901-1983), "Seu Zezinho", funcionário público dos Correios e Telégrafos do Brasil, e de Claudionor Viana Teles Velloso, mais conhecida como "Dona Canô" (1907-2012), casou-se em 7 de janeiro de 1931. Tem ascendência indígena, mais precisamente da etnia Pataxó, de bisavó paterna, negra afro-brasileira e portuguesa, de parte do pai.
Desde muito jovem demonstrou grande interesse pela arte e pela pintura. Em 1946, nasceu sua irmã mais nova. Veloso foi fundamental na escolha do seu nome: o menino de quatro anos que amava a música brasileira, inspirado na valsa "Maria Bethânia" do compositor Capiba e na voz de sucesso do cantor Nélson Gonçalves, escolheu o nome da irmã, Maria Bethânia. Ambos veriam sua trajetória artística se cruzar em momentos distintos e foram os dois filhos de Dona Canô os que mais se destacaram no cenário nacional.
Dois eventos principais o levaram a optar pela música. Aos dezesseis anos teve uma repercussão que mudou definitivamente seus planos de trabalhar no cinema: ouviu a música "Chega de Saudade" em um programa da Rádio Mayrink Veiga, dublado por Marisa Gata Mansa, e soube do disco homônimo de João de 1959 . Gilberto. "Foi o marco mais claro que uma música já deixou na minha vida", ele se lembraria anos depois. As maiores influências musicais dessa época foram alguns cantores em voga na época, como o "o rei do baião" Luiz Gonzaga, e canções de maior apelo regional, como os sambas de roda e o candomblé. Em 1956, frequentou o auditório da Rádio Nacional, na cidade do Rio de Janeiro, que contou com apresentações dos maiores ídolos da música brasileira. [Carece de fontes?] Caetano Veloso teve vários relacionamentos, sendo a mais polêmica Paula Lavigne, com quem teve a primeira relação sexual, ela tinha treze anos e Caetano Veloso tinha quarenta anos. Paula Lavigne, divulgou o facto em várias revistas nos anos noventa, tendo mesmo admitido que manteve esta relação ao longo da sua adolescência.
trajetória artística
Começou sua carreira interpretando canções da bossa nova, sob a influência de João Gilberto, um dos ícones e fundadores desse tipo de música. Ele colaborou com o início de um estilo musical que ficou conhecido como MPB (música popular brasileira), deslocando a melodia pop para o ativismo político e a consciência social. O nome foi então associado ao movimento hippie do final dos anos 1960 e às canções do movimento Tropicália. Trabalhou como crítico de cinema do jornal Diário de Notícias, dirigido pelo diretor e conterrâneo Glauber Rocha. A obra adquiriu um contorno fortemente engajado e intelectualista, o artista se consolidou, sendo respeitado e ouvido pela mídia e crítica especializada.
Na juventude participou de espetáculos semi-amadores ao lado de Tom Zé, irmã Maria Bethânia e o parceiro Gilberto Gil, integrando o elenco de "Nós, por exemplo", "Mora na Filosofia" e "Nova bossa Velha, Velha Bossa Nova" em 1964 A primeira obra musical foi a trilha sonora da peça teatral Boca de Ouro, do escritor Nelson Rodrigues, da qual Bethânia participou em 1963, e também compôs a trilha sonora da peça "Uma exceção e regra", do dramaturgo alemão Bertolt Brecht, dirigido por Álvaro Guimarães, ao mesmo tempo em que ingressou na Faculdade de Filosofia da Universidade Federal da Bahia.
Início da carreira musical
Caetano Veloso no III Festival de Música Popular, 1967. Arquivo Nacional.
Foi lançado no cenário musical nacional pela irmã, a já consagrada cantora Maria Bethânia, que gravou uma música própria no primeiro disco, "Sol negro", em dueto com Gal Costa (foram as duas cantoras que gravaram o maioria das canções de sua própria autoria). Em 1965 lança o seu primeiro single, com as canções "Cavaleiro" e "Samba em Paz", ambas da RCA, que mais tarde se tornou BMG (posteriormente adquirida pela Sony Music), participando também no musical "Arena canta Bahia" ( ao lado de Gal, Gil, Bethânia e Tom Zé), direção de Augusto Boal e apresentação no TBC (São Paulo). Teve músicas incluídas na trilha sonora do curta "Viramundo", dirigido por Geraldo Sarno.
O primeiro LP gravado, em parceria com Gal Costa, foi Domingo (1967), produzido por Dori Caymmi, lançado pelo selo Philips, que mais tarde se tornou Polygram (atual Universal Music), que lançaria quase todos os seus discos. "Domingo" tinha um som totalmente bossa-novista e a ela pertence o primeiro hit popular de sua carreira, a canção "Coração vagabundo". Apesar de não ter sido um sucesso retumbante, garantiu um bom reconhecimento à dupla e foi amplamente aclamada pela indústria musical da época, como Elis Regina, Wanda Sá, o próprio Dori Caymmi e Edu Lobo, marcando sua estreia neste selo. a convite do então diretor artístico João Araújo. A música "Um dia", do repertório deste álbum, recebeu o prêmio de melhor letra no II Festival de Música Popular Brasileira da TV Record.
Tropicalismo
Artigo principal: Tropicalismo
Nesse mesmo ano, lançou seu primeiro LP individual, Caetano Veloso, com canções como "No dia que vi-me-me", "Tropicália", "Soy loco por ti América", "Superbacana" e a canção Alegria, Alegria - também lançado em single - que, ao som das guitarras do grupo argentino Beat Boys, enlouqueceu o terceiro Festival de Música Popular Brasileira (TV Record, outubro de 1967), ao lado de Gilberto Gil, que interpretou Domingo no Parque, classificados respectivamente em quarto e segundo lugar. Foi o início do Tropicalismo, movimento que representou uma grande efervescência na música popular brasileira.
Esse marco foi alcançado com o lançamento do álbum Tropicalia ou Panis et Circencis (julho de 1968), álbum coletivo que contou com a participação de outros nomes consagrados do movimento, como Nara Leão, Os Mutantes, Torquato Neto, Rogério Duprat, Capinam , Tom Zé, Gilberto Gil e Gal Costa. A este contexto foi associada a sua canção "É Proibido Proibir" (o mesmo compacto que incluía a canção Torno a repeat, domínio público), o que originou um dos muitos episódios antológicos da fase eliminatória do 3º Festival Internacional da Canção (TV Globo ), no Teatro da Universidade Católica (São Paulo, 15 de setembro de 1968). Vestido com roupas de plástico, acompanhado pelos violões distorcidos de Os Mutantes, de repente ele lança um discurso histórico contra o público e o júri. "Você não entende nada!" ele gritou. A música foi desqualificada, mas também foi lançada como single. Em novembro, Gal defendeu sua música "Divino maravilhoso", em parceria com Gil, no mesmo musical em que participou defendendo a música "Queremos Guerra" (de Jorge Benjor). Caetano lançou um single duplo que continha a gravação do samba "A voz do morte" que foi censurado, portanto o LP foi recolhido em lojas.
O ímpeto tropicalista logo se sintonizou com a criação artística que fervilhava em outras línguas. “Eu tinha escrito 'Tropicália' há pouco tempo quando estreou O Rei da Vela [texto de Oswald de Andrade, encenado por José Celso Martinez Corrêa]. Assistir a essa peça representou para mim a revelação de que realmente havia um movimento acontecendo no Brasil. Um movimento que transcendeu o âmbito da música popular ”, lembra a artista.
Naturalmente, o movimento logo abrangeria também a esfera do comportamento. Caetano Veloso e Jorge Mautner foram os primeiros andróginos da música popular brasileira. Em seu primeiro show de volta ao Brasil, em 1972, Caetano enfrentou o público com brincos de argola, tamanco, batom e tomara que caia. Caetano Veloso foi a grande referência do artista Ney Matogrosso - que mais tarde estrearia no grupo Secos & Molhados.
Regime militar
Desde o início de sua carreira, Veloso sempre mostrou uma posição política desafiadora, sendo até confundido como militante de esquerda, ganhando assim a inimizade do regime militar instituído no Brasil em 1964 e cujos governos duraram até 1985. Por isso, as canções foram frequentemente censurados neste período, e alguns até banidos. Em 27 de dezembro de 1968, Veloso e seu companheiro Gilberto Gil foram presos, acusados de terem desrespeitado o hino nacional e a bandeira brasileira. Eles foram levados ao quartel do exército do marechal Deodoro, no Rio, e tiveram a cabeça raspada.
Ambos foram soltos em 19 de fevereiro de 1969, quarta-feira de cinzas, e foram para Salvador, onde tiveram que permanecer em confinamento, sem comparecer ou dar declarações em público. Em julho de 1969, após dois shows de despedida no Teatro Castro Alves, nos dias 20 e 21, Caetano e Gil partiram com as esposas, respectivamente as irmãs Dedé e Sandra Gadelha, para o exílio na Inglaterra. O show, precariamente gravado, virou disco "Barra 69", três anos depois.
Antes de partir para o exílio, em abril e maio de 1969, Caetano gravou as bases de vocal e violão de seu próximo disco, "Caetano Veloso", que foi enviado para São Paulo, onde o maestro Rogério Duprat faria os arranjos e dirigiria as gravações do disco. , lançado em agosto - um dos únicos que não traz uma foto sua na capa. No repertório, os destaques são as canções "Atrás do trioelétrica" (lançada em novembro em single com "Torno a repeat"), "Irene" feita na prisão em homenagem à irmã, o grande sucesso "Marinheiro Só", e regravações de "Carolina", de Chico Buarque (regravada muitos anos depois no CD Prenda Minha), e do tango argentino "Cambalache".
A música "Nonidentified", do mesmo álbum, foi lançada em novembro em compacto compacto, ao lado de "Charles Anjo 45", de Jorge Ben, em dueto consigo mesmo. Além disso, trabalhou também como produtor musical, com João Gilberto ("João voz e violão"), Jorge Mautner ("Antimaldito"), Gal Costa ("Cantores", cujo show daí nasceu também foi dirigido por ele) e irmã Maria Bethânia ("Drama - Anjo Exterminado", com a faixa-título da autora), trazendo também inúmeras canções gravadas por outros intérpretes.
Década de 1970
Caetano no início dos anos 1970 em São Paulo
A maior parte das canções do álbum Caetano Veloso, gravado em Londres pela Famosa gravadora Paramount Records, era cantada em inglês, e o Transa misturava português e inglês nas canções, ambas de 1971. Um desses sucessos, London London, foi eventualmente regravada pelo grupo RPM quinze anos depois, colocando novamente a música nas paradas, e a regravação de Asa Branca (da dupla Luiz Gonzaga e Humberto Teixeira).
“Transa”, com uma capa inusitada em forma de objeto tridimensional, destacando a regravação dos samba “Mora na Filosofia” (da dupla Monsueto e Arnaldo Passos) e “Triste Bahia” (feita sob a inspiração de um trecho de soneto do sertanejo, o poeta barroco Gregório de Matos). "Transa" também deu início a uma trilogia marcada pelo experimentalismo. O segundo trabalho nesse caminho foi o polêmico "Araçá Azul" (1973), que surpreendeu pelo seu perfil anticomercial, com grande número de devoluções, foi retirado do catálogo e relançado apenas em 1987.
No final de 1971, lança também o single duplo "O Carnaval de Caetano", com destaque para a canção "Chuva, suor e Cerveja", que faz grande sucesso no ano seguinte. Na época, lançou outros singles para o carnaval: "Piaba", "Um frevo novo", "Filha de Chiquita Bacana", "Massa Real" e "Deus e o diabo".
O último trabalho da trilogia foi "Joia" (1975), lançado juntamente com "Anything". A capa original da primeira foi censurada por mostrar um autorretrato, a então esposa e filho nus - em desenho de sua autoria, cuja capa só seria reconstruída dezesseis anos depois, quando fosse relançada em CD. A capa de "Anything" foi uma paráfrase do álbum Let It Be, do grupo inglês The Beatles, a quem prestou homenagem justamente nesses dois álbuns, com as canções Lady Madonna, Eleanor Rigby e For No One ("Anything") e Ajuda ("Gem").
Em janeiro de 1972, Caetano Veloso voltou definitivamente ao Brasil, após ter visitado o país em agosto de 1971, onde participou de um encontro histórico, ao lado de João Gilberto e Gal Costa, realizado pela extinta TV Tupi. Ao lado desta uma das maiores influências, participou em 1981 do álbum "Brasil", de seu mestre João Gilberto. O álbum, que também contou com a presença de Gil e Bethânia, foi lançado pela gravadora WEA, paralelamente à estreia da peça "O percevejo", do poeta russo Vladimir Maiakóvski, com a participação da atriz Dedé Veloso, e alguns poemas musicados pelo próprio Caetano. Um deles, "O amor", se tornaria um hit na voz de Gal.
Em 1974, juntamente com Gil e Gal, lança o disco "Temporada de Verão", gravado no Teatro Castro Alves, em Salvador, com destaque para a regravação de "Felicidade", de Lupicínio Rodrigues, e o inédito "De noite na cama "(que mais tarde seria regravada por Marisa Monte e Erasmo Carlos, novamente com sucesso) e" O conteúdo ", ambas de sua autoria.
Em 1973, se apresentou no evento "Phono 73", série de shows promovidos pela gravadora Philips com todo o seu elenco, no Anhembi, em São Paulo, onde cantou a música "Eu vai tira voce deste lugar", do considerado ícone brega Odair José. Single single com musicalizações para "Dias dias dias" (com referência a "Volta", de Lupicínio Rodrigues) e "Pulsar" (Augusto de Campos) foi incluído em "Black Box" ("Edições Invenção"), obra de o poeta em parceria com Júlio Plaza; quatro anos depois, saiu também com o livro “Viva vaia”, que viria a ser publicado pela Augusto. Participou de show com Gilberto Gil na Nigéria (1977), onde passaram cerca de um mês. Em abril foi publicado o livro “Alegria alegre”, da editora Pedra q ronca, com uma série de artigos, manifestos e poemas de Caetano, além de entrevistas com ele, realizadas pelo conterrâneo, amigo e poeta Waly Salomão. Em 1977 vieram dois álbuns: "Muitos carnavais", com canções destinadas ao carnaval, feitas a partir de gravações de canções previamente lançadas em compactos, e "Bicho", que simulava uma incursão na discoteca, gênero bastante popular na época, com destaque para a música Tigresa, sucesso na voz de Gal Costa, que foi composta em homenagem à atriz Sônia Braga (para quem também escreveu "Trem das cores", do álbum "Cores e nome", lançado em 1982). Em 1978, lançou o criticado "Much", que deu início a uma parceria com o grupo "A Outra Banda da Terra" (terminando em "Uns", lançado em 1983 com a participação especial de Marina Lima, Antônio Cícero, baterista do escola de samba GRES União da Ilha do Governador e irmã Maria Bethânia na música "É Hoje") e foi um fracasso comercial - vendeu cerca de 30 mil exemplares, com destaque para as músicas "Terra", uma homenagem à Bahia, mas também ao Planeta Terra, e "Sampa", escrita em homenagem à cidade de São Paulo, além de uma homenagem ao jogador e ex-ministro do Esporte Pelé (Love love love) e a regravação de um hit da bossa nova, Eu Sabeo I will te amar, (de autoria da dupla Tom Jobim e Vinícius de Moraes).
Nesse mesmo ano, lançou "Maria Bethânia e Caetano Veloso - ao vivo", que foi inicialmente concebido apenas em sua cidade natal para arrecadar fundos para a restauração da catedral local, mas acabou sendo levado para várias cidades brasileiras. No ano seguinte, lança no repertório o aclamado "Cinema Transcendental", cujo título foi retirado da música "Trilhos Urbanas". Alcançando cerca de 100 mil exemplares, trouxe canções antológicas próprias, como "Menino do Rio" (sucesso na voz de Baby Consuelo, atual Baby do Brasil), "Lua de São Jorge", "Beleza pura" (que se tornou a grande hit do LP), e "Cajuína" ', e uma exaltação à religiosidade com "Oração ao tempo".
Em 1979, se apresentou em um festival da TV Tupi, defendendo a canção "Dona culpa ficou solteiro", de Jorge Ben, onde foi vaiado e desclassificado.
Os anos 1970 foram muito importantes para a carreira de Caetano e para toda a música popular brasileira. Entre as canções mais representativas de Caetano dessa época encontram-se, entre outras: "Crazy for you", "Cá-já", "A Tua presense morena", "Epic", "É um longo caminho", "Um índio", "Oração ao tempo", "Um pouco mais azul", "Nove em dez", "Maria Bethânia", "Júlia / Moreno", "Minha Mulher", "Tigresa", "Cajuína", "Não me conhece "e" Londres Londres ".
doces bárbaros
Junto com seus colegas Gilberto Gil e Gal Costa, lançou o álbum Doces Bárbaros, do grupo homônimo e criado por sua irmã Maria Bethânia, que era uma das vocais da banda. O disco é considerado uma obra-prima; no entanto, curiosamente, na época de seu lançamento (1976), foi fortemente criticado. Ao longo dos anos, o mote "Doces Bárbaros" foi tema de filme dirigido por Jom Tob Azulay, DVD e enredo da escola de samba GRES Estação Primeira de Mangueira em 1994, com a música "Atrás da verde-e-rosa vai que Já morreram ”(paráfrase do verso de“ Atrás do trioelétrica ”, gravado em 1969), manipuladores do Trio Elétrico no Carnaval de Salvador, se apresentavam na praia de Copacabana e em performance para a então Rainha da Inglaterra, Elizabeth II. O quarteto Doces Bárbaros foi uma típica banda hippie dos anos 1970.
Inicialmente, o álbum seria gravado em estúdio, mas por sugestão de Gal e Bethânia, foi o show que ficou gravado em disco, com quatro dessas canções gravadas pouco antes no compacto de estúdio duplo, com as canções "Esotérico" , "Chuckberry Fields Forever", "São João Xangô Menino" e "O seu Amor", todas gravações raras.
Década de 1980
Na década de 1980, a popularidade cresceu no exterior, principalmente em Israel, Portugal, França e África. Liderou, em 1986, ao lado de outro dos maiores cantores de sua geração, o carioca Chico Buarque, com quem gravou um álbum antológico ao vivo em 1972, durante a apresentação do programa Chico e Caetano (TV Globo). O sucesso deste acabou dando origem ao álbum Melhores Momentos de Chico e Caetano, que contava, entre outros, Rita Lee, Jorge Benjor, Astor Piazzolla, Elza Soares, Tom Jobim, Luiz Caldas, o grupo Fundo de Quintal e Paulo Ricardo.
Além deste, este ano lançou dois álbuns: Totally Too Much, originado de um show acústico (outubro de 1985) gravado no hotel Copacabana Palace, no Rio de Janeiro. Este álbum, lançado para o projecto "Luz do Solo" inclusive, foi o primeiro grande sucesso da sua carreira, que vendeu cerca de 250.000 cópias e trouxe regravações de canções que faziam sucesso na voz de outros cantores, com destaque para a faixa-título, proibida pelo regime militar há três anos, e também "Caetano Veloso", também conhecido como "Acústico", do selo Nonesuch, que trouxe regravações de antigos sucessos nesse formato. Este disco contou com a participação especial de três músicos: Tony Costa (violão), Marcelo Costa e Armando Marçal (percussão). Lançado inicialmente nos Estados Unidos, onde foi gravado, foi distribuído no Brasil apenas quatro anos depois (outubro de 1990) e teve boa recepção da crítica, levando a um show na casa do Canecão, no Rio, que seria reiniciado em abril de 1991. Que mesmo mês, no dia 21, dia de Tiradentes, fez uma apresentação em homenagem ao Dia da Terra, que contou com a presença de cerca de 50 mil pessoas, realizado na Baía de Botafogo, no Rio de Janeiro.
Em 1981, o álbum "Outras palavras" atingiu a marca de 100 mil cópias vendidas, tornando-se o maior sucesso de sua carreira até então e garantindo-lhe o primeiro disco de ouro. A venda deste álbum foi impulsionada pelos sucessos "Lua e Estrela" e "Rapte-me camaleoa", este último composto em homenagem à atriz Regina Casé. Nesse disco, também homenageou a colega atriz Vera Zimmerman, com a música "Vera Gata", da língua portuguesa, em uma incursão poética de vanguarda (com a faixa-título), pelo estado de São Paulo ("Nu com my música "), o poeta Paulo Leminski (" Verdura "), a cultura do candomblé e da umbanda (" Sim / Não "), o grupo Os Trapalhões (" Jeito de corpo ") e o cantor francês Henri Salvador (Dans mon île) , a quem também prestaria homenagem à música "Reconvexo", gravada por Maria Bethânia. Ao mesmo tempo, gerou polêmica por desentendimentos com a imprensa especializada (jornalistas e poetas como Décio Pignatari, com quem se reconciliaria em 6 de dezembro de 1986, José Guilherme Merquior - que o acusava de “pseudo-intelectual que tenta usurpar área do pensamento ", e Paul Francis).
Em 1982, participou como ator do filme Tabu, de Júlio Bressane, no qual interpretou o compositor Lamartine Babo, e sete anos depois, em "Os Sermões - A História de Antônio Vieira", com Gregório de Matos, também escrito por Júlio. No ano seguinte, inaugurou o programa Conexão Internacional, da extinta Rede Manchete, em gravação feita em Nova York, onde entrevistou Mick Jagger, cantor do grupo Rolling Stones. No final de 1988 - dezembro, a editora Lumiar publicou um songbook (song book), produzido por Almir Chediak, dividido em dois volumes e com a letra e cifra de 135 canções.
Em 1984, surgiu "Velô", acompanhado pelos músicos da Banda Nova, destacando-se, entre outros, "Podres Poderes", "O pulsar", a regravação de "Nove em dez" (gravada originalmente no disco "Transa ", 1972)," O queres ", uma homenagem ao pai com" O Homem Velho "," Comeu "," Shy moon "e" Língua ", uma homenagem à Língua Portuguesa. Os dois últimos tiveram participações especiais de Ritchie e Elza Soares.
Aproveitando a veia engajada do regime pós-militar, cantou, ainda que com pequena participação individual, no coro da versão brasileira de We Are the World, o hit americano que reuniu vozes e arrecadou fundos para a África ou EUA para África. O projeto Nordeste Já (1985) abraçou a causa da seca no Nordeste, reunindo 155 vozes em um compacto, criado coletivamente, com as canções "Chega de Mágoa" e "Seca d'Água". Elogiado pela competência de interpretações individuais, ele foi, no entanto, criticado por sua incapacidade de harmonizar as vozes e o enquadramento de cada uma delas no coro.
A década de 1980 foi o momento em que Caetano começou a lançar seus discos e a fazer shows maiores no exterior. Entre as gravações mais representativas desse período na carreira do artista, e para toda a música popular brasileira, estão, entre outras: "Os outros românticos", "O estrangeiro", "José", "Giulieta Massina", "O ciúme", "Eu sou uma garotinha negra", "Ele me beijou na boca", "Outras palavras", "Peter Gast", "Eclipse oculto", "Luz do sol", "Jasper", "Reclamação", "O que você quer" , "The Old Man", "Color Train", "Hotel Night", "This Love", "Abduct Me Chameleon", "Tongue" e "Podres Powers". Da vasta discografia, também se destacou o disco "Estrangeiro", gravado em Nova York, após uma série de apresentações na Itália em abril, foi gravado em parceria com Arto Lindsay, que teve excelente recepção crítica na imprensa norte-americana, rendendo-lhe conquistou o extinto Prêmio Sharp (atual "Prêmio Tim") de música (1989), com a canção "Meia lua todo" (do ex-compositor novato Carlinhos Brown), que integrou a trilha sonora da telenovela como uma das maiores. exitos. Tieta de Aguinaldo Silva. Um dos discos mais aclamados pela crítica estrangeira foi o disco "Estrangeiro", lançado em 1989.
Década de 1990
Caetano em 1996
Em julho de 1990, participou do Montreux Jazz Festival, na Suíça. Destacam-se também os discos "Circuladô" (1991), novamente produzidos por Arto Lindsay após terem se apresentado em setembro na sala de concertos de Nova York Town Hall, cuja faixa-título é inspirada em um poema do antigo colaborador Haroldo de Campos data, que levou a um álbum duplo ao vivo e um documentário, além de um especial de cinco programas na TV Manchete, dirigido por Walter Salles. Em outubro, escreveu, no The New York Times, um longo artigo, com profundas implicações culturais, sobre a cantora Carmen Miranda, em paralelo com o lançamento de mais um livro: "Caetano, porque não?", De Gilda Dieguez e Ivo Lucchesi , da Editora Francisco Alves. Em maio, pela segunda vez, recebeu o Prêmio Sharp de Música. A Tropicália seria retomada no álbum "Tropicália 2" (1993), que comemorava os 25 e trinta anos do movimento de amizade entre Caetano e Gil, e ainda retomando a parceria entre eles, contendo algumas doses de experimentalismo ("Rap popcreto "," Aboio "," Dada "," Coisas "), uma crítica à situação política do país (" Haiti "- o rap social da dupla), uma homenagem ao cinema (movimento Cinema Novo), ao carnaval da Bahia (" Nossa gente "- também gravada com sucesso pela banda Cheiro de amor), ao poeta Arnaldo Antunes (" As Coisas "- cuja letra foi musicada a partir de um trecho deste livro homônimo), e também ao músico Jimi Hendrix, com Wait até amanhã. Anteriormente, ambos já haviam lançado um single com as músicas "Cada macaco no seu galho" (Riachão), também incluída em seu repertório, e "Chiclete com banana" (Gordurinha e Almira Castilho).
Em 1993, foi lançado o livro "Caetano - esse cara", de Héber Fonseca, editado pela editora Revan. Continha depoimentos dados ao longo de sua carreira em diversas publicações, como rádios e televisão brasileiras. Gravou também um LP em espanhol, "Fina Estampa" (1994), que trouxe clássicos latino-americanos com arranjos do maestro e violoncelista Jacques Morelenbaum, no estilo bossa nova, e originou um álbum ao vivo de mesmo nome, com parte dessas canções entre outras canções consagradas e pouco conhecidas da música popular brasileira ("O samba e o tango", "Canção de amor", "Suas mãos", "Lábios que beijei", Você está com meu bem), regravações de antigos sucessos ( "Haiti", "O pulsar", "Itapuã", Soy loco por ti América) e canções em espanhol off the studio, com Cucurrucucú paloma, La barca e Ay amor. O espetáculo teve poucas apresentações em território nacional, atuando principalmente na cidade italiana de Nápoles (agosto de 1994, em encontro com o cantor Lucio Dalla). A versão em CD do álbum de estúdio incluiu mais três canções: Tonada de luna llena, Lamento borincano e Vete de mi.
Em 25 de março de 1996, foi agraciado com o grau de Comandante da Ordem do Infante D. Henrique, de Portugal.
Outra obra que obteve sucesso relevante foi Omaggio a Federico e Giulietta (1999), com parte das canções em italiano (Come prima, Gelsomina e Luna rossa, que integraram a trilha sonora da novela Terra Nostra, de Benedito Ruy Barbosa), que consiste em uma homenagem ao cineasta italiano Federico Fellini e sua esposa, a atriz de cinema Giulietta Masina, a quem também prestaria homenagem na canção homônima, incluída neste mesmo álbum. Também fez parte do repertório do disco "Caetano" (1987), que vendeu 100 mil cópias. Até mesmo essa música foi proibida no momento do lançamento. Ao contrário de lançamentos anteriores, este "Caetano" não foi acompanhado de entrevistas. Caetano, revoltado com a imprensa, quis cortar relações com ela. O show, realizado em Paris (março de 1988), garantiu-lhe uma participação exclusiva na revista Vogue. Em 1996, foi tema da criação de mais um livro: “O arco da conversa: um ensaio sobre a solidão”, de Cláudia Fares (Editorial Cada Jorge). Em 1997, escreveu o texto para "Verdade Tropical" (Editora Companhia das Letras - 524 páginas), livro no qual relata as memórias do tropicalismo e um relato pessoal de sua visão de mundo. Em 1997, houve também o lançamento do CD "Livro", muito elogiado pela crítica especializada e indicado ao prêmio "Grammy Latino" em setembro de 2000, na categoria World Music. No repertório, a recriação de um trecho do poema O Navio Negreiro, do conterrâneo Castro Alves; algumas canções inéditas ("Os passistas", "Crazy", "Você é meu", "Livro", "Um tom", "Manhatã" - dedicado a Lulu Santos -, "Não enche", "Alexandre" e " Para ninguém "), regravações de clássicos da música popular brasileira (" Na Baixa do sapateiro ", de Ary Barroso) e canções de sua autoria (" Onde o Rio é mais baiano "e" Minha voz, minha vida ", fizeram na década de 1980, mais precisamente em 1982, para Gal Costa registrar), e "Que lindo poderia ser", de seu filho Moreno Veloso.
Desse disco, deu-se origem ao show "Prenda Minha", que, por sua vez, deu origem ao também elogiado CD de mesmo nome, lançado no final de 1998, que trouxe regravações de antigos sucessos entre outras canções consagradas, em a total ausência de canções do álbum. estúdio. Mesmo este CD foi o primeiro a atingir a marca de 1.000.000 de cópias vendidas em sua carreira, venda alavancada pelo estrondoso sucesso da regravação da música "Sozinho" (Peninha), que integrou a trilha sonora da novela Suave Veneno, de Aguinaldo Silva, explodiu na rádio brasileira. Ele também exibiu alta produtividade como compositor, com um viés predominantemente poético e intelectual.
Anos 2000
Caetano Veloso no Festival TIM
Lançou também o CD "Noites do Norte" (2000), que trata das culturas negra e africana, onde todas as canções são inéditas, e cuja faixa-título foi retirada de um trecho de um livro de Joaquim Nabuco, e que também conduziu para um álbum duplo ao vivo e um DVD, contendo o show completo. Gravou um disco com Jorge Mautner em 2002, não me desculpem, que chegou a ser indicado ao prêmio "Grammy Latino" no ano seguinte, na categoria melhor disco de música popular brasileira, ao mesmo tempo em que participava do Pontifício Católico Universidade de São Paulo, a partir de especial realizado pela TV Cultura, em homenagem ao poeta, crítico e tradutor Haroldo de Campos - fundador do movimento da poesia concreta nos anos 1950 -, falecido no dia 16 de agosto daquele mesmo ano. No muito elogiado e polêmico "Cê" (2006), retoma o repertório pop contido em outros discos, como "Transa" e "Velô". Esse disco causou polêmica por conter algumas letras picantes que remetem à sexualidade, como "Outro", "Urban God", "Man" e "Why '.
Caetano Veloso foi apontado como perito no processo João Gilberto x EMI, no qual constatou adulteração nas gravações de João provocada pela gravadora. Nas palavras de Caetano, “por causa dessas falhas flagrantes da Ré (EMI), João Gilberto sofreu e continua sofrendo perdas incalculáveis”.
Em 2003 lançou o seu primeiro DVD áudio, "Muito Mais", que foi uma caixa-bónus de "Todo Caetano ', lançado no final do ano anterior (Dezembro) em comemoração aos 35 anos de carreira (originalmente lançado em 1996 , com trinta álbuns), e cujo repertório traz canções consagradas do artista, escolhidas por fãs por meio da internet, a world wide web. Em 2004, foi considerado um dos mais respeitados e produtivos astros pop latino-americanos do mundo, com mais de cinquenta álbuns lançados, incluindo canções de trilhas sonoras de longas-metragens como Hable con ella, de Pedro Almodóvar, Frida, uma biografia de Frida Kahlo, S. Bernardo, de Leon Hirszman, com roteiro baseado no romance de mesmo nome de Graciliano Ramos, o documentário Cinema Falado, relançado em 2003 em DVD, cujo título remete à primeira estrofe de um samba antigo de Noel Rosa, Lisbela e o Prisioneiro, de Guel Arraes, Tieta do Agreste, de Cacá Diegues, baseado no romance homônimo do escritor Jorge Amado, A dama do stocking, de Neville de Almeida, a partir do conto homônimo de Nelson Rodrigues; O Quatrilho, de Fábio Barreto; O coronel e o lobisomem; Orfeu; Feitos de Satanás na Terra de Leva-e-Traz, de Paulo Gil Soares; Ó Pai, Ó, de Monique Gardenberg, entre outros.
Em 2000, Caetano Veloso produziu o disco "João Voz e Violão", de João Gilberto. Em 2001, o álbum ganhou o prêmio Grammy de melhor álbum na World Music.
Em 2002 publicou um livro sobre o movimento da tropicália, Tropical Truth: A Story of Music and Revolution in Brazil ("Tropicália: uma história da música e da revolução no Brasil"). A primeira produção de um CD inteiramente em inglês (já havia lançado o álbum "Fina Estampa" inteiramente em espanhol) foi A Foreign Sound (2004), em que interpretou clássicos de canções americanas e inglesas. Em 2007, a Universal Music lançou “Quarenta Anos Caetanos”, uma caixa dividida em quatro partes, contendo toda a discografia oficial, em comemoração aos quarenta anos de parceria entre Caetano e a gravadora.
Em 2008, Caetano e o cantor Roberto Carlos se apresentaram em homenagem a Antônio Carlos Jobim, em que foram gravados o CD e DVD Roberto Carlos e Caetano Veloso e a música de Tom Jobim. Caetano, em maio de 2008, estreou o show "Obra em Progresso", onde canta músicas de sua carreira, mas principalmente novas. O show só foi apresentado na cidade do Rio de Janeiro, e acabou voltando em agosto para a mesma cidade. Entre as novas canções apresentadas ao público que lotaram as noites do Vivo Rio e do Teatro Casa Grande, estão: "Falto Leblon", "Lobão tem Razão", "Perdeu" e "Base de Guantánamo". Foram gravadas em disco as músicas inéditas do show "Obra em Progresso", todas produzidas em estúdio no segundo semestre de 2008 e lançadas em abril de 2009 com o título "zii e zie".
Foi feito um blog para a cantora para este projeto iniciado em 2008 -e que terminou no mesmo mês do lançamento do álbum de estúdio-. A turnê continuou no Brasil e no exterior entre 2009 e 2010.
Década de 2010
Caetano Veloso na entrega da Medalha da Ordem do Mérito Cultural, 2015
Em 2011, Caetano lançou o single "MTV Ao Vivo - Zii e Zie", e o DVD duplo com o show completo "Zii e Zie", gravado na casa Vivo Rio, a mais alguns momentos do show Obra em Progresso, gravado em 2008 no Teatro Oi Casa Grande, também no Rio de Janeiro. Os dois maiores projetos de Caetano para 2011 são o disco inédito de Gal Costa, onde todas as músicas serão dele, e seu terceiro disco com a banda Cê.
Em 2013, tornou-se público que a cantora é membro do conselho da Associação Procure Saber, formada por artistas e seus representantes. Presidida pela produtora cultural Paula Lavigne, ex-mulher de Caetano, a Procure Saber é contra a publicação de biografias não autorizadas de pessoas públicas. Entre seus integrantes estavam também os cantores Roberto Carlos, Djavan e Chico Buarque. A intenção do grupo era evitar que uma ação direta de inconstitucionalidade ajuizada pela Associação Nacional das Editoras de Livros (Anel) fosse julgada pelo Supremo Tribunal Federal. Na ação, Anel questiona a validade dos artigos 20 e 21 do Código Civil, que exigem autorização prévia do sujeito para publicar obras sobre ele desde que alcancem sua honra, boa reputação ou respeitabilidade ou se forem feitas para fins comerciais. Segundo Anel, a Constituição Federal estabelece que a expressão da atividade intelectual, artística, científica e de comunicação é livre e independente de censura ou licença. apoio à censura. Em outubro de 2013, o jornal Folha de S. Paulo revelou a existência de biografia da cantora que não havia sido publicada por falta de autorização. Caetano às vezes aproveitava o espaço de sua coluna semanal do jornal O Globo para defender a associação e chegou a criticar Roberto Carlos quando disse que o cantor demorou a se manifestar em público para falar sobre o assunto. Pouco depois, Roberto Carlos anunciou sua saída do grupo. Em sua coluna no jornal, Caetano se desculpou. Em 2016 Veloso conquistou o Prêmio Música Brasileira com o álbum Dois Amigos, um Século de Música ao lado de Gilberto Gil, na categoria Álbum MPB e também como vencedor na categoria Cantor MPB.
No dia 5 de agosto de 2016, participou da cerimônia de abertura dos Jogos Olímpicos Rio 2016, cantando Isso Aqui, Que É, ao lado de Gilberto Gil e Anitta. [31] No final do mesmo ano, foi lançado um novo álbum da banda Fresno, que inclui a participação na faixa 3, Hoje Sou Trovão.
Em maio de 2017, após muita polêmica envolvendo o tema das biografias não autorizadas, o livro "CAETANO - uma biografia (a vida de Caetano Veloso, o Doce Bárbaro dos Trópicos), de Carlos Eduardo Drummond e Márcio" chegou às livrarias Nolasco.
Seu álbum Ofertório (Ao Vivo), gravado com os filhos Moreno, Zeca e Tom, foi eleito o 25º melhor álbum brasileiro de 2018 pela revista Rolling Stone Brasil.
Legado
Também considerado um grande intelectual, Caetano Veloso, em entrevista ao jornal Gazeta de Alagoas, diz que “... entre Merleau-Ponty, que defendia a percepção do mundo através do corpo, e Sartre, que sempre defendeu a tomada de um posição intelectual, sempre fui mais Sartre, desde a universidade ”, sendo retrucado pelo entrevistador que defende que sendo Caetano um homem de“ afirmação erótica ”e“ presença intensa ”, seria mais como Merleau-Ponty. Ao que Caetano acrescentou: "É verdade. Mas o fato é que lemos Sartre, não Merleau-Ponty."
Gilberto Passos Gil Moreira, conhecido como Gilberto Gil GCIH (Salvador, 26 de junho de 1942), é um cantor, compositor, multi-instrumentista, produtor musical e político brasileiro conhecido por sua contribuição à música brasileira e por ser um vencedor do Prêmio Grammy. Grammy Latino e concedido pelo governo francês com a Ordem do Mérito Nacional (1997). Em 1999, foi nomeado "Artista pela Paz" pela UNESCO.
Gil também foi embaixador da ONU para Agricultura e Alimentos e ministro da Cultura do Brasil, entre 2003 e 2008, durante parte dos dois mandatos do ex-presidente Lula.
Em mais de cinquenta álbuns lançados, ele incorpora a eclética gama de suas influências, incluindo rock, gêneros tipicamente brasileiros, música africana, funk, disco music e reggae.
Biografia
Gilberto Gil nasceu em 26 de junho de 1942, em Salvador, Bahia. É filho mais velho de José Gil Moreira (1913-1991), médico formado pela Universidade da Bahia, e de Claudina Passos Gil Moreira (1914-2013), professora primária. No início da década de 1940, a família morava em Tororó, bairro modesto de Salvador. Devido às dificuldades no trabalho, o Dr. José Moreira decidiu se mudar com a esposa para a cidade de Ituaçu. Mais tarde, o casal saiu de Ituaçu, no interior da Bahia, voltando para Salvador, para que o filho nascesse na capital. Três semanas após o nascimento, a família voltou para Ituaçu, onde Gil passou toda a sua infância.
Em agosto de 1943 nasceu sua irmã Gildina Passos Gil Moreira e Gilberto e Gildina foram ensinados a ler por sua tia-avó Lídia, professora aposentada do tradicional Colégio Marquês de Abrantes e mãe adotiva do pai de Gilberto. Enquanto a avó preparava as refeições da família, Gil e sua irmã faziam as tarefas domésticas. Gil lembra que "a [mais] professora paradigmática da minha vida, sem dúvida, foi a minha avó. Foi ela, em casa, que me apresentou ao mundo dos livros, do conhecimento, das histórias, ao mundo de Monteiro Lobato".
Aos três anos, o menino já manifestava o desejo de ser músico, fascinado pelos sons da banda local, do acordeonista Cinézio e dos cantores e violonistas - resquícios de trovadores medievais, cantam versos improvisados, desafiando com uns aos outros, contando histórias e histórias nos confins do interior. Foi uma das principais fontes de informação da população nordestina do Brasil. Seus versos foram impressos em cordas. Além disso, Gil também ouviu grandes sucessos nas rádios do Rio de Janeiro e nos gramofones da cidade, os discos de Orlando Silva, Bob Nelson e Luiz Gonzaga. Em 1952, aos nove anos, Gilberto e a irmã mudaram-se para Salvador, onde ingressaram no Colégio Nossa Senhora da Vitória e, no mesmo ano, na escola de acordeão da Academia de Acordeão Regina A A partir de em seguida, passou a receber influências da música de Dorival Caymmi, além de novos estilos musicais vindos do sul do país, como o jazz.
Em 1960, concluiu o ensino médio e fez o vestibular para estudar engenharia, porém não foi aprovado. Então, ele decidiu fazer um curso preparatório, com o objetivo de estudar administração de empresas. No ano seguinte, foi aprovado e começou a estudar na Universidade da Bahia. Durante o curso, Gilberto Gil promoveu e participou de eventos de vanguarda, como o Seminário de Música, dirigido pelo professor e compositor Hans-Joachim Koellreutter, que proporciona aos jovens o contato com a música erudita contemporânea; conheceu e passou a namorar Belina de Aguiar, (nascida em Salvador, em 26 de maio de 1938), bancária que mais tarde se tornou professora universitária. Em dezembro de 1964, formou-se em administração de empresas e, em janeiro do ano seguinte, mudou-se para São Paulo, com o objetivo de promover o processo seletivo da Gessy Lever. Em 29 de maio do mesmo ano, Gilberto Gil casou-se com Belina, que passou a se chamar Belina de Aguiar Gil Moreira, mudou-se para São Paulo, e começou a trabalhar como estagiária na Gessy Lever. Após um mês em um hotel, e igual período em Campinas, mudou-se para a Cidade Vargas, um subúrbio de São Paulo. Ele então começou a compartilhar seu tempo com responsabilidades de escritório e música. Em 1966, nasceu em Salvador a primeira filha de Gil e Belina, Nara de Aguiar Gil Moreira. Um contrato firmado com a Philips levou a família a se mudar para a cidade do Rio de Janeiro e, algum tempo depois, em 3 de fevereiro de 1967, nasceu a segunda filha do casal Marília de Aguiar Gil Moreira. Após uma viagem ao Recife, Gil voltou ao Rio de Janeiro influenciado pela cultura popular da região. Em março, separou-se de Belinda e, no mês seguinte, foi morar com a cantora Nana Caymmi. Nesse momento, ele era comandado por Guilherme Araújo.
Gilberto Gil com sua esposa Flora, durante o 26º Prêmio da Música Brasileira, 2015, no Theatro Municipal do Rio de Janeiro.
Em novembro de 1968, em meio à efervescência do movimento tropicalista, fundado por Gil, ele começou a namorar Sandra Barreira Gadelha, ex-banqueira de Salvador. Em dezembro, ele e Caetano Veloso foram presos, em razão do Ato Institucional nº 5, que restringia a liberdade artística e cidadã. Lá, Gil adotou uma dieta macrobiótica e estudou o misticismo oriental. Foi libertado em fevereiro, permanecendo até julho em regime de reclusão, até a saída do país. Nesse ínterim, Gil se dava bem com Duate e o músico e filósofo Walter Smetak. Em março, ele se casa com Sandra. Por pressões políticas, Gil e sua esposa foram forçados a deixar o país, mudando-se para Londres, onde, em 17 de maio de 1970, nasceu o terceiro filho do cantor, Pedro Gadelha Gil Moreira. Gil morava em 16 Redesdale Street em Chelsea, mudou-se para Hampton Court. Em 14 de janeiro de 1972, Gil recebeu permissão para retornar ao país com sua família. Em 8 de agosto de 1974, nasceu no Rio de Janeiro Preta Maria Gadelha Gil Moreira, quarta filha do cantor. Dois anos depois, em 13 de janeiro de 1976, nasceu em Salvador Maria Gadelha Gil Moreira, filha de Gil e Sandra. Durante turnê com Caetano Veloso, Gal Costa e Maria Bethânia, Gil foi preso em flagrante por uso de maconha, em Florianópolis, Santa Catarina. O cantor alegou dependência física e psicológica da droga, e o juiz Ernani Palma Ribeiro, resolveu internar o artista no Instituto Psiquiátrico São José ", disse Gilberto Gil que gostava de maconha e que seu uso não o prejudicava nem o levava para fazê-lo. mal ”- palavras do juiz. Em julho de 1978, Gil mudou-se com a família para Los Angeles, nos Estados Unidos, para começar a produzir um novo trabalho. Em Salvador, durante o mês de janeiro de 1979, o cantor conheceu a lojista Flora Nair Giordano, e no ano seguinte se separou de Sandra e em setembro passou a morar com Flora. Em 13 de janeiro de 1985, nasceu Bem Giordano Gil Moreira, primeiro filho do casal, no Rio de Janeiro. Dois anos depois, em 1987, Gil tornou-se presidente da Fundação Gregório de Mattos, e mudou-se para Salvador. Posteriormente, sua família mudou-se para a cidade, onde, no dia 3 de janeiro de 1988, nasceu Isabela Giordano Gil Moreira, sua segunda filha. Gil casou-se civilmente com Flora em 10 de junho de 1988. Ela, hoje Flora Giordano Gil Moreira, tornou-se gerente das empresas do artista.
Em 25 de janeiro de 1990, aos dezenove anos, Pedro Gil, o filho mais velho da cantora com Sandra, sofreu um acidente de carro e ficou em coma. Pedro era baterista do grupo de rock carioca Egotrip, considerado um instrumentista extraordinário. Ao retornar de São Paulo para o Rio de Janeiro, acabou dormindo ao volante e perdeu o controle do carro. O carro bateu em uma árvore na Lagoa Rodrigo de Freitas, na Curva do Calombo, e capotou várias vezes. Foi resgatado e levado ao Hospital Beneficência Portuguesa, com fratura de crânio e traumatismo cranioencefálico. No dia 2 de fevereiro, após oito dias na Unidade de Terapia Intensiva em coma profundo, o jovem instrumentista faleceu.
Um ano depois, em 15 de maio de 1991, seu pai, José Gil Moreira, faleceu em Vitória da Conquista, aos 78 anos. Pouco depois, em 27 de agosto de 1991, o terceiro filho de Gil e Flora, José Gil Giordano Gil Moreira, nasceu. No dia 17 de setembro de 2008 nasceu em Nova York sua neta Flor, filha de Isabela (Bela Gil). Em 23 de fevereiro de 2013, sua mãe, Claudina Passos Gil, aos 99 anos, faleceu por falência de múltiplos órgãos no Hospital Português, em Salvador.
Em 2009, a cantora obteve a cidadania italiana, por ser casada com Flora Giordano, neta de italianos.
O cantor é pai de oito filhos. Do casamento com Belina de Aguiar Gil Moreira teve: Nara de Aguiar Gil Moreira (1966) e Marília de Aguiar Gil Moreira (3 de fevereiro de 1967). Do casamento com Sandra Barreira Gadelha Gil Moreira, teve Pedro Gadelha Gil Moreira (17 de maio de 1970 - 25 de janeiro de 1990), Preta Maria Gadelha Gil Moreira (8 de agosto de 1974) e Maria Gadelha Gil Moreira (13 de janeiro de 1976) . Com Flora Nair Giordano Gil Moreira, teve Bem Giordano Gil Moreira (13 de janeiro de 1985), Isabela Giordano Gil Moreira (3 de janeiro de 1988) e José Gil Giordano Gil Moreira (27 de agosto de 1991).
No dia 24 de novembro de 2015 nasceu Sol de Maria, filha de Francisco Gil e Laura Fernandez e neta de Preta Gil, sendo a primeira bisneta de Gilberto Gil. Em junho de 2016, após completar sete meses de vida, Sol de Maria recebe uma música do bisavô, que havia saído recentemente do hospital onde estava internado para tratamento de insuficiência renal.
Desde fevereiro de 2016, quando foi diagnosticado com hipertensão, Gil já havia sido internado diversas vezes no Hospital Sírio-Libanês, em São Paulo. Posteriormente, a artista foi diagnosticada com uma síndrome cardiorrenal - uma combinação de insuficiência renal e insuficiência cardíaca, e o tratamento da doença requer hospitalizações mensais, até novembro de 2016.
Carreira musical
1959–65: início da carreira
Aos dezoito anos, Gilberto Gil formou com amigos o grupo "Os Desafinados", grupo instrumental em que se revezava tocando acordeão e vibrafone. O grupo se apresentou em festas de aniversário, escolas e clubes de Salvador. Gil permaneceu no grupo até 1961. No final da década de 1950, aos dezessete anos, quando a bossa nova estava em alta, ouviu o cantor e violonista baiano João Gilberto, e a partir daí Gilberto abandonou o acordeão e passou a tocar o violão . Inicialmente, ele usou o instrumento da irmã, até ter o seu - dado pela mãe, mais tarde. Começou a escrever poemas, em sua maioria medidos e influenciados pelos românticos Castro Alves e Gonçalves Dias, e pelo parnasiano Olavo Bilac, por exemplo. Oficialmente, sua carreira começou em 1962, compondo e tocando jingles. Posteriormente, foi lançada "Bem Devagar", primeira música composta por Gil, em single gravado pelo grupo feminino As Três Baianas, e ele participou da gravação tocando acordeão. Nessa época, também participou cantando em programas da rede de televisão local, e gravou uma música feita para a Petrobras, "Povo Petroleiro", onde, do lado B, Gil fez a marcha carnavalesca "Coça, Coça, Lacerdinha" - sua primeira gravação de canto, lançada pela JS Discos. No ano seguinte, Gil gravou e lançou o EP Gilberto Gil: Sua Música, Sua Interpretação, que continha quatro faixas de sua autoria. Dele foi extraído o single "Decisão", samba conhecido e rebatizado em homenagem a "Amor de Carnaval". No final do mesmo ano, Gil conheceu Caetano Veloso [34] - que conhecia Gil na TV e o via como um ídolo - apresentado pelo produtor musical Roberto Sant'Ana, e logo em seguida conheceu os cantores Maria Bethânia e Gal Costa. Em junho de 1964, os quatro, Tom Zé e outros, realizaram o espetáculo "Nós, Por Exemplo ...", inaugurando o Teatro Vila Velha, em Salvador, sob a direção geral de João Augusto e musical assinado por Gil e Santana , com repertório composto por canções próprias e bossas de compositores como Dorival Caymmi. “Individual”, a primeira actuação a solo de Gil, realizou-se no ano seguinte, em Vila Velha, sob a direcção de Caetano. como a Galeria Metrópole, onde conheceu e conheceu diversos artistas, tocou e cantou em diversos bares, como Redondo e Bossinha; no João Sebastian Bar, por exemplo, conheceu Chico Buarque. Passou então a fazer parceria com os letristas Capinan e Torquato Neto, além de participar com Caetano, Gal, Bethânia e Tom Zé, no show "Arena canta Bahia", dirigido por Augusto Boal, e encenado no Teatro Oficina Gravou sua primeira fita demo e enviado para o escritório de uma editora musical. A fita tinha cerca de 30 minutos de duração, com trechos de dezoito canções. Em outubro, Gil cantou "Iemanjá" com Othon Bastos, no V Festival da Balança, promovido pela Diretoria Acadêmica da Faculdade de Direito da Universidade Mackenzie, gravado pela RCA, sendo convidado pela gravadora para lançar o primeiro single de sua carreira por um grande selo, "Procissão". Gilberto Gil ouvia música da Jovem Guarda, pois isso ajudou muito em sua carreira musical, mas ele não entrou no movimento devido à oposição de Caetano Veloso a Iê-Iê-Iê.
1966–68: Louvor, Festivais e Tropicália
Gilberto Gil e Nana Caymmi no III Festival de Música Popular, 1967.
No início de 1966 Gil começou a se destacar no programa O Fino da Bossa, exibido pela Record e apresentado por Elis Regina, a quem mostrou suas composições "Eu Vim da Bahia" e "Louvação". Seu sucesso lhe rendeu um contrato para lançar um álbum pela Philips Records; Gil então deixou o emprego na Gessy Lever e decidiu viver exclusivamente da música, mudando-se para a cidade do Rio de Janeiro com Belinda e sua filha, Nara. "Procissão", o primeiro single oficial do cantor, foi lançado em 1965. No ano seguinte, 1966, o selo lançou "Ensaio Geral", a segunda música de trabalho de Gil. Em seguida, viajou para Recife, apresentando o show autodirigido "Individual", Ali, conheceu tanto a vanguarda quanto a tradição local, como as bandas de pífano de Caruaru, trazendo essas influências com ele quando voltou ao Rio de Janeiro. [38] Em maio de 1967 Gilberto Gil lançou seu primeiro álbum, Louvação. O álbum contém arranjos de Dorival Caymmi Filho (Dori Caymmi), e composições de Caetano Veloso, José Carlos Capinam, Torquato Neto, Geraldo Vandré e João Augusto, com temas regionais da Bahia, como "Água de Meninos", por exemplo, que retrata um incêndio ocorrido em um píer do porto, perto de moinhos de combustível e trigo. Alguns críticos elogiaram o álbum, dizendo que ele tem uma "riqueza melódica incrível", influenciado por Tom Jobim. Apesar de não ter temas e estilos tropicalistas, Louvação mostrava que o movimento estava se organizando. O show de Gil, General Rehearsal, sai do ar em maio.
Gilberto Gil durante o histórico Festival de Música Popular Brasileira de 1967, defendendo com Os Mutantes sua canção "Domingo no Parque", que ficou em segundo lugar.
É lá, no Rio de Janeiro, que a cantora participa de diversos festivais promovidos pela Record e TV Rio e concorre, como compositora, em dois deles: I Festival Internacional da Canção, promovido pela TV Rio, com “Minha Senhora ", interpretado por Gal Costa; e II Festival de Música Popular Brasileira, pela Gravadora, com "Ensaio Geral" - quinto lugar -, interpretada por Elis Regina. Essa última música virou título de programa de televisão apresentado por Gil na TV Excelsior. Em outubro de 1967, durante o III Festival de Música Popular Brasileira, realizado no Teatro Paramount, onde Nana foi sua parceira em "Bom Dia", executou uma das canções que o marcaram como compositor. Historicamente, o Brasil passava por uma fase de grande nacionalismo. Desse modo, o país rejeitou características de outras culturas, como as guitarras elétricas, que eram "uma marca da cultura americana e inglesa, além de representarem o comercialismo", como lembra Caetano. Por outro lado, Gil, influenciado pelos Beatles, decidiu incluir o rock e a música brasileira em "Domingo no Parque", ao lado de Os Mutantes.
A música ficou em segundo lugar, além de ter sido premiada pelo "arranjo moderno", feito por Rogério Duprat. Ao lado de "Alegria, Alegria" de Caetano Veloso, o primeiro se tornou um divisor de águas na música brasileira, pois, de lá até o final de 1968, um movimento revolucionário, influenciado por Oswald, se instalou no cenário brasileiro. de Andrade e o movimento antropofágico, batizado de Tropicália - nome de uma mostra de arte criada pelo carioca Hélio Oiticica, durante a mostra Nova Objetividade Brasileira, realizada no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, que levou o seu nome . Porém, foi Nelson Motta, com a matéria intitulada "A Cruzada Tropicalista", publicada no jornal Última Hora, em 5 de fevereiro de 1968, quem deu o nome ao movimento.
O uso desses instrumentos e desse novo estilo musical sob a música popular, aliás, representou um choque para o governo da época. O Brasil sofreu o golpe militar em 31 de março de 1964, as liberdades democráticas conquistadas nas décadas anteriores foram suspensas. Os militares estabeleceram no país um governo regido por atos institucionais, espécie de decreto que servia para implementar medidas que poderiam estar acima da ordem constitucional. Durante o governo do Marechal Costa e Silva, o Al-5 foi promulgado em 13 de dezembro de 1968, conferindo ao Executivo poderes quase absolutos sobre todas as instituições. Desse modo, a música popular deve se tornar o veículo de dissidência política.
1968: Consolidação do movimento, segundo álbum e repressão
Gilberto Gil, década de 1960.
A partir de 1968, o movimento começou a se consolidar. Caetano e Gil, junto com Os Mutantes, passaram a participar com frequência de programas de televisão, principalmente por meio de Chacrinha, apresentador que se tornou ícone do movimento. Gilberto Gil participou do espetáculo Momento 68, patrocinado pela Rhodia, levando o artista a Portugal e Espanha. Nessa época, começou a trabalhar com seu novo álbum solo e outro projeto ao lado de outros tropicalistas, como Caetano, Gal Costa, Tom Zé, Nara Leão, Os Mutantes e Rogério Duprat. Em março, o selo lançou o primeiro single do novo álbum de Gilberto Gil, "Pega a Yoga, Cabeludo". Em maio, sob o título Gilberto Gil, também conhecido como "Frevo Rasgado", a Philips Records lançou o segundo álbum solo de Gil. Com produção de Manoel Barenbein e arranjos de Duprat, tornou-se um dos discos fundamentais do movimento Tropicália. Em outubro de 2007, o álbum entrou para a lista dos 100 maiores álbuns da música brasileira, feita pela revista Rolling Stone Brasil, ocupando a 78ª posição. Outros artistas, como Caetano, também lançaram discos tropicalistas, recebendo críticas de jornais como O Estado de S. Paulo, de Augusto de Campos. Coordenados por Caetano Veloso, os tropicalistas lançaram um álbum coletivo de manifesto intitulado Tropicalia ou Panis et Circencis, com canções de Gil, Torquato Neto, Capinam, Tom Zé e Veloso. “Miserere Nobis”, “Lindoneia”, “Parque Industrial” e “Geleia Geral” são canções que retratam o país, ao mesmo tempo, retrógrado e moderno. Em setembro Gil e Caetano competiram no Festival Internacional da Canção, promovido pela TV Globo no Rio. A música, segundo single do disco de Gil, não deu certo e, em meio às vaias, Caetano declamava um discurso violento e improvisado. "Divino, Maravilhoso", composta por Gil e Veloso, interpretada por Gal Costa, participou do IV Festival de Música Popular Brasileira, alcançando a terceira colocação e, posteriormente, nomeando um programa de televisão dos tropicalistas, veiculado pela TV Tupi, de São Paulo , dirigido por Fernando Faro. Como a Tropicália representava uma intervenção na cultura do país, como uma crítica à política nacional, o governo decidiu reprimir o movimento, prendendo Caetano Veloso e Gilberto Gil, em São Paulo no dia 13 de dezembro de 1968. Os artistas e lideranças do movimento foram levados para o quartel do exército do marechal Deodoro, no Rio de Janeiro. Somente em fevereiro de 1969 os artistas foram soltos, permanecendo em confinamento até julho. Até então, Gil junto com Caetano, passava a gravar material, em abril e maio, para novos discos, com arranjos de Rogério Duprat, projeto que seria concluído posteriormente em São Paulo e no Rio de Janeiro. Ao saírem do regime de reclusão, apresentaram-se em espetáculo de despedida no Teatro Castro Alves. Mais tarde, Gil e Caetano, com as respectivas esposas para o exílio, passaram por Lisboa e Paris, mas estabeleceram-se em Chelsea, em Londres. Gil disse que Guilherme, então empresário da dupla, "foi à Europa antes de nós, para ver onde estávamos. Lisboa e Madrid estavam fora de questão porque Portugal e Espanha estavam sob forte ditadura. Paris tinha uma atmosfera musical entediante. Londres estava o melhor lugar para ser músico. "
1969–1971: Exílio, terceiro álbum e retorno ao Brasil
Em agosto, mesmo com Gil no exterior, o selo lançou "Aquele Abraço", primeiro single do terceiro álbum de Gil e um dos maiores sucessos do ano no Brasil. Gil disse que a música representou um "tchau" ao país. Ele o compôs, após tratar da questão de sua saída do país com o Exército. Ele lembrou que os soldados do quartel o cumprimentaram dizendo: "Aquele abraço, Gil!" Esta foi uma das canções mais vendidas de Gil, alcançando o topo da parada brasileira. Ainda em agosto, a Philips lançou o Gilberto Gil, também conhecido como "Cérebro Eletrônico". Algumas resenhas do álbum dizem que as canções foram produzidas com um olho para o ruído, dando à faixa "Volks-Volkswagen Blue" o título de "Hino tropicalista". Os críticos do Allmusic concluem que o álbum "é muito desarticulado, não tão consistente quanto o último, mas definitivamente uma obra-prima para o pop brasileiro do futuro". Em Londres, Caetano e Gil dividiram o palco do Royal Festival Hall, em março de 1970. Esta foi a primeira de uma série de apresentações em cinemas feitas por Gil neste ano e no ano seguinte, na Inglaterra e em outros países europeus, como França, Suíça, Alemanha, Áustria, Dinamarca e Suécia. O sucesso de "Aquele Abraço" rendeu ao cantor e compositor um "Golfinho de Ouro" pelo Museu da Imagem e do Som, do Rio de Janeiro. No entanto, o próprio artista acabou recusando o prêmio, publicando artigo em O Pasquim.
No final do mês, Gil, Caetano e outros músicos brasileiros participaram do Festival Ilha de Wight, que reuniu cerca de 600 mil pessoas. O jornal The Guardian, um dos principais da Inglaterra, escreveu que "dois brasileiros anônimos" foram a principal atração do segundo dia do evento, que durou cinco, e contou com a participação de grandes artistas como The Who, The Doors, Joni Mitchell e Leonard Cohen, além da última apresentação de Jimi Hendrix. Os dois subiram ao palco cantando em português, acompanhados por tambores africanos e uma flauta transversal, mas minutos depois começaram a usar violões e tocar músicas que mesclavam rock psicodélico, funk e samba. Nessa época, Gil foi convidado para produzir a trilha sonora do filme Copacabana Mon Amour, de Rogério Sganzerla. Ao lado de músicos como David Gilmour, do Pink Floyd, e Jim Capaldi, do grupo Traffic, entre outros, Gil foi convidado a participar de uma jam session, realizada no clube Revolution. Sua participação também se repetiu no ano seguinte. Quando se envolveu na organização do Festival de Glastonbury, em 1971, teve um contato maior com o reggae, estilo que estava em movimento em Londres na época. Bob Marley, Jimmy Cliff e Burning Spear se tornaram inspirações para o compositor brasileiro. Além desses dois estilos, Gil também participou de apresentações de jazz, com artistas como Miles Davis e Sun Ra. Em meio a tudo isso, Gil fechou contrato com o selo Famous Music, da Paramount Pictures, e o artista lançou um álbum com músicas apenas em inglês. Intitulado Gilberto Gil, também conhecido como "Nêga", o álbum impulsionou a carreira internacional de Gil, levando-o a Nova York, onde realizou uma série de apresentações no Village Vanguard e em teatros universitários. A britânica Philips contatou Gil com o objetivo de lançar um novo álbum. A cantora chegou a gravar algumas músicas, mas acabou abandonando o projeto devido à possibilidade de retornar ao Brasil. Caetano já havia retornado ao país, e Gil partiu em janeiro de 1972, com a família, e desde então, percorreu as principais capitais do país com o show "Gilberto Gil: Em Concerto", que durou dois anos e continha repertório de futuros álbuns.
1972–76: Expresso 2222, Refatoração e Doces Bárbaros
Quatro canções de Gil foram publicadas na revista Bondinho, entre as quais "Expresso 2222", que dá nome ao próximo disco do cantor. As gravações desse novo projeto começaram em abril, tendo sido lançado em junho o primeiro single, "Cada Macaco no Seu Galho (Chô Chuá)", com a participação de Caetano Veloso. "Chiclete com Banana" é o lado b do single. O lançamento do Expresso 2222 ocorreu em julho. Esse foi o primeiro emprego de Gil quando voltou ao Brasil. Não é à toa que Gil canta "Back in Bahia", uma canção que retrata a ferida de uma saudade, enquanto "Pipoca Moderna" traz a presença da Banda de Fífanos de Caruaru e, na faixa-tema, Gil mostra suas habilidades no violão. Iniciou-se então a turnê do álbum e, nessa época, foi lançado o álbum Barra 69: Caetano e Gil ao Vivo na Bahia, gravação do show dos dois em 1969, antes da saída para o exílio. Em dezembro, passou uma temporada com Gal Costa, se apresentando no Teatro João Caetano, no Rio de Janeiro. No ano seguinte, Gil e Gal foram à França se apresentar no Midem, em Cannes, e no teatro Olympia, em Paris - que seria transmitido pela televisão francesa em novembro do mesmo ano. Ao retornar ao Brasil, iniciou as gravações de um novo disco, Cidade do Salvador, que só seria lançado em 1999; a produção do projeto acabou sendo arquivada. Porém, em março, Gil lançou o single "Meio de Campo", que ganhou destaque com a b-side "Eu Só Quero Um Xodó", canção original de Dominguinhos e Anastácia, e que se tornou uma das principais canções de Gilberto. Em abril deu início a uma série de apresentações no Teatro Opinião, no Rio de Janeiro. E, no mês seguinte, durante o evento "Phono 73", promovido pela Philips Records, no Palácio das Convenções do Anhembi, em São Paulo, Gil e Chico Buarque foram impedidos pela censura do regime ditatorial de interpretar a música "Cálice" , feito pelos dois especialmente para esta ocasião. Quando os dois começaram a cantar a música, eles estavam com os microfones desligados. A música já havia sido apresentada aos censores, sendo recomendado que não fosse tocada.
Gilberto Gil, em 1972.
No início de 1974, ao lado de Caetano Veloso, Gil se apresentou no Teatro Vila Velha, em Salvador. Esse show foi gravado e, posteriormente, em abril do mesmo ano, lançado em disco, intitulado Season of Summer. "Maracatu Atómico", canção de Jorge Mautner e Nélson Jacobina, foi o primeiro single do projeto, a ser lançado em fevereiro. Foi nessa época que Gil começou a administrar sua própria carreira, saindo para trabalhar com o empresário Guilherme Araújo, e foi para São Paulo fazer uma série de apresentações no Teatro da Universidade Católica, que, assim como as apresentações em Vila Velha, foi gravado e lançado em dezembro com o título Gilberto Gil: Ao Vivo. No ano seguinte é lançado Gil & Jorge: Ogum, Xangô, álbum lançado por Gil e Jorge Ben. Neste, os dois cantam e tocam suas próprias músicas. Mas então Gil começou a produzir um novo álbum, Refazenda. Foi lançado em 1975, e contou com um tour por 45 municípios brasileiros, com o objetivo de divulgar o projeto. [16] Este é um dos dois principais álbuns de Gil, ao lado de Refavela (1977) - gravado após uma viagem ao continente africano - e Highlight (1979).
Em 24 de junho de 1976, Caetano Veloso, Gal Costa, Gilberto Gil e Maria Bethânia realizaram um show conhecido como "Doces Bárbaros", em homenagem a Bethânia, no Palácio das Convenções do Anhembi. Essa apresentação virou uma turnê que durou até o dia 7 de julho, quando Gil e Chiquinho Azevedo - então baterista - foram presos por porte de maconha, em Florianópolis], em Santa Catarina. O juiz decidiu internar os dois no Instituto Psiquiátrico São José, próximo a Florianópolis, de onde partiram no dia 20 para iniciar tratamento ambulatorial periódico no Sanatório Botafogo, no Rio de Janeiro. Em seguida, o quarteto voltou a se apresentar, agora, no Canecão, onde permaneceu no palco por dois meses, batendo recordes de bilheteria na época. Essa turnê virou documentário, Os Doces Bárbaros, de Jom Tob Azulay, e um álbum, Doces Bárbaros: Ao Vivo, lançado pela PolyGram. Hoje, o álbum é considerado uma “obra-prima”, porém, na época de seu lançamento (1976), foi fortemente criticado. Inicialmente, o projeto seria gravado em estúdio, mas, por sugestão de Gal e Bethânia, decidiu-se que seria melhor uma gravação ao vivo, com quatro músicas gravadas, previamente gravadas em estúdio e lançadas como singles - ” Esotérico ",“ Chuckberry Fields Forever ”,“ São João Xangô Menino ”e“ O Seu Amor ”. Em setembro Gil retomou a turnê da Refazenda, que passou por 58 cidades do país.
1977–1980: Revelação, Refestancia e Aprimoramento
Em janeiro e fevereiro de 1977, Gil foi a Lagos, na Nigéria, para participar, ao lado de Caetano, do II Festival Mundial de Arte e Cultura Negra. A partir daí, passou a trabalhar o tema afro em suas canções. A cantora passou cerca de um mês no país, tempo que serviria de base para o próximo álbum. De volta ao Brasil, iniciou-se a produção deste, e "Sítio do Picapau Amarelo", a primeira música de trabalho do disco, foi lançada em março, mês em que Gil iniciou as gravações do novo material. Em seguida, a cantora fez uma polêmica apresentação para alunos de um colégio paulista; os alunos exigiam do artista uma posição política de esquerda condizente com a deles e acabavam vaiando Gil. Em maio, Refavela foi lançado e a primeira fase da turnê do álbum começou no outono. Em outubro, Gil juntou-se a Rita Lee e deu início a uma série de espectáculos denominada "Refestança". Este foi gravado e lançado pela Som Livre com o mesmo nome. No ano seguinte, o contrato com a Philips terminou, mas antes disso, a cantora gravou seis faixas para um disco de Samba de breque, completadas por antigas gravações de Germano Mathias. Este projeto foi lançado em maio com o título de Antologia do Samba-Choro. Em 1978, Gil foi convidado a participar do Festival Internacional de Jazz de Montreux, na Suíça, comemorado no dia 14 de julho. Foi o primeiro brasileiro a se apresentar no festival, ao lado de A Cor do Som e Silvinho. Esta performance foi gravada e lançada pela Warner Music e suas afiliadas em agosto do mesmo ano. Antes disso, o cantor iniciou uma curta turnê durante o verão europeu, e posteriormente mudou-se para os Estados Unidos com a família, morando em Los Angeles e trabalhando no material para um novo álbum, exclusivamente para o mercado externo, com produção de Sergio Mendes. Foi no ano seguinte, precisamente em março e maio, que deu início a uma digressão por várias cidades americanas, principalmente em teatros universitários, para divulgar o seu novo álbum Nightingale. Gil se tornou o primeiro negro a ingressar no Conselho Estadual de Cultura da Bahia - do qual também participava Maria Bethânia -, o que aconteceu em julho. "No Woman, No Cry" foi lançado em maio e se tornou um grande sucesso na carreira da cantora, vendendo cerca de 750 mil cópias. Essa música anunciava o novo projeto que começa a ser gravado nos Estados Unidos e que foi lançado em agosto. Destaque, fez turnê com cinquenta e uma apresentações, em trinta cidades brasileiras e, ao lado do jamaicano Jimmy Cliff, se apresentou em academias e estádios de cinco capitais brasileiras, inclusive gravando um especial na Rede Globo. Ainda em 1980, Gil foi eleito vereador em sua cidade natal, Salvador. Além disso, o artista assumiu outros cargos administrativos na área cultural, fazendo constantes viagens à África Ocidental.
1981–85: Luar, Um Banda Um, Extra e uma carreira de 20 anos
Em novembro e dezembro de 1980, teve início a gravação de Luar (A Gente Necessidade Ver o Luar), o primeiro de muitos discos produzidos por Liminha. em março de 1981, com uma turnê que começou no dia 31 de março, durou seis meses, passou pela Europa, Estados Unidos e Argentina. No início deste ano, Gil conquistou a Medalha de Gratidão Anchieta da Prefeitura de São Paulo da Câmara Municipal de São Paulo e, em abril, a Rede Globo apresentou um especial sobre o cantor, intitulado Gilberto Passos Gil Moreira. Em setembro de 1981, foi lançado o single "Sonho Molhado". Brasil, disco de João Gilberto, Caetano Veloso e Gil foi lançado em junho pela Warner, e contém a participação de Maria Bethânia em uma das faixas. Durante os dois primeiros meses de 1982, o cantor iniciou a produção de um novo álbum voltado para o mercado externo, que seria o seu segundo. No entanto, o projeto foi arquivado pelo próprio Gil. Iniciou então uma série de apresentações intitulada "voz e violão" nos meses de abril e maio, após as quais iniciou a gravação de um novo álbum, Um Banda Um, e durante sua produção fez uma turnê pela Europa, finalizada em Israel. Em agosto foi lançada Um Banda Um, acompanhada por "Andar com Fé", a primeira música de trabalho deste novo projeto. Sua turnê brasileira começou em agosto e, em dezembro, Gil teve sua casa, uma fazenda na Estrada dos Bandeirantes, em Jacarepaguá, no Rio de Janeiro, roubada. E nessa época, depois de tudo isso, a editora Currupio, lançou um livro que contém coletâneas de entrevistas com Gil, textos sobre ele e outros arquivos, organizados, escritos e publicados pelo baiano Antonio Risério. A turnê da Um Banda Um continuou em maio e julho de 1982 pelos Estados Unidos, Europa, e depois México e Colômbia, antes de retornar ao Brasil, onde a cantora já estava desenhando novos conteúdos para o próximo álbum, a ser lançado em setembro com o título de Extra. Essa nova obra contaria com uma turnê que duraria um mês no Palace, em São Paulo, e depois de passar por várias cidades do país, chegando ao Rio de Janeiro, onde ficou exposta no Canecão de dezembro a janeiro, antes de partir. para outras apresentações em Salvador e Buenos Aires.
Em 1984, Cacá Diegues dirigiu a produção cinematográfica franco-brasileira Quilombo, baseada nos livros Ganga Zumba, de João Felício dos Santos, e Palmares, de Décio de Freitas. Gilberto Gil foi convidado para produzir a trilha sonora do filme, e no mesmo ano foi lançado em outubro, na Europa, o álbum com as canções do filme, pela Warner. Nesse ínterim, Gil se apresentou na Europa e nos Estados Unidos, nos meses de junho e julho, e, após se apresentar em Israel, voltou ao Brasil para produzir outro álbum, Raça Humana. Com exceção da música "Vamos Fugir", que foi gravada na Jamaica e contou com a participação do grupo The Wailers e a versão em inglês da faixa foi lançada como single na Europa, o álbum foi produzido no estúdio Nas Nuvens, inaugurado da Gil e Liminha, localizada no Jardim Botânico, no Rio de Janeiro. Em setembro as gravações do álbum já estavam concluídas e o material começou a ser produzido. Gil se apresentou em Nova York, mas voltou ao Rio de Janeiro para o lançamento do álbum e estreia da turnê, no Canecão, no dia 25 de outubro de 1984. No ano seguinte, de 9 a 12 de janeiro de 1985, aconteceu a primeira edição do o festival de música Rock in Rio, do qual Gil participou. Em abril, começaram as gravações do novo material para o futuro álbum, que só foi finalizado em agosto. Nos meses de junho e julho, a cantora fez turnês pela Europa e Estados Unidos e, três meses depois, lançou o álbum Dia Dorim Noite Neon. Em novembro, o artista comemorou 20 anos de carreira com um grande evento em São Paulo, organizado pelo letrista baiano Waly Salomão. Intitulada “Gil: 20 anos-luz”, a semana de shows contou com apresentações, debates, filmes, leituras e apresentações de grandes nomes da música brasileira da época. Depois disso, Gil iniciou a turnê para promover seu álbum recém-lançado.
1986-1990: engajamento político e viver em Tóquio
Nélson Pereira dos Santos, produziu em 1987 o filme Jubiabá, baseado na obra homônima de Jorge Amado, e convidou Gil para fazer a trilha sonora, em 1986. Por volta do mês de abril, Gil se apresentou em voz e violão na Sala Dourada , no Copacabana Palace, por meio do projeto "Luz do Solo". Seu parceiro de escrita Jorge Mautner participou do show. Mas foi no dia 6 de maio que Gil recebeu de Tom Jobim o Golfinho de Ouro - que Gil já havia recusado uma vez -, prêmio do Governo do Estado do Rio de Janeiro, na época de Leonel Brizola, em cerimônia seguida de apresentação no o Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Nos meses de junho e julho, Gil foi à Europa para a turnê Dia Dorim Noite Neon. Lá, foi convidado a participar do movimento francês SOS Racisme, na praça da Bastilha, se apresentando na mesma noite com artistas franceses e africanos. De lá, fez sua primeira apresentação no Oriente, no Japão; o passeio também incluiu passagens pelos Estados Unidos, Canadá e Caribe. Em 1987, o artista tornou-se presidente da Fundação Gregório de Matos, instituição voltada para a revitalização da cultura afro-brasileira. Durante sua gestão, intensificou a relação Bahia-África, tanto que foi inaugurada uma Casa do Benin em Salvador e, na África, uma Casa da Bahia. Gil estava por trás de um projeto de restauração do centro histórico de Salvador, da italiana Lina Bo Bardi e sua equipe. Simultaneamente à carreira política, Gil foi responsável pela trilha sonora do filme Um Trem para as Estrelas, de Carlos Diegues, lançado pela Som Livre. Gilberto Gil: No Concerto, foi lançado em março. É a gravação da apresentação do artista no Copacabana Palace, em 1986. Para divulgar esse novo trabalho, o artista se juntou a Jorge Mautner e estreou em São Paulo "O Poeta e o Esfomeado", show que passaria por vinte cidades do Brasil. Sua apresentação em Tóquio foi lançada no Japão em maio, e o álbum Soy Loco por Ti, America começou a ser gravado, principalmente para o mercado internacional. Nos meses seguintes, Gil fez uma turnê pelos Estados Unidos e Europa e, em agosto, foi lançado o álbum Soy Loco por Ti, America.
Em 2 de março de 1988, Gil se lançou oficialmente como pré-candidato a prefeito da cidade de Salvador. Saiu no dia 14 de julho do cargo de presidente da Fundação Gregório de Mattos, por conta de campanha política. Antes disso, ele foi à Europa e aos Estados Unidos para uma curta turnê. Em agosto, decidiu concorrer à Câmara dos Vereadores pelo Partido do Movimento Democrático Brasileiro (PMDB), nas eleições de 15 de novembro. Em agosto, a editora Paz e Terra lançou O Poético e o Politico, de Gil e Antonio Risério, e o álbum Gilberto Gil: Ao Vivo em Tokyo, e o artista foi ao Japão fazer uma turnê e foi eleito vereador com maior número de desejos. Ele voltou ao Rio para uma nova temporada de shows por lá. Um novo álbum começou a ser planejado e, em janeiro e fevereiro de 1989, as gravações começaram. Com autorização da Câmara, deu início à turnê nacional, no dia 22 de maio, para divulgar seu novo álbum, O Eterno Deus Mu Dança, lançado em junho. Gil foi aos Estados Unidos e Europa divulgar seu novo trabalho. Em fevereiro de 1990, seu filho mais velho Pedro morreu em um acidente de carro e Gil decidiu viajar para a Europa. E naquele ano, em 5 de junho, recebeu do então Ministro da Cultura da França, Jack Lang, o título de cavaleiro da Ordem das Artes e Letras (Ordre des Arts et des Lettres, em francês), e acabou estendendo a Europa e Estados Unidos Para Japão. Em novembro, a Warner Music, por meio da gravadora WEA, começou a relançar em formato de CD todos os álbuns de Gil, anteriormente lançados em vinil pela gravadora. Ainda em novembro, o artista foi homenageado com o Prêmio X Shell de Música Brasileira, pelo conjunto de sua obra.
1991–95: Parabolicamará, Tributes and Unplugged
Em janeiro e fevereiro de 1991, Gil fez uma turnê pela Europa. Porém, meses depois, no dia 10 de março, fez uma pausa e, ao lado de Tom Jobim, Caetano Veloso, Sting e Elton John, se apresentou no Carnegie Hall em Nova York. Depois, ainda nos Estados Unidos, começou a gravar material para o álbum do saxofonista americano Ernie Watts, intitulado Afoxé, lançado pela CTI Records. Em junho e julho, retomou a turnê pela Europa e, em novembro, começou a gravar o material de seu novo álbum, Parabolicamará, lançado em janeiro de 1992. O lançamento do projeto e o início da turnê foram marcados por um grande show na praia de Copacabana, no Rio de Janeiro. Em março, partiu para a Europa para vinte apresentações acústicas, apenas com voz e violão. Essas apresentações não tiveram nenhuma ligação com a turnê de Parabolicamará - que só partiu para a Europa após as comemorações dos 50 anos do cantor. Em outubro, a editora e a gravadora Lumiar lançaram o primeiro volume do livro Songbook Gilberto Gil, que contém acordes cifrados e letras de 130 músicas do compositor. O segundo volume contém três álbuns, nos quais 38 faixas são interpretadas por diversos nomes da música brasileira. Da Europa, Gil partiu para Nova York, onde passou um mês inteiro (novembro) se apresentando no Bowery Ballroom, apenas voz e violão. Ao retornar ao Brasil, no dia 19 de dezembro, fez um grande show no vale do Anhangabaú, em São Paulo.
Com o fim do mandato vereador, Gil abandonou a política e, em 1993, gravou com Caetano Veloso um disco comemorativo de 26 anos de tropicalismo e 30 anos de amizade. Em julho, foi homenageado na noite brasileira do XXVII Festival Internacional de Jazz de Montreux, com o show "Gilberto Gil e Amigos", do qual participaram Caetano, Gal Costa, Chico Buarque, Dominguinhos e o Trio Esperança. Durante os meses de julho e agosto, fez turnês pela Europa e Estados Unidos, e depois voltou ao Brasil, a partir daí, para lançar o Tropicália 2 com Caetano, pela PolyGram. Os dois fizeram uma apresentação do álbum na Praça da Apoteose, no Rio de Janeiro, no dia 25 de setembro, e a seguir, no dia 2 de outubro, no Pólo de Arte e Cultura do Anhembi, em São Paulo. Em setembro, a PolyGram começou a relançar todos os álbuns remasterizados de Gil, anteriormente lançados pela Philips como um disco de vinil, dentro de uma série "Collector". E no mês seguinte, Gil voltou com a turnê de Parabolicamará, indo em novembro para a Alemanha, com Marisa Monte, para várias apresentações no país.
No dia 18 de janeiro de 1994 Gil gravou o programa Acústico, na MTV. A performance foi gravada e posteriormente lançada mundialmente pela Warner Music, como álbum e home video intitulado Gilberto Gil: Unplugged. Enquanto o lançamento do acústico não acontecia, Gil levou a apresentação, promovendo o álbum Tropicália 2, ao Parque de Exposições, em Salvador, no dia 28 de janeiro. E no carnaval daquele ano, a artista, ao lado de Caetano, Gal e Bethânia, os Doces Bárbaros, foram homenageados pela Escola de Samba Estação Primeira de Mangueira, com o samba-enredo “Atrás do Verde e Rosa, Só Não Vai Quem Has faleceu". O quarteto se apresentou na quadra da escola, e participou de desfile no Sambódromo da Marquês de Sapucaí, no Rio de Janeiro. Em abril, a gravadora disponibiliza o álbum acústico. O lançamento aconteceu na Sala Cecília Meireles, com uma apresentação que faria um tour pelo país, voltando ao Rio em setembro. Durante o VII Prêmio Sharp de Música, realizado em 4 de maio de 1994, no Theatro Municipal do Rio de Janeiro, Gil recebeu de Dorival Caymmi uma homenagem por sua importância para a música nacional. Com o Doce Barbaros, Gil viajou para Londres. Lá, o quarteto se apresentou no Royal Albert Hall, show com a participação da bateria da Mangueira. Lá, Gil e Caetano mostraram o show "Tropicália Duo", uma transposição das performances da Tropicália 2, na Europa e nos Estados Unidos. Ainda em 1994, precisamente em novembro, Gil gravou em Oslo, na Noruega, a participação no álbum do baixista Rodolfo Stroeter, que contou ainda com a participação da cantora Marlui Miranda e do percussionista indiano Trilok Gurtu. No final do ano, Gil levou "Tropicália Duo" para o Rio, São Paulo e Belo Horizonte. Para promover o Unplugged, Gil fez uma turnê pelos Estados Unidos e Europa em junho e julho de 1995, começando a gravar novos conteúdos para o próximo álbum nos próximos dois meses. Em outubro, o Free Jazz Festival trouxe ao Brasil grandes nomes da música, como Nina Simone, Ray Charles, entre outros. E Gil participou do festival, se apresentando com Stevie Wonder, no Rio de Janeiro e em São Paulo. No final do ano, Gil foi um dos nomes do show de réveillon na praia de Copacabana, ao lado de Gal Costa, Chico Buarque, Milton Nascimento e Paulinho da Viola, interpretando o repertório de Tom Jobim, com participação da bateria da mangueira.
1996–2000: Festivais, Quanta, Grammys e Filhos de Gandhy
Em janeiro de 1996, Gil se apresentou na última edição do festival Hollywood Rock, realizado no Rio de Janeiro e em São Paulo pela tabacaria Souza Cruz, onde recebeu convidados como Fernanda Abreu, Lulu Santos e Lobão Meses depois, a agência Denison Bates lançou a música "Communidária", escrita e interpretada pela cantora, em disco do projeto Comunidade Solidária. Este álbum foi distribuído aos clientes-alvo da campanha. No final de março, Gil participou, ao lado do percussionista Naná Vasconcelos, da terceira edição do festival internacional PercPan, realizado em Salvador - este mesmo festival teria sua próxima edição organizada por Gil e Naná, com a presença de onze artistas de seis países Assim Como nos anos anteriores, nos meses de junho e julho, Gil esteve na Europa e nos Estados Unidos para diversas apresentações e, em novembro, foi lançado pela Companhia das Letras o livro Gilberto Gil: Todos as Letras, editado por Carlos Rennó. O livro traz comentários do artista sobre a composição de oitenta de suas canções. No dia 14 de dezembro, Gil se apresentou na sede da Embratel, no Rio de Janeiro. Este show foi transmitido em tempo real pela internet, onde Gil lançou o primeiro single do novo álbum, "Pela Internet", disponível a partir de janeiro de 1997. Em abril, foi lançado o álbum duplo Quanta. Sua turnê começou em São Paulo, e foi para o Rio, onde ficou uma temporada inteira no Canecão. No dia 25 de maio, o artista foi a São Paulo, onde se apresentou para 35 mil pessoas na Praça da Paz, no Parque do Ibirapuera. Em seguida, voltou a seguir a turnê da Quanta, indo para o interior do estado de São Paulo e viajando o resto do ano, outras partes do Brasil, e depois a turnê indo para países da Europa. A turnê acabou virando um álbum ao vivo, e a gravação aconteceu nos dias 13 e 14 de agosto, gravada no Teatro João Caetano, no Rio. O álbum foi lançado em fevereiro de 1998, com o título Quanta Gente Veio Ver, também conhecido como Quanta: Live. Em junho e julho de 1998, Gil lançou a turnê "Twentysummers", que comemora os vinte anos consecutivos do artista pela Europa no verão. No selo Pau Brasil, o artista lançou mais um álbum, Sol de Oslo - projeto coletivo que compartilho com o baixista e produtor Rodolfo Stroeter, a cantora Marlui Miranda, o percussionista indiano Trilok Gurtu, o tecladista norueguês Bugge Wesseltoft e o acordeonista Toninho Ferragutti. Com apresentação de Gilberto Gil, o documentário produzido pelo canal GNT e pela Convisão Filmes, intitulado Pierre Verger: Mensageiro entre Dois Mundos, sobre o fotógrafo e etnólogo francês radicado na Bahia.
Em 25 de fevereiro de 1999, o álbum ao vivo Quanta Gente Veio Ver foi eleito Álbum do Ano na categoria "Música do Mundo" do Grammy. Gil receberia a estatueta do Grammy, em apresentação realizada no Rio e em São Paulo, em maio do mesmo ano. No mês seguinte, a Universal Music lançou a caixa Ensaio Geral, composta por treze discos produzidos por Marcelo Fróes. O material cobre os lançamentos do artista pela Philips Records e PolyGram, entre 1966 e 1977, e também contém novas músicas. No final do mês, aconteceu a quinta edição do PercPan, dirigido por Gil e Naná Vasconcelos. Nos meses de junho e julho, Gil fez turnê pela Europa e Estados Unidos, mas voltou ao Brasil no dia 25 de julho, para uma apresentação com Ivete Sangalo para 90 mil pessoas, na Praça da Paz, no Parque do Ibirapuera. Em setembro, a editora UnB lançou o livro de Bené Fonteles, intitulado GiLuminoso, que traz um álbum gravado pela artista especialmente para este projeto. Ainda em novembro, ao lado de Caetano, Gal Costa, Chico Buarque, Elza Soares e Virgínia Rodrigues, a artista fez uma apresentação conhecida como "Since Samba Has Been Samba", no Royal Albert Hall, em Londres. Em 27 de fevereiro de 2000, a Conspiração Filmes lançou o documentário Filhos de Gandhy, parcialmente gravado na Índia, e apresentado pela primeira vez no canal GNT. O documento foi dirigido por Lula Buarque de Hollanda, sob a direção de Gil. Em março, o artista participou do carnaval de Salvador com seu próprio trio elétrico, chamado "Chame-gente", e começou a gravar um novo trabalho, com Milton Nascimento. A sexta edição do PercPan - assim como as anteriores, dirigidas por Gil e Naná Vasconcelos -, foi dividida entre Salvador e São Paulo, e em maio segue Paris. Nessa época, Gil foi escolhido para desenvolver a trilha sonora do filme Eu, Tu, Eles. O álbum, intitulado Gilberto Gil e as Canções de Eu, Tu, Eles, contém clássicos de Luiz Gonzaga, e contou com uma turnê nacional de mesmo nome. Em outubro, o conteúdo gravado com Milton Nascimento terminou de ser produzido e a Warner Music lançou o álbum Gil & Milton. Os dois iniciaram a turnê de divulgação do projeto em novembro, e durou até dezembro. Os dois se apresentaram no 3º Rock in Rio, e Gil sobre um descolamento de retina em seu olho direito e foi operado.
2001-05: Eletrocústica, "Nobel da Música" e prêmios
Durante o carnaval de 2001, Gil marcou presença no seu trio elétrico, o Expresso 2222, e no seu camarote. No mês seguinte, o artista voltou a se apresentar, divulgando o álbum lançado por ele e Nascimento. Em abril, a artista começou a gravar material para um álbum especial para as festas de santos populares. São João Vivo foi lançado em maio pela Warner Music e rendeu ao artista um disco de ouro no Brasil. Impulsionada por esse novo trabalho, a cantora apresentou em junho o show "Arraial de Gilberto Gil", no Aterro do Flamengo, no Rio de Janeiro, que marcou o início das filmagens do documentário Viva São João !, de Andrucha Waddington, lançado em no próximo ano em 14 de junho - nos cinemas. Antes disso, Gil se apresentou com o pianista japonês Ryuichi Sakamoto e o Quarteto Jobim-Morelenbaum no Teatro Alfa, em São Paulo. Depois disso, ele iniciou uma turnê pela Europa, e foi para a Jamaica em novembro para gravar um novo álbum, Kaya N'Gan Daya. A oitava edição do festival PercPan aconteceu em Recife, em Pernambuco, agora, além de Gil, sob a direção do percussionista Marcos Suzano. A gravação do versátil álbum digital Kaya N'Gan Daya aconteceu no DirecTV Music Hall, em São Paulo. O álbum foi finalizado no estúdio Palco, instalado nas instalações da produtora de Gil, a Gege, na Gávea, zona sul da cidade do Rio de Janeiro. O novo álbum foi lançado em maio, e contou com uma turnê homônima que estreou no Canecão.
Toda a discografia de Gilberto Gil lançada pela Warner Music entre 1975 e 2002 foi lançada em caixa em novembro. Sob a produção de Marcelo Fróes, o material teve vasto material inédito, como demos, sobras de discos, e também a trilha sonora do filme Quilombo, por exemplo. Nos dias 7 e 8 de dezembro, os Doces Bárbaros se reuniram para duas apresentações: uma na Praça da Paz, no Parque do Ibirapuera, em São Paulo; e outra, no dia seguinte, na praia de Copacabana, no Rio de Janeiro. Ainda em dezembro, o cantor aceitou o convite do então presidente da república, Luiz Inácio Lula da Silva, e se tornou ministro da Cultura. Depois do Natal, a artista gravou um "ao vivo" de Kaya N'Gan Daya, no Teatro João Caetano. Este, seria lançado em abril de 2003, com apresentações de divulgação. Com licença de um mês do MinC, a artista foi à Europa, para várias apresentações com Maria Bethânia. Em setembro, recebeu o prêmio de Personalidade do Ano no Grammy Latino de Miami, Estados Unidos. No ano seguinte, Gil foi a atração do segundo Rock in Rio realizado em Lisboa, Portugal. Uma turnê com dez apresentações pela Europa aconteceu em julho, e de 13 a 15 de agosto o artista foi a São Paulo para apresentar o show "Eletracustico". Em seguida, ele viajou para Genebra, na Suíça, para participar do "Piece Concert" nas Nações Unidas, em memória das vítimas do ataque à sede da organização em Bagdá.
No mês seguinte, Gil foi ao Rio de Janeiro gravar o show "Eletracustico". O produtor do álbum, Tom Capone, morreu no dia 2 de setembro, em um acidente de motocicleta nos Estados Unidos, e Liminha foi chamada para produzir o projeto, dirigido por Bernardo Palmeiro. Foi Capone quem convenceu Gil a gravar o show, e o artista dedicou o projeto a ele. A gravação do álbum ocorreu de 10 a 12 de setembro, no Canecão. E Eletracustico foi lançado em 26 de novembro de 2004, pela Warner Music. Gil ganhou o prêmio Polar Music of the Year da Royal Swedish Academy of Music. O prêmio é considerado o “Nobel da Música Popular”, e foi concedido ao artista por seu “compromisso criativo em levar o coração e a alma da música brasileira ao mundo”, bem como por seu “imenso talento, curiosidade e firme convicção cultural". No ano seguinte, o artista venceu o Prêmio Multishow de Música Brasileira, na categoria "Música", com "Vamos Fugir", foi a Paris para apresentar o show "Viva Brasil", na Praça da Bastilha, que reuniu quase 100 mil pessoas . Eletrocústica, foi indicado ao VI Grammy Latino, como "melhor álbum da música popular brasileira", mas perde para Cantando Histórias, de Ivan Lins. Após receber do governo francês a “Légion D'Honneur Grand Officier”, recebeu a notícia de que a Eletracustico, foi indicada ao Grammy na categoria melhor álbum contemporâneo de world music. No dia 1º de dezembro, o artista lançou, com apresentação no Auditório Ibirapuera, em São Paulo, o DVD Show da Paz: Gil na ONU, gravado em 2003 na sede da entidade, com a participação do então secretário-geral Kofi Annan.
2006–10: As "bandas" e Faith in the Party
Gilberto Gil durante o Teia 2007 na Casa do Conde em Belo Horizonte.
Em 8 de fevereiro de 2006, Gil ganhou o segundo Grammy de sua carreira, com a Eletracustico. Com dois anos sem compor, Gil escreveu o "Ballet de Berlin", feito para a Seleção Brasileira. Foi lançado um single promocional, "Ballet Berlin", uma homenagem à Copa do Mundo FIFA. No dia 25 de maio, o artista se apresentou em Berlim, Alemanha, dando início à "Copa da Cultura", e continuou a turnê pela Europa, apresentando-se em Bruxelas, Roma, Milão, Istambul, Paris, Montreux, Córsega, Barcelona, Madrid e Girona, entre outros. No Brasil, Gil recebeu o título de homenagem dos Afoxés Bisnetos de Gandhy, em Maceió, Alagoas, lançando o álbum Gil Luminoso no início do mês seguinte, pela Biscoito Fino. A turnê internacional de divulgação do álbum, intitulada "Banda Larga", começou em julho de 2007. E no dia 8 de agosto, a cantora participou do Festival de Jazz Marciac, na França. O projeto foi indicado ao 50º Grammy na categoria de melhor álbum de world music contemporâneo. Gil, tornou-se o primeiro artista brasileiro a ter um canal exclusivo no site de vídeos YouTube e, em 15 de maio de 2008, lançou a Banda Larga Cordel, na internet. O álbum apresenta uma turnê homônima que abrangeu os Estados Unidos e a Europa durante junho e julho, e a América Latina em outubro e novembro. Diante da difícil tarefa de conciliar a agenda ministerial com os projetos pessoais e artísticos, a cantora renunciou ao cargo de ministro da Cultura, em 30 de julho de 2008. Antes, porém, a artista já havia renunciado, em novembro de 2007, mas, o então presidente convenceu Gil fica no cargo. A Banda Larga Cordel foi indicada ao Grammy Latino, na categoria de "melhor álbum cantor-compositor". Em abril de 2009, a artista recebeu o título de Cidadão do Estado do Piauí. Ele foi para a Europa para uma turnê de verão chamada "Here and Now". Durante a viagem, recebeu um diploma da cidade de Milão, por ser um “embaixador da cultura e da consciência crítica do Brasil moderno, alma política de seu próprio país, além de símbolo universal de compromisso social e apoio à luta contra pobreza e fome no Brasil. mundo ", segundo a então prefeita Letizia Moratti. Ao retornar ao Brasil, gravou um novo projeto ao vivo. Intitulado BandaDois, o show foi gravado no Teatro Bradesco no Shopping Bourbon, em São Paulo, nos dias 28 e 29 de setembro, sob a direção da cineasta brasileira Andrucha Waddington. O show consiste em uma apresentação apenas com "voz, violão e alguns convidados". Em novembro, Gil fez uma turnê pela Europa com o projeto "The String Concert", ao lado de seu filho Bem e Jaques Morelembaum. Em Dezembro de 2009, o BandaDois chegou às lojas, e a cantora continuou com a digressão "The String Concert", agora pelos Estados Unidos.
Em 11 de junho de 2010, Gil lançou seu 57º álbum, pela Universal Music. Intitulada Fé na Festa, a obra foi totalmente voltada às festas de santos populares - e também lançada no início das festividades -, com canções de maxixe, baião, xote e forró, consideradas por vários críticos como um “retorno às origens da o baiano "- já que este recebeu, ainda criança, grande influência de Luiz Gonzaga. Entre as canções do projeto estão "Aprendi com o Rei", homenagem a Gonzaga, "Dança da Moda", "Marmundo", entre outras. diferentes regiões do país, promovendo o álbum. Essa sequência de shows também percorreu a Europa, conhecida como "For All", com uma recepção calorosa. Meses depois, Rentante chegou às lojas de todo o país. É um álbum duplo com 32 músicas do início da carreira de Gilberto Gil - de 1962 a 1966. Grande parte desse álbum contém faixas feitas apenas com voz e violão, entre as composições estão "Roda", "Me Diga", "Moço" , "Ensaio Geral", entre outros. A pesquisa e o resgate foram realizados pelo pesquisador Marcelo Fróes, acompanhado por Gil. Sobre a direção de Andrucha Waddington, a turnê do álbum Fé na Festa virou documentário, com performance gravada no Retiro dos Artistas, em Jacarepaguá, no Rio de Janeiro. Fé na Festa: Ao Vivo, foi lançado em 9 de dezembro de 2010, e depois da apresentação.
2011–17: The Conspiracy, 70 Years and Other Projects
Meses após o lançamento do documentário Fé na Festa, os cineastas Andrucha Waddington e Lula Buarque de Hollanda, sócios da Conspiração Filmes, lançaram uma caixa contendo sete DVDs lançados / sobre Gilberto Gil e sua carreira. A Conspiração de Gilberto Gil contém documentário dirigido por Hollanda (Pierre Verger: Mensageiro entre Dois Mundos - narrado por Gil - Filhos de Gandhi e Kaya N'gan Daya), enquanto Waddington assina as canções (Banda Dois e iva São João!, Além do filme Eu, Tu, Eles - cuja trilha sonora é assinada por Gil - e o documentário Tempo Rei, co-dirigido por Hollanda). [80] [81] Gravado no Teatro Tom Jobim, no Jardim Botânico do Rio de Janeiro, em outubro de 2011, Gil +10: O Retrato da Música Brasileira, é um show acústico, onde Gil recebeu dez convidados para interpretar canções de seu repertório. O projeto foi promovido pela MPB FM e lançado pela Go2Music. Foram convidados Ana Carolina, Erasmo Carlos, Lenine, Maria Gadú, Mart'nália, Os Paralamas do Sucesso, Dona Ivone Lara, Milton Nascimento, Zeca Pagodinho e Preta Gil.
Gil se apresentando em São Paulo, novembro de 2018.
Em 10 de setembro de 2011, foi anunciado que o artista seria protagonista de um documentário dirigido pelo suíço Pierre Yves e pelo francês Emmanuel Gétaz e produzido pelo brasileiro Daniel Rodriguez, sobre o cantor e suas viagens por três países do Sul Hemisfério: Brasil, África do Sul e Austrália; retratando as conexões político-geográficas que os unem. O documentário também deve conter cenas do carnaval de Salvador nos terreiros de candomblé, e dos encontros de Gilberto Gil com pensadores e artistas sul-africanos, poetas e lideranças e cantores australianos. Conectando Sul: O Novo Mundo ainda não tem data de lançamento, mas tem previsão de lançamento em 2012. Inspirada na canção "Domingo no Parque" (1967), a Cia. De Teatro O Cidadão de Papel editada sob direção de Marcos Oliveira, em Salvador . Segundo o autor Leandro Rocha, "a peça 'Domingo no Parque' também é uma homenagem a Gilberto Gil, que consegue abordar diversos temas em sua obra musical, muitos deles cenicamente."
Para comemorar os 70 anos, a artista deu início, no dia 18 de maio de 2012, a uma mini turnê conhecida como “Concerto de Cordas e Máquinas de Ritmo”. Apresentou-se em algumas cidades do país, ao lado de orquestras, como a Orquestra Sinfônica da Bahia - que acompanhou o artista em sua estreia no Teatro Castro Alves, em Salvador. Após a apresentação no Theatro Municipal do Rio de Janeiro, no dia 28 de maio, onde gravou o DVD comemorativo ao lado da Orquestra Petrobras Sinfônica, a série de apresentações seguiu para a Europa. O projeto, originalmente, surgiu em 2006, na época do lançamento do álbum Gil Luminoso, porém, apenas em 2012 saiu do papel, que agora conta com a regência dos maestros Jaques Morelenbaum e Carlos Prazeres.
Na véspera do aniversário de Gilberto Gil, o site YouTube exibiu uma hora do show "Concerto de Cordas & Máquinas de Ritmo", gravado no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. No canal oficial do cantor, foi possível encontrar depoimentos exclusivos de vários artistas falando sobre Gil, além de discursos do próprio artista.
No dia 5 de agosto de 2016, ele participou da cerimônia de abertura dos Jogos Olímpicos Rio 2016, cantando Isso Aqui, Que É, ao lado de Caetano Veloso e Anitta.
2018 - presente: OK OK OK, GIL e outros projetos
Em janeiro de 2018, fez show com bateristas da escola de samba Vai-Vai, cujo enredo para o carnaval foi inspirado nele.
Em agosto de 2018 Gilberto Gil lança o álbum OK OK OK pelo selo Biscoito Fino. O álbum foi eleito o 4º melhor álbum brasileiro de 2018 pela revista Rolling Stone Brasil e um dos 25 melhores álbuns brasileiros do segundo semestre de 2018 pela Associação Paulista de Críticas de Arte. Em 2019, ganhou o Grammy Latino de Melhor Álbum de Música Popular Brasileira.
Em agosto de 2019, participou do programa Criança Esperança da Rede Globo, onde cantou uma versão de sua música Palco com a cantora Anitta. No mesmo mês, foi lançada a trilha sonora do Espetáculo do Grupo Corpo, "GIL". Em novembro do mesmo ano, se apresentou com a banda BaianaSystem. Gil também entrou em um processo criativo para escrever novas músicas para o disco Giro (2019) da cantora Roberta Sá, disco produzido por Bem Gil.
Em 1988, mesmo gravando, fazendo shows e se envolvendo em causas sociais, foi eleito vereador em Salvador, sua cidade natal, pelo Partido do Movimento Democrático Brasileiro (PMDB) com exatamente 11.111 votos. Em 21 de março de 1990, ingressou no Partido Verde (PV), como membro do Comitê Executivo Nacional.
Em janeiro de 2003, com a posse do presidente Luiz Inácio Lula da Silva, ele o nomeou ministro da Cultura, indicação que gerou duras críticas de personalidades como Paulo Autran [98] e Marco Nanini em entrevistas à Folha de S . Paulo.
No entanto, ele permaneceu no cargo de ministro por cinco anos e meio. Saiu do Ministério em 30 de julho de 2008 para voltar a se dedicar mais exclusivamente à vida artística. No dia 28 de agosto, ele participou da cerimônia de posse oficial de seu sucessor no ministério, Juca Ferreira.
Posições
Vereador na Câmara Municipal de Salvador: 1989 a 1992 (teve exatamente 11.111 votos).
Ministro da Cultura: 1º de janeiro de 2003 a 30 de julho de 2008.
liberdade digital
Gilberto Gil é um dos principais defensores do Software Livre e da Liberdade Digital. Em 29 de janeiro de 2005, durante um debate sobre Software Livre no Fórum Social Mundial de 2005, ele foi amplamente aplaudido após defender o Software Livre e a Liberdade Digital. Algumas de suas palavras neste debate:
Todo esse movimento visa uma mudança muito maior no comportamento social que repensa a forma como o copyright é tratado hoje.
Lembrando que Gilberto Gil participou recentemente de um álbum gratuito promovido mundialmente pela Creative Commons com a música Oslodum.
Em 11 de março de 2007, o jornal americano The New York Times dedicou um artigo aos esforços de Gilberto Gil para "flexibilizar os direitos autorais". O artigo, intitulado Gilberto Gil Ouve o Futuro, Alguns Direitos Reservados (Gil ouve o Futuro, com alguns Direitos Reservados), elogia o trabalho do ministro da Cultura em relação à aliança firmada com o Creative Commons em 2003, uma de suas primeiras ações como ministro. “Minha opinião pessoal é que a cultura digital traz consigo uma nova ideia de propriedade intelectual e que essa nova cultura de compartilhamento pode e deve informar a política do governo”, disse Gil.
Estilo musical e influências
Gil é tenor, mas canta no registro de barítono ou falsete, com letras e / ou sílabas dispersas. Suas letras abordam temas que vão da filosofia à religião, contos populares e jogos de palavras. O estilo musical de Gil incorpora uma ampla gama de influências. A primeira música a que foi exposto incluía The Beatles e artistas de rua em várias áreas metropolitanas da Bahia. Durante seus primeiros anos como músico, Gil se apresentou principalmente em uma mistura de estilos tradicionais brasileiros com ritmos de duas etapas, como o baião e o samba. Ele conta que "Minha primeira fase foi nos moldes tradicionais. Nada experimental. Caetano [Veloso] e eu seguimos a tradição de Luiz Gonzaga e Jackson do Pandeiro, combinando samba com música nordestina". O crítico de música americano Robert Christgau disse que, ao lado de Jorge Ben, Gil estava "sempre pronto para ir além dos outros gênios do samba / bossa".
Como um dos pioneiros da tropicália, influências de gêneros como o rock e o punk estão presentes em suas gravações, assim como nas de outras estrelas do período, como Caetano Veloso e Tom Zé. O interesse de Gil pela música baseada no blues do pioneiro do rock psicodélico Jimi Hendrix, em particular, foi descrito por Veloso como tendo "consequências extremamente importantes para a música brasileira". Veloso também notou a influência do violonista e cantor brasileiro Jorge Ben no estilo musical de Gil, junto com o da música tradicional. Após o apogeu da Tropicália na década de 1960, Gil passou a se interessar cada vez mais pela cultura negra, principalmente pelo gênero musical reggae jamaicano. Ele descreveu o gênero como "uma forma de democratizar, internacionalizar, falar uma nova língua, uma forma heideggeriana de transmitir mensagens fundamentais".
Em visita a Lagos, na Nigéria, em 1976 para o Festival de Cultura Africana (FESTAC), Gil conheceu os músicos Fela Kuti e Stevie Wonder. Ele se inspirou na música africana e mais tarde integrou alguns dos estilos que ouvira na África, como juju e highlife, em suas próprias gravações. Um dos mais famosos desses discos de influência africana foi o álbum Refavela, de 1977, que incluiu "No Norte da Saudade", música fortemente influenciada pelo reggae. Quando Gil voltou ao Brasil após o asilo, ele se concentrou na cultura afro-brasileira, tornando-se membro do grupo Afoxé de Carnaval Filhos de Gandhy.
Por outro lado, seu repertório musical da década de 1980 apresentou um desenvolvimento crescente de tendências da dança, como disco e soul, bem como a incorporação anterior de rock e punk. No entanto, Gil diz que seu álbum de 1994, Acústico MTV, não foi um rumo tão novo, pois ele já havia se apresentado desconectado de Caetano Veloso. Ele descreve o método de tocar como mais fácil do que outros tipos de performance, já que a energia da execução acústica é simples e influenciada por suas raízes. Gil foi criticado por um envolvimento conflitante na autêntica música brasileira e na arena da world music. Ele teve que seguir uma linha tênue, permanecendo fiel aos estilos tradicionais da Bahia e engajado nos mercados comerciais. Os ouvintes da Bahia têm aceitado muito mais sua mistura de estilos musicais, enquanto os do sudeste do Brasil se sentem em desacordo com isso. [
Milton Nascimento (Rio de Janeiro, 26 de outubro de 1942) é um cantor, compositor e multi-instrumentista brasileiro, reconhecido mundialmente como um dos músicos mais influentes e talentosos da Música Popular Brasileira. Rio de Janeiro, mas mineiro de coração, ficou conhecido nacionalmente quando a canção "Travessia", composta por ele e Fernando Brant, ocupou a segunda posição no Festival Internacional da Canção de 1967. canções, nomes como: Wayne Shorter, Pat Metheny, Björk, Peter Gabriel, Sarah Vaughan, Chico Buarque, Gal Costa, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Fafá de Belém, Simone e Elis Regina. Ele já recebeu 5 prêmios Grammy, sendo um Grammy de Melhor Álbum de World Music em 1997. Milton já se apresentou na América do Sul, América do Norte, Europa, Ásia e África.
Até o momento, Milton Nascimento já gravou 34 discos. Cantou com dezenas de outros artistas, entre eles Maria Bethânia, Elis Regina, Gal Costa, Jorge Ben Jor, Mercedes Sosa, Caetano Veloso, Simone, Chico Buarque, Clementina de Jesus, Gilberto Gil, Lô Borges, Beto Guedes, Paul Simon, Criolo , Angra, Peter Gabriel, Duran Duran (com quem co-escreveu e gravou a faixa de 1993 "Breath After Breath"), [2] Wayne Shorter, Herbie Hancock, Quincy Jones.
Biografia
Milton nasceu em uma favela do bairro da Tijuca, no Rio de Janeiro. Filho da empregada doméstica Maria do Carmo do Nascimento, que foi abandonada grávida do primeiro namorado. Maria do Carmo registrou o filho como mãe solteira. Mesmo sendo muito pobre, ela tentou criar Milton, com a ajuda de sua mãe viúva, também empregada doméstica, mas, ainda muito jovem, caiu em depressão e morreu de tuberculose antes dos dois anos de idade de Milton. Milton foi deixado aos cuidados de sua avó.
Uma das duas filhas do casal para o qual sua avó trabalhava, a professora de música Lília Silva Campos, era recém-casada e não engravidava. Imediatamente, Lilia se apegou a Milton e propôs adotá-lo. A avó concordou, desde que o trouxessem para vê-lo algumas vezes e não tirassem o nome da mãe dele. O casal concordou e Milton foi então adotado por Lília e seu marido Josino Campos, dono de uma emissora de rádio. A família mudou-se para Três Pontas, em Minas Gerais. Por alguns anos ele foi filho único. Mesmo em tratamento, Lilia não engravidou. O casal foi então visitar orfanatos e adotou um menino e, alguns anos depois, uma menina. O casal teve apenas uma filha biológica alguns anos depois. Milton sempre soube ser adotado, assim como seus irmãos.
Foi apelidado de "Bituca" ainda criança, por trabalhar quando estava chateado, em referência aos índios botocudo. Milton passou a gostar de música por influência da mãe, que havia estudado com Villa Lobos. Aos quatro anos, ele ganhou um acordeão de contrabaixo e desde cedo explorou sua voz. Aos 13 anos, foi crooner do grupo Continental do Duilio Tiso Cougo, grupo musical de dança de Três Pontas.
Milton casou-se no cartório e na Igreja dos Capuchinhos, na Tijuca, em 1968, com um aluno chamado Lurdeca. O casal foi morar em Copacabana, mas o casamento durou apenas um mês. Após dois meses de separação, o casamento foi anulado, voltando ao estado civil de solteiro. Depois, teve várias namoradas, uma delas, Kárita, uma socialite paulista muito rica, que foi sua namorada por mais de cinco anos. Optando por investir seu tempo e dedicação na carreira artística, ela não quis se casar ou ter filhos, apenas manter relacionamentos casuais. Morando sozinho, Milton decidiu então ser pai, e adotou Augusto, seu único filho, que nasceu em 3 de junho de 1993. Milton o conheceu quando o menino tinha 13 anos, em 2005, em Juiz de Fora, cidade de residência de Augusto. infância. O filho sempre teve um relacionamento com a mãe, Sandra, mas desde muito jovem não teve nenhum vínculo com o pai biológico. Milton se agarrou a ele como um pai e perguntou se ele queria ser seu filho. Augusto aceitou e passou a se dividir entre Juiz de Fora e Rio de Janeiro. Quando o menino completou 23 anos, em 2016, foi oficialmente adotado, passando a assinar o nome de Augusto Kesrouani do Nascimento, mantendo o sobrenome da mãe, incluindo o pai “Nascimento”. Em entrevistas, Milton revelou que seu filho foi o maior presente que ele já recebeu.
trajetória profissional
Milton Nascimento, 1969. Arquivo Nacional.
Gravou sua primeira música, "Barulho de Trem", em 1962. Em Três Pontas, fez parte do grupo W's Boys, que tocava nos bailes, ao lado de Wagner Tiso. Mudou-se para Belo Horizonte para estudar Economia, onde, tocando em bares e boates, passou a compor com mais frequência; datam desse período as composições "Novena" e "Gira Girou" (1964), ambas com Márcio Borges.
Em 1966 Milton compôs, em parceria com César Roldão Vieira, as canções da peça infantil "Viagem ao Faz de Conta" de Walter Quaglia. Em 1967, conforme trecho da contracapa do disco Milton e Tamba Trio: “Milton Nascimento entrou em estúdio acompanhado por 'Tamba Trio', no Rio de Janeiro, em 1967, para gravar seu primeiro disco. O encontro de ' Milton & Tamba 'com arranjos de Luizinho Eça fazem de' Travessia 'um álbum definitivo e eternamente moderno ”. No ano anterior, 1966, a composição "Canção do Sal" foi gravada por Elis Regina. A convite do músico Eumir Deodato, gravou um LP nos Estados Unidos (Courage), no qual gravou uma versão de "Travessia" chamada "Bridges". Em 1970, realizou temporadas no Rio de Janeiro e em São Paulo com o grupo Som Imaginário, destacando desse período "Para Lennon e McCartney" (1970, com Fernando Brant, Márcio Borges e Lo Borges) e Clube da Esquina. Participou e compôs a trilha sonora de filmes como Os Deuses e os Mortos (1969, direção de Ruy Guerra), e atuou em Fitzcarraldo (1981, direção de Werner Herzog).
Clube da esquina
Na pensão para onde foi morar na capital mineira, no Edifício Levy, Milton conheceu os irmãos Borges, Marilton, Lô e Márcio. Dos encontros na esquina das ruas Divinópolis e Paraisópolis, no tradicional bairro de Belorizontine de Santa Tereza, os acordes e letras de canções como "Cravo e Canela", "Alunar", "Por Lennon e McCartney", "Trem Azul" , Surgiu "Nada" Vai ser As Before "," Stars "," São Vicente "e" Cais ". Aos fãs dos Beatles e dos Platters juntaram-se Tavinho Moura, Flavio Venturini, Beto Guedes, Fernando Brant, Toninho Horta. 1972, a EMI gravou seu primeiro LP, o Clube da Esquina, que era duplo.
Milton Nascimento foi convidado por Wayne Shorter para gravar um álbum com ele em 1975. O álbum se chamava Native Dancer e serviu para projetar Milton no mercado norte-americano.
Milton Nascimento (1979).
Entre outras canções, destacam-se "Maria Maria" (1978, com Fernando Brant), e a interpretação de "Coração de Estudante" (Wagner Tiso), que se tornou o hino das Diretas Já (movimento sócio-político a reivindicar eleições directas, 1984) e os funerais de Tancredo Neves (1985). Posteriormente, a "Canção da América" foi o tema de fundo dos funerais de Ayrton Senna (1994).
Diversificação
Idealizado originalmente para a montagem do balé do Balé Teatro Guaíra (Curitiba, 1982), o espetáculo O Grande Circo Místico foi lançado em 1983. Milton fez parte de um seleto grupo de intérpretes de MPB que viajou pelo país durante dois anos apresentando o projeto . Milton interpretou a música "Beatriz", composta pela dupla Chico Buarque e Edu Lobo. O espetáculo conta a história de amor entre um aristocrata e um acrobata e a saga da família suíça proprietária do Circus Knie, que percorreu o mundo nas primeiras décadas do século.
Ainda aproveitando a maré de engajamento da pós-ditadura, participou em 1985 do Nordeste Já, versão brasileira dos EUA para a África que criou as canções "Chega de Mágoa" e "Seca D'água".
Em 2010 Milton Nascimento foi homenageado no Festival Internacional de Corais (FIC) em Belo Horizonte. No encerramento do festival Milton esteve presente e recebeu uma homenagem de mais de mil vozes que cantaram uma composição de Fernando Brant e Leonardo Cunha “A Voz Coral” feita especialmente para o homenageado.
O cantor Milton Nascimento e o ex-governador do Distrito Federal, Rogério Rosso, falam durante o lançamento do selo e moeda comemorativos dos 50 anos de Brasília (Valter Campanato / ABr).
Além disso, nesse mesmo ano, o cantor que também é padrinho da banda Roupa Nova, foi homenageado pelo sexteto carioca em participação especial no CD / DVD ao vivo da banda na faixa "Nos Bailes da Vida", composta por Milton, como forma de agradecer o que tem feito pelo grupo ao longo dos 30 anos de carreira, já que os dois vieram dos 'bailes'.
O diretor Marcelo Flores está preparando o filme em comemoração aos 50 anos de carreira do cantor, Milton - A Voz. Híbrido de documentário e ficção, o filme traz, além de cenas atuais, recriações de trechos da vida de Milton com o músico interpretado por Fabrício Bolivaira.
A escola de samba Tom Maior fez de Milton seu enredo para o desfile de 2016 com o tema: Travessias de Milton Nascimento, em homenagem aos seus 50 anos de carreira e uma festa com a participação do grupo KLB, Sandra de Sá, Fat Family e Erikka Rodrigues .
Em maio de 2015, foi convidado pelo Berklee College of Music para ser homenageado do ano na graduação de 2016 e receber o título de Doutor Honoris Causa daquela instituição, por sua vasta contribuição para a música.
Agostinho dos Santos
Em um documentário sobre sua carreira exibido na TV Cultura em 2008, com depoimentos de inúmeros artistas em diversos momentos, Milton revelou quem foi um grande divulgador de sua arte no Rio de Janeiro no final dos anos 60. em um bar, tocando violão e cantando; à vontade, incluiu várias de suas canções na programação. Foi nesta apresentação que Agostinho dos Santos - o ídolo confesso do torcedor do Bituca - o conheceu, se interessou pelo seu trabalho e se tornou um amigo pessoal, levando-o a reboque pelo meio artístico e show business carioca. de Janeiro, antes de seu trágico desaparecimento.
Elis Regina
Ele elegeu Elis Regina como "a grande musa inspiradora", para quem compôs inúmeras canções. A filha de Elis, Maria Rita, teve sua carreira catapultada pelo padrinho Milton Nascimento com a participação no disco Pietá, cantando as faixas "Voa Bicho", "Vozes do Vento" e "Tristesse". Depois, entre os sucessos do álbum de estreia, a cantora teve duas composições de Milton, "A Festa" e "Encontros e Despedidas".
Em Portugal
Além da composição de A barca dos lovers em parceria com Sérgio Godinho e ocasionais apresentações de discos como Pietà em 2003, Milton Nascimento apresentou o álbum 'Novas Bossas' no dia 18 de julho de 2008, dançou e cantou no Coliseu dos Recreios.
Toquinho, nome artístico de Antonio Pecci Filho ORB (São Paulo, 6 de julho de 1946), é um cantor, compositor e violonista brasileiro.
Biografia
Antonio Pecci Filho nasceu em 6 de julho de 1946, na cidade de São Paulo. O apelido de Toquinho foi dado pela mãe e aos quatorze anos começou a ter aulas de violão com Paulinho Nogueira. Estudou harmonia com Edgar Janulo, violão clássico com Isaías Sávio, orquestração com Leo Peracchi e Oscar Castro-Neves
Em 1970 compôs, com Jorge Ben Jor, seu primeiro grande sucesso, Que Maravilha. Nesse mesmo ano, Vinicius de Moraes o convidou para participar de shows em Buenos Aires, formando uma sólida parceria que durou onze anos (e terminou com a morte de Vinicius de Moraes), 120 canções, 25 discos e mais de mil shows. Dentre as composições da parceria, destacam-se: O Bem-amado, disse o poeta Como, Carta ao Tom 74, entre outros.
O Toquinho era muito amigo de Vinicius de Moraes e diz “gostei do Vinicius até o fim” porque eles moravam juntos e estavam no momento da morte do eterno companheiro.
Em 1983, lançou seu maior sucesso entre as crianças: Aquarela. E assim ficou para sempre marcado na história da música brasileira.
Zé Ramalho, nome artístico de José Ramalho Neto (Brejo do Cruz, 3 de outubro de 1949) é um cantor, compositor e músico brasileiro. Em outubro de 2008, a revista Rolling Stone divulgou a Lista dos Cem Maiores Artistas da Música Brasileira, cujo resultado colocou Zé Ramalho na 41ª posição. Do lado paterno, ele também é primo da cantora Elba Ramalho.
Juventude
Zé Ramalho, na casa dos 20 anos, e Geraldo Azevedo, em foto dos anos 1970.
José Ramalho Neto nasceu em 3 de outubro de 1949 na cidade de Brejo do Cruz, interior da Paraíba, Brasil, a 380 quilômetros da capital, João Pessoa, filho de Estelita Torres Ramalho, professora do ensino fundamental, e Antônio de Pádua Pordeus Ramalho, uma serpente. Quando ele tinha dois anos, seu pai se afogou em uma barragem no sertão e foi criado por seu avô. A relação entre os dois seria posteriormente homenageada na canção "Avôhai". Depois de passar grande parte da infância em Campina Grande, sua família mudou-se para João Pessoa. Zé ingressou no curso de medicina da Universidade Federal da Paraíba.
Assim que a família se estabeleceu em João Pessoa, ele participou de algumas apresentações da Jovem Guarda, sendo influenciado por Renato Barros, Leno e Lílian, Roberto Carlos, Erasmo Carlos, Golden Boys, Beatles, Rolling Stones, Pink Floyd e Bob Dylan.
Em 1974, nasceu seu primeiro filho com Ízis, Christian.
Antes de compor, ele escreveu versos de cordas.
Carreira
Os primeiros trabalhos: 1974-1975
Zé Ramalho no início dos anos 1970
Em 1974, participou da trilha sonora do filme Nordeste: Cordel, Repente e Canção, de Tânia Quaresma. Na época, passou a mesclar suas influências: do Rock "n" Roll ao forró. Um ano depois, grava seu primeiro disco, Paêbirú, com Lula Côrtes pelo selo Rozenblit. Hoje em dia, as cópias deste disco valem muito porque são raras.
Carreira inicial: 1975-1984
Em 1976, deixou a faculdade de medicina e mudou-se para o Rio de Janeiro, onde procurou uma gravadora para lançar seu primeiro álbum. Depois de ser despedido por vários produtores e executivos, encontrou oportunidade com Jairo Pires, na época da CBS. Em 1977, grava seu primeiro disco solo, Zé Ramalho. No ano seguinte, nasceu o segundo filho, Antônio.
Em 1979, veio o seu terceiro filho, João, fruto da relação com a cantora Amelinha, e também o seu segundo álbum, A Peleja do Diabo com o Dono do Céu. trabalho de Cátia de France. Mudou-se para Fortaleza em 1980, onde escreveu o livro Carne de Pescoço. O terceiro álbum A Terceira Lâmina foi lançado em 1981, ano em que nasceu a sua primeira filha, Maria Maria; logo depois, veio o quarto álbum, Força Verde, em 1982.
Em 1983, após o lançamento de seu quinto álbum, Orquídea Negra, encerrou o relacionamento com Amelinha Collares. Depois de gravar Pra Não Dizer que Não Falei de Rock (também conhecido como Por Aqueles Que Foram Bem Amados), no início de 1984, casou-se com Roberta Ramalho, com quem é casado até hoje.
acusação de plágio
Zé Ramalho foi acusado na edição da revista Veja de 21 de julho de 1982 de plagiar a letra da música "Força Verde", texto de William Butler Yeats usado como introdução do roteirista Roy Thomas em gibi do Hulk publicado no Brasil 10 anos antes pela GEA.
Queda na popularidade: 1985-1990
A década de 80 seria palco de uma queda no sucesso de Zé Ramalho, com o lançamento dos discos De Gosto de Água e Amigos (1985), Opus Visionário (1986) e Décimas de um Cantador (1987). Uma possível causa dessa fase ruim seria o uso do experimentalismo na música. Em 1990 e 1991, apresentou-se nos Estados Unidos para o público brasileiro.
De volta ao sucesso: 1991-2001
Foto tirada no espetáculo O Grande Encontro, em 1996.
Em 1991, sua única irmã, Goretti, morreu. Mesmo assim, gravou seu décimo primeiro disco, Brasil Nordeste (que continha regravações de canções típicas nordestinas) e voltou aos tempos de sucesso. A música "Entre a Serpente e a Estrela" foi utilizada na trilha sonora da novela Pedra Sobre Pedra. Em 1992, teve o quinto filho, José, (o primeiro com Roberta), fato que foi seguido pelo lançamento do álbum Frevoador. Em 1995, nasceu a segunda filha: Linda.
Em 1996, gravou o disco ao vivo O Grande Encontro com Elba Ramalho e os nomes consagrados da MPB Alceu Valença e Geraldo Azevedo. No mesmo ano lança o álbum Cidades e Lendas.
O sucesso de O Grande Encontro foi tão grande que Zé Ramalho resolveu gravar uma nova versão de estúdio em 1997, desta vez sem Alceu Valença. O álbum vendeu mais de 300.000 cópias, recebendo certificações de ouro e platina.
Para comemorar seus 20 anos de carreira, lançou o CD Antologia Acústica. A gravadora Sony Music também lançou um box set com três discos: um de raridades, um de duetos e um de sucessos. A escritora brasileira Luciane Alves lançou o livro Zé Ramalho - um Visionário do século XX.
Antes do final do milênio, outro hit Admirável Gado Novo (lançado no álbum A Peleja do Diabo com o Dono do Céu) foi usado como tema do líder sem-terra Regino, personagem emblemático de Jackson Antunes na novela O Rei do Gado. Também lançou o álbum Eu Sou Todos Nós, seguido de Nação Nordestina, em que a música nordestina voltou a ser explorada. O álbum foi indicado ao Prêmio Latin GRAMMY de Melhor Álbum Regional ou de Música Brasileira.
O terceiro milênio: 2001 até o presente
Zé Ramalho na Virada Cultural de São Paulo, em 2008.
Zé Ramalho, retratado em ilustração de 2003.
A primeira obra do século 21 foi o álbum tributo a Zé Ramalho Canta Raul Seixas, com regravações de canções do músico baiano. Ele dividiu o palco com Elba Ramalho no Rock in Rio III. Em 2002, a Som Livre lançou um CD de grandes sucessos denominado Perfil, que faz parte da série Perfil. Ainda em 2002, veio o décimo sétimo álbum, O Gosto da Criação.
Em 2003 foi lançado o Estação Brasil, álbum com várias regravações de canções brasileiras e uma inédita. Participou como convidado especial na faixa "pistas" do álbum Aqui Sistema é Bruto, de Chitãozinho & Xororó.
Em 2005 gravou o seu único álbum solo ao vivo, Zé Ramalho ao vivo. Seu álbum mais recente, Partnership dos Viajantes, foi lançado em 2007 e indicado ao Latin GRAMMY de Melhor Álbum de Música Popular Brasileira.
Em 2008, o disco de raridades Zé Ramalho da Paraíba foi lançado pela Discoberta, seguido de um novo álbum de covers de Zé Ramalho Canta Bob Dylan - Tá Tudo Mudando, em homenagem ao músico americano.
Em 2009, foi lançado um novo álbum de covers de Zé Ramalho Canta Luiz Gonzaga para homenagear o músico pernambucano.
Em 2010, continuou a homenagear suas influências com o álbum Zé Ramalho Canta Jackson do Pandeiro.
Seu trabalho de capa mais recente é o álbum Zé Ramalho Canta Beatles, lançado em agosto de 2011, com regravações dos Fab Four. É seu quarto álbum de covers em três anos.
Em 2012 lançou o seu primeiro disco inédito em cinco anos, Sinais dos Tempos, através da sua nova editora discográfica, Avôhai Music.
No dia 22 de setembro de 2013, tocou ao lado da banda de metal Sepultura no palco Sunset do Rock in Rio 2013, no show que se chamou "Zépultura". O show foi muito elogiado pela crítica e agradou o público. Vale lembrar que essa parceria já havia acontecido antes, quando gravaram juntos a música "A Dança das Borboletas" que fez parte da trilha sonora do filme Lisbela e o Prisioneiro (2003).
Em novembro de 2014, Zé lançou um álbum ao vivo em colaboração com o cantor e guitarrista Fagner, intitulado Fagner & Zé Ramalho Ao Vivo.
Em 2017, lançou Atlântida, álbum que recupera um show de 1974, quatro anos antes de Zé Ramalho se tornar um sucesso. Em 2019, editou o CD Cine Show Madureira (1979), em parceria com o selo Discobertas, de Marcelo Froés.
Elba Maria Nunes Ramalho OMC (Conceição, 17 de agosto de 1951) é uma cantora, compositora, multi-instrumentista e atriz brasileira. Sua primeira experiência musical veio em 1968, tocando bateria no conjunto feminino "As Brasas". Mais tarde, o grupo mudou de musical para teatral. No entanto, Elba continuou cantando e participando de festivais em todo o Nordeste brasileiro. Em 1979, lançou seu primeiro álbum, "Ave de Prata", e desde então se consolidou como uma das principais cantoras brasileiras em atividade.
Tem dois Grammys Latinos para seus álbuns: Qual é o tema que mais te interessa ?, lançado em 2008 e Balaio de Amor, 2009, na categoria Melhor Álbum de Raízes Brasileiras: Regional e Tropical. Em mais de 35 anos de carreira, Elba Ramalho vendeu mais de 10 milhões de discos. Recebeu o prêmio de "Melhor Espetáculo do Ano" da Associação Paulista de Críticos de Arte, em duas ocasiões: em 1989 pela mostra Popular Brasileira e em 1996 pela mostra North Lion.
Biografia
Elba Ramalho nasceu na zona rural da Conceição, no Vale do Piancó. Em 1962, a família mudou-se para a cidade de Campina Grande, também na Paraíba. O pai se tornou o dono do teatro local. Filha de um músico, ela despertou, o que a fez se interessar por música ainda na adolescência.
Em 1966, participou, pela primeira vez, numa apresentação de palco no Coro da Fundação Artística e Cultural Manuel Bandeira, da qual fazia parte, com "Evocação do Recife". Os Corais Falantes Manuel Bandeira e Cecília Meireles ganharam fama e começaram a ser vistos em todo o Nordeste, e Elba, que fez sua primeira apresentação de palco junto com eles, logo se tornou o destaque das apresentações. Estrelou as poéticas produções de Castro Alves, Thiago de Mello, Lindolfo Bell, Carlos Pena Filho e Figueiredo Agra. Participou da montagem das peças "Ministro do Supremo" e "Diálogo das Carmelitas".
Em 1968, enquanto cursava a Faculdade de Economia e Sociologia da Universidade Federal da Paraíba, formou o grupo As Brasas, do qual atuou como baterista, que posteriormente se tornou um grupo de teatro. No entanto, Elba não parava de cantar e se apresentava em diversos festivais no Nordeste.
Carreira
[[Imagem: Elba Ramalho em Vassouras III.jpg | thumb | Encerramento do “Festival Vale do Café 10 anos” com Elba Ramalho em Vassouras]
Década de 1970
Em 1974, Elba, determinada a buscar melhores oportunidades profissionais, mudou-se para a região sudeste do país, mas justamente para a cidade do Rio de Janeiro, onde ainda vive, a fim de se destacar na carreira, a pedido de Roberto Santana, produtor de Chico Buarque e Caetano Veloso, chegando ao Rio com o grupo Quinteto Violado, para se apresentar como crooner durante uma temporada na cidade. No mesmo ano, participou na peça Viva o Cordão Encarnado, em parceria com o grupo de teatro Chegança, de Luís Mendonça, sendo aclamada pela crítica pela hiperatividade em palco, que viria a ser a sua principal longa-metragem.
Ela se recusou a voltar para o Nordeste, onde largou a faculdade e, no Rio de Janeiro, se firmou como atriz teatral, sempre interpretando papéis ligados à música. Sem apoio e recursos financeiros, passou a frequentar o Baixo Leblon, onde conheceu artistas como Alceu Valença e Carlos Vereza. Em 1977, atuou no filme Morte e Vida Severina, inspirado na obra homônima do escritor pernambucano João Cabral de Melo Neto. No ano seguinte, integrou o elenco da peça de Chico Buarque, Ópera do Malandro, dirigida por Luís Antônio Martinês Correia, na qual interpretou a prostituta Lúcia. Ainda como atriz, ganhou um prêmio pela interpretação da canção O meu amor, com a atriz Marieta Severo.
A peça Ópera do Malandro foi lançada num momento em que a poética de Chico Buarque era "muito aguda". Elba Ramalho foi uma presença de destaque, o que impulsionou sua carreira como atriz e cantora. Assim, Chico Buarque inseriu a gravação O Meu Amor, interpretada por Elba e então esposa Marieta Severo, no álbum homônimo, lançado em 1978, e também no álbum duplo da peça, lançado no ano seguinte. A canção foi um grande sucesso e, por isso mesmo, mereceu também um dueto das cantoras Alcione e Maria Bethânia no álbum antológico Álibi, desta última, lançado nesse mesmo ano em 1978.
Elba investiu na carreira de cantora e gravou seu primeiro disco, lançado pela extinta CBS (hoje Sony Music) - numa época em que a gravadora investia fortemente em artistas nordestinos, em 1979, intitulado Ave de Prata, com destaque para a faixa-título e as canções Canta heart e Não dream mais, esta última composta por Chico Buarque para a trilha sonora do filme A República dos Assassinos. A obra teve várias participações especiais de músicos e compositores renomados, como Dominguinhos, Zé Ramalho, Geraldo Azevedo, Novelli, Vinícius Cantuária, Sivuca, Robertinho do Recife, Nivaldo Ornelas e Jackson do Pandeiro - parcerias que perduram até hoje.
Anos 80
A partir daí, o sucesso apareceu aos poucos, embora ela mesma considere que o teatro está presente em todos os espetáculos, sendo o grande responsável pela peculiar força cênica. As apresentações também tiveram sucesso relevante em teatros internacionais, como o Olympia em Paris, o Blue Note em Nova York, a Brixton Academy em Londres e o Festival de Montreux, na Suíça. O repertório se manteve eclético ao longo desse tempo, trazendo canções típicas do nordeste brasileiro, baladas românticas, rock, sambas e até blues norte-americanos.
Em 1980 grava seu segundo LP, Capim do vale, que traz canções de compositores nordestinos antigos e contemporâneos, apresentando repertório regional, com destaque para a faixa-título e as canções Banquete dos signos, Porto da saudade, Caldeirão dos mitos e Veja ( Margarida), e fez a primeira digressão internacional, em África. No ano seguinte, lançou o álbum Elba, o último pela gravadora CBS, com arranjos de Miguel Cidras e José Américo Bastos, que não teve maior repercussão; destaques para as músicas Temporal e Cajuína, e duas faixas apenas para voz e violão - O Request e Eu Quero. No mesmo ano, no dia 4 de julho, se apresentou no Festival de Montreux, na já tradicional noite brasileira. O show foi gravado e, em seguida, trechos da apresentação foram incluídos no álbum coletivo Brazil Night Montreux 81, (que também contava com trechos dos shows dos cantores Toquinho e Moraes Moreira). Lançado pela editora Ariola, contém as canções Baião, Tudo azul e a primeira gravação - ao vivo - da Bate Coração, xote que a colocam definitivamente em evidência. Não sendo um disco de carreira e devido ao seu grande sucesso, Elba regravou a música em estúdio e a incluiu no trabalho do ano seguinte.
A primeira equipe da MPB
Em 1982, transferiu-se para a extinta gravadora Ariola / Barclay (atual Universal Music), marcando o início da fase mais popular de sua carreira, disputando a parada de sucessos daquele ano com outras cantoras como Gal Costa, Simone, Rita Lee, Beth Carvalho, Baby Consuelo, Amelinha e Clara Nunes. A obra que marca sua estreia no selo - Alegria, produzida por Aramis Barros com direção artística de Mazzola - vendeu mais de 300 mil exemplares, rendendo seu primeiro disco de ouro, chegando às paradas com os forrós Bate Coração, Amor com Café (ambos da Cecéu ) e No som da acordeão, de Jackson do Pandeiro, que também tocava pandeiro na faixa e morreu no dia 10 de julho daquele ano; Também se apresentou na Suíça, Portugal, Israel e também participou da série Grandes Nomes (TV Globo), ao lado de Alceu Valença. Sobre a escolha do Bate Coração, lançado pela Marinês no ano anterior, Elba comenta: Um primo meu, médico, o Ari Viana, pesquisava muito sobre as músicas dos Marinês, que era o meu ídolo, e me mandava ouvir . Numa delas, esbarrei no Bate Coração e resolvi cantar.
O disco contou ainda com arranjos do maestro José Américo Bastos e músicas de Lula Queiroga (Que Alegria - Caboclinhos), Alceu Valença (estou aqui agora), Vital Farias (Sete músicas para voar, com arranjo próprio e violão) e Geraldo Azevedo (Menina do lírio, gravada em dueto com a autora). Deste álbum, que lhe rendeu os primeiros discos de ouro e platina, o sotaque ficou menos pesado, ao contrário dos três primeiros discos. Depois veio o show homônimo, o primeiro muito elogiado pela imprensa, ao romper com a estética rústica e sombria que norteou a atuação de muitos de seus conterrâneos na música brasileira; nesta, já havia um cenário de trajes exuberantes, combinações de luzes e cores e o clima festivo das ruas nordestinas. Sobre o show, Elba declarou: Mostro meu lado teatral desde meu primeiro show, Ave de Prata, mas Alegria foi a afirmação disso. Foi meu primeiro show muito elogiado pela imprensa. É também um espetáculo com efeitos teatrais, com Elba interpretando personagens que ela havia representado anos antes em peças, como Mateus e Catarina. Em seu repertório, destaca-se a canção Let Escorrer, de Caetano Veloso, sobre um poema de Mayawowski, que a censura vetou sua inclusão no LP.
Em 1983 lançou o aclamado álbum Coração Brasileiro, que contou com a produção de Mazzola e arranjos de Lincoln Olivetti (Smell Bath and Life and Carnival), Luiz Avellar (Bulking e Batida de Trem), César Camargo Mariano (Ave gigana, Canção da despedida e A volta dos trovões), Francis Hime (Se eu fosse seu chefe), o grupo A Cor do Som (Chororô), Severo (Roendo unha) e Zé Américo (Ai que saudade d'ocê).
Os maiores sucessos do repertório foram as músicas: Banho de fumo (frevo de Carlos Fernando e faixa de abertura do disco), o xaxado Toque de belle (Bastinho Calixto e Ana Paula) - primeira faixa a bater nas rádios -, a melodia Canção da despedida (parceria de salto entre Geraldo Azevedo e Geraldo Vandré, censurada durante a ditadura militar) e o xote Ai que saudade d'ocê (Vital Farias). O álbum contou com as participações especiais de Chico Buarque, dos grupos Céu da Boca e Clothes Nova e do guitarrista Robertinho do Recife nas faixas Se eu were your patrão - composta por Chico para a peça A Ópera do Malandro - A volta dos trovões (Bráulio Tavares e Fuba) e Vida e Carnaval (Moraes Moreira e Aroldo), respetivamente. Na pista Toque de belle, teve a participação especial dos acordeonistas Sivuca, Severo e Zé Américo. A faixa-título, escrita pelo mineiro Celso Adolfo, apareceu apenas como uma vinheta de 15 segundos; apesar de aparecer no livrinho com a letra completa, só eram cantados os primeiros versos, na capela: No meu coração brasileiro / plantei um quintal / colhi um caminho / montei arapuca / fui para tocaia / fui para a guerra .
O trabalho consagrou definitivamente a cantora e ganhou discos de ouro e platina, e deu origem ao show homônimo aclamado pela crítica especializada, realizado na casa carioca Canecão, quebrando pela primeira vez os recordes de público ali registrados nos shows de Roberto Carlos; foram 97.000 pessoas em dez semanas, traduzidas em 44 apresentações, com os ingressos esgotados duas semanas antes do final da temporada. Elba foi capa da Veja na edição de 30 de novembro, sendo considerada pela revista a maior estrela da música brasileira em 1983, cuja manchete era O brilho da estrela, onde se lia: Depois do sucesso no Canecão e da semana de seu especial na TV Globo, Elba Ramalho se reafirma como uma figura ímpar no mundo do entretenimento. A cantora também foi tema do especial de fim de ano da Rede Globo, exibido na sexta-feira, 2 de dezembro de 1983.
Em relação às fotos teatrais na contracapa, foi ideia do diretor Naum Alves de Souza, retroceder personagens que Elba havia representado em shows ao longo de sua carreira; o anjinho e o leque na capa, presentes da amiga Marieta Severo, que aliás a apresentou ao diretor. No ano seguinte, a German Polygram decidiu que seria a primeira obra solo de um artista brasileiro a ser lançada internacionalmente em CD - três anos antes de o formato começar a ser comercializado no Brasil com artistas nacionais, por meio da série Personalidade.
Ela deu continuidade ao álbum The Way We Like (1984), produzido por Mazzola e lançado em uma época em que a cantora estava no auge do sucesso. Seu repertório, escolhido a quatro mãos com o produtor, mostrou grande versatilidade de ritmos, com destaque para dois forrós nordestinos, com acordeão e bombo: a faixa-título (Severo e Jaguar) e Forró do poeirão (Cecéu); da cultura pernambucana, dois frevos - Moreno de ouro (Carlos Fernando e Geraldo Amaral) e Energia (Lula Queiroga) e um maracatu (Toque de amor de João Lira e José Rocha); baladas românticas como Calmaria (do maestro Zé Américo, com Salgado Maranhão) e Amor Eternal (de Tadeu Mathias e Ana Amélia, inspirada em um soneto de Shakespeare), que fizeram parte da trilha sonora da novela mundial Livre para Voar, de Walther Negrão, uma música mineira, a faixa de abertura Azedo e mascavo (Celso Adolfo) e, encerrando o álbum em tom de protesto, a provocativa Nordeste Independente (Imagine o Brasil) (Bráulio Tavares e Ivanildo Vilanova), gravada ao vivo em o show inspirado no trabalho anterior, e um dos momentos de maior sucesso do show, mas que não havia aparecido no álbum Coração Brasileiro. Essa música foi proibida de ser apresentada ao público na época do lançamento do disco, e o LP foi vendido com um selo vermelho, escrito que era proibido transmitir essa música. Elba comenta: Foi um fato que chamou a atenção, pois estava no auge e que gerou muitas novidades e curiosidade por parte do público. Os arranjos ficaram a cargo de José Américo Bastos, César Camargo Mariano (Sour and Brown e Amor Eternal) e Lincoln Olivetti (in frevos).
A próxima obra, Fogo na Mistura (1985), produzida por Mazzola e a última da fase mais popular de sua carreira, nasceu em um período de efervescência política no Brasil, graças à campanha por Diretas Já, um processo iniciado no anterior ano, e que atingiu o clímax quando Tancredo Neves foi eleito presidente do Colégio Eleitoral. Elba esteve envolvida nesta campanha e participou em vários atos a favor da liberdade política e artística. Isso se reflete em letras politizadas como a faixa-título e o frevo Pátria amada, a faixa de encerramento, que fez parte da trilha sonora do filme homônimo de Tizuka Yamazaki. Mais ou menos nessa época, Elba revelou em entrevista a Rodrigo Faour: Tive uma experiência política quando era estudante universitário. Fui presidente da diretoria estudantil, aí vivi muito de perto o fim da ditadura, vi 'amigos desaparecendo assim', como dizem os versos do Gilberto Gil. No meu trabalho, independente da ideologia - nunca gostei nem de comunistas - sempre me preocupei em tocar na questão social. Acho que é importante. Por isso também participei da campanha eleitoral direta e me tornei amigo de Tancredo Neves.
Depois de uma turnê por Cuba, e influenciada por cantores como Silvio Rodrigues e Pablo Milanés - ela chegou a apresentar um álbum que este último lançou naquele mesmo ano em solo brasileiro -, três faixas desse álbum foram gravadas em Miami com arranjos e execução de cubano músicos residentes: a faixa-título, de Tunai e Sérgio Natureza - que aparece na abertura do LP -, mas o tema caribenho apareceu com maior intensidade nas faixas Como se fosse primavera (Canción) (versão de Chico Buarque para o tema de Pablo Milanés com Batista Nicolas Guillen, gravada por Chico no ano anterior e On the road to Cuba (Jaime Alem, atual maestro da cantora Maria Bethânia, mas que na época pertencia à banda de Elba), revelando-se também nos temas e ainda no gênero rítmico, com latinidade acentuada; Ao longo de sua carreira, Elba retornou várias vezes à estética musical caribenha - em números dos álbuns seguintes, como Remexer, Elba e Popular Brasileira, e principalmente em 1993 quando gravou o álbum Devora-me totalmente focada nesse som.
Além disso, o álbum trouxe um forró (Mexe mexe funga funga, de Severo e Jaguar), primeira faixa, samba com pegada pop (Anjo do Pleasure, de Tadeu Mathias e Jaguar) e fusões rítmicas (Sambaiãozar, de Pinto do Acordeon) . Mas também trouxe o maior sucesso de sua carreira até então, a romântica canção De volta pro cosiness (de Dominguinhos e Nando Cordel). A música se popularizou devido a sua inclusão na trilha sonora da novela mundial Roque Santeiro de Dias Gomes, censurada por dez anos e lançada apenas em 1985, com a participação de atores veteranos e novatos no elenco, com um público massivo, raramente visto no Brasil. televisão. .
A música chegou às mãos da cantora no ritmo do baião; foi ideia dela romantizar o tema, conseguindo um arranjo de Dori Caymmi. Curiosidade: o cantor e compositor Caetano Veloso homenageia essa interpretação do cantor na canção Pra nada, gravada por ele em 1997 no álbum Livro, em que homenageia e menciona suas interpretações favoritas; quando chega a vez de Elba, diz-se: Elba cantando De volta ao aconchego.
Trabalhos diversos
No ano seguinte surgiu o álbum Remexer, o último a ser produzido por Mazzola, simulando uma incursão por novos ritmos e tendências. O arranjo da faixa-título de abertura, de Luiz Caldas e Carlinhos Brown, evoca a lambada que dois anos depois estouraria no Brasil; o repertório explorou diversos ritmos, sons e agudos, incluindo João Bosco (Odilê odilá, com participação especial, que compôs a música em parceria com Martinho da Vila), baladas românticas (Sonho de uma noite de verão e Chorando e cantando - este último, amplamente realizado no Nordeste, rendeu-lhe também um clipe para o programa global Fantástico, ao lado do ator e cantor Maurício Mattar), do compositor Cazuza (Só se for para dois), do forró (Forró temperado e Mulher Neném - cujo trecho da gravação foi exibida no programa Globo Repórter da Rede Globo, onde Elba foi considerada a cantora mais popular do país naquele ano), a faixa Boca do balão e dois frevos de fechamento - Caia na real de Carlos Fernando (como os dois últimos, com arranjo e teclados de Lincoln Olivetti), e o contratado Sai da Frente, de Gonzaguinha, que marca o fim da ditadura militar no Brasil, marcando as conquistas políticas e culturais do povo brasileiro. Detalhe curioso: pouco antes do lançamento, a gravadora lançou um single contendo a faixa Boca do balloon, com duas versões, uma delas remixada - do lado B
O álbum Elba (1987) trouxe, entre outras, as canções Folia Brasileira - forró que fez um videoclipe para o programa global Fantástico -, baladas românticas (Vem ficar comigo, Lembrando você e o Corcel na tempestade) e Da mesa para acama.
A obra Fruto de 1988 trouxe a música dedicada ao filho Luã, nascido no ano anterior (25 de junho), a faixa final do disco, composta por Maurício Mattar e Geraldo Azevedo, e também a regravação da música Palavra de Mulher - composta por Chico Buarque em 1985 para a peça A Ópera do Malandro, gravada por Elba no disco da peça (1985), com outra versão em Fruto de 1988. Entre outras canções, tem Estrela grande (Caetano Veloso) e a faixa de abertura Doida, de Nando Cordel, gravada no estilo lambada. No álbum Popular Brasileira (1989), lançado no primeiro semestre daquele ano, gravou duas músicas de Nando Cordel - no caso, o forró Jogo de girdle, a faixa de abertura e a lambada Vê Estrelas -, além da faixa-título e a música A roda do tempo. O show baseado na divulgação deste álbum acabou dando origem ao primeiro álbum ao vivo, Elba ao vivo (gravado no Palace), trazendo os melhores momentos do show, em meio a turnês pela Europa e EUA, com repertório um pouco menos regional. e arranjos, cujo maior sucesso bate um passeio na moda lambadas, Ouro pura, que fez parte da trilha sonora da novela Rainha da Sucata, de Sílvio de Abreu. A música, que foi bem executada, deu origem a um videoclipe para o programa Fantástico, ao lado do dançarino Carlinhos de Jesus, na Avenida Rio Branco, no Rio de Janeiro. Em fevereiro de 1989, aos 37 anos, ele fez um ensaio medido para a revista Playboy.
Década de 1990
Em 1991 lança o álbum Felicidade Urgent, com produção de Nelson Motta, arranjos do maestro e pianista Eduardo Souto Neto e participações especiais de Lulu Santos na faixa Vida, Cláudio Zoli na faixa título, Djavan on Ventos do Norte, Sandra de Sá na música Maré dendê e Oswaldinho do Acordeon na faixa final - a famosa La vie en rose, gravada originalmente pela cantora francesa Edith Piaf; a obra mesclava canções inéditas e regravações (Vida, Morena de Angola, Pisa na fulô, É d'Oxum e La vie en rose); no ano seguinte foi a vez de Encanto, produzida pela própria cantora, cujo repertório mostrava um bom equilíbrio entre forrós e canções românticas e contou com a participação especial de Margareth Menezes na faixa Cidadão.
Em 1993, o álbum Devora-me simulou uma incursão no som latino, tendo sido gravado em Porto Rico e produzido por Glenn Monroig; em entrevistas na época, Elba afirmou que apesar de ter nascido em solo brasileiro, Elba pretendia expandir sua música para outros públicos sul-americanos. novela da Rede Globo Tropicaliente, de Walther Negrão. A versão internacional deste trabalho trouxe uma faixa bônus - no caso, a citada faixa Coração da gente traduzida para o espanhol, mas também trouxe versões de canções caribenhas (Cora Coração, Devora-me Again, Força Interior e Desesperada). Antes deste trabalho, no mesmo ano foi lançada a coletânea O Grande Forró de Elba Ramalho, uma seleção de canções pertencentes aos álbuns anteriores da cantora, com duas novas faixas: Chegadinho e Eu Quero meu amor - esta última também integrou o repertório de Devora-me e trilha sonora da novela mundial Renascer, de Benedito Ruy Barbosa.
A obra que marca a saída do selo Polygram é Paisagem (1995), cujo principal destaque foi a regravação de Paisagem na janela, que fez parte da trilha sonora do remake da novela Irmãos Coragem. Desde então, é considerada uma das principais intérpretes da música brasileira, com vendas expressivas, graças à presença de palco e voz inconfundível. Na festa de São João, que acontece anualmente em Campina Grande, a presença de Elba já é tradicional, como o show mais aguardado.
Em 1996, lançou o aclamado e bem sucedido CD Leão do Norte, que marcou sua estreia no selo BMG e vendeu mais de 300 mil exemplares, enaltecendo a cultura nordestina e pernambucana (com faixa-título de Lenine e Paulo César Pinheiro). A mostra homônima foi dirigida por Jorge Fernando e teve sucesso relevante em todo o Brasil, conquistando o prêmio de Melhor mostra do ano, pela Associação Paulista de Críticos de Arte, e também originou um VHS contendo os melhores momentos da mostra. Nesse mesmo ano, faz digressão com o espectáculo O grande Encontro, ao lado de Alceu Valença, Zé Ramalho e Geraldo Azevedo. O primeiro disco da trilogia vende mais de um milhão de cópias, trazendo clássicos da música popular brasileira e nordestina. Ainda em 1996, a cantora foi homenageada pela escola de samba Vizinha Faladeira, no carnaval carioca, com o popular tema Elba brasileiro.
Em 1997 chega às lojas o disco Baioque, que consiste basicamente em regravações de música urbana de autores nordestinos, como Raul Seixas (SOS), Belchior (Paralelos), Ednardo (Pavão Misterioso), Zé Ramalho (Vila do Sossego), Caetano Veloso (Os argonautas), Gilberto Gil (Vamos Fugir), Lenine (Relampiano), Alceu Valença (Ciranda da rosa vermelha), entre outros; À semelhança da obra anterior, esta também foi produzida pelos músicos Robertinho do Recife que também foi responsável por alguns arranjos e regência. O show dobrou a parceria com Jorge Fernando e o sucesso do show baseado no álbum anterior e a reedição desse CD trouxe a faixa bônus Paris, que não constava na versão original. Graças ao sucesso do projeto O grande Encontro, foi lançado um segundo volume do álbum, mas desta vez só não contou com a participação de Alceu Valença, além de turnês pelo Brasil; seu repertório trouxe sucessos dos três artistas.
Em 1998 lança o CD Flor da Paraíba, o último da trilogia produzida por Robertinho de Recife, trazendo algumas regravações e canções inéditas de compositores nordestinos, priorizando canções no estilo forró. O título do álbum é inspirado em uma dedicatória feita, muitos anos atrás, pelo cantor e compositor Caetano Veloso, quando o cantor acabava de chegar ao Rio de Janeiro para despontar no mundo musical.
Vinte anos
Em 1999, Elba Ramalho comemorou 20 anos de carreira com o álbum duplo Solar, um gravado ao vivo nas festas juninas da Concha Acústica do Teatro Castro Alves, em Salvador, e outro em estúdio, com arranjos do pianista Wagner Tiso (Canção Adeus e Imaculada) e violoncelista Jaques Morelenbaum (Palavra de Mulher). O repertório trouxe regravações de antigos sucessos entre outros clássicos e novas canções.
O álbum contou com as participações especiais de Chico Buarque (Sem sonhos, o sucesso inicial), primo Zé Ramalho (Silver Bird), Lenine (Nó Cego), Nana Caymmi (Imaculada), Geraldo Azevedo (Kukukaya), Margareth Menezes (Quem é muito queridos para mim), Dominguinhos (Retrato da vida), Renata Arruda (Sete canções para voar) e Alceu Valença (no inédito Trem das ilusões) - todos do primeiro CD, gravado em estúdio; o segundo CD contou com a participação especial de Gerônimo na faixa É D'Oxum.
O álbum duplo Solar, em agosto de 2000, teve mais de 150 mil cópias vendidas, rendendo à cantora um disco de ouro.
O show de divulgação do álbum Solar, foi lançado em outubro de 1999 no Canecão, no Rio de Janeiro. Em 2000, fez digressões não só pelo Brasil, tendo passado quase dois meses na Europa (Itália, Alemanha, Suíça, Portugal e França), mas também se apresentou em Setembro do mesmo ano nos Estados Unidos, regressando novamente à França.
ótimas reuniões
[[Arquivo: O Grande Encontro 1 (Alceu Valença, Zé Ramalho, Elba Ramalho e Geraldo Azevedo) .jpg | imagem em miniatura | Alceu Valença, Zé Ramalho, Elba Ramalho e Geraldo Azevedo.]] Em 2000 a cantora voltou a se encontrar com seus companheiros Geraldo. Azevedo e Zé Ramalho gravam o CD e DVD O Grande Encontro III - Live, no Rio de Janeiro, com a participação especial de Lenine, Belchior e Moraes Moreira.
Em seguida, seguiram com Geraldo Azevedo para Los Angeles - EUA, onde gravaram um álbum ao vivo, destinado ao mercado norte-americano. No repertório estão canções que fizeram sucesso na voz de ambos os artistas. De volta ao Brasil, Elba foi convidada a participar do evento Rock In Rio III, ao lado de Zé Ramalho. Elba também é a única artista brasileira a participar de todas as edições do Rock In Rio no Brasil.
No ano seguinte, lança o disco Cirandeira, contendo forrós, xotes e baiãos; a obra contou com as participações especiais de Lenine (na faixa-título de abertura), Geraldo Azevedo (nas canções Se eu Tinha Asa e Estrela Sovereign, esta última, além de ser a faixa de encerramento, é também uma homenagem a Nossa Senhora) e Zeca Baleiro (nas canções Alma nua e Sem ganzá é não coco), e trouxe duas regravações: a clássica Patativa (Vicente Celestino) e o pouco conhecido Forró de Surubim, de Antônio Barros, mas a primeira música de trabalho foi a Romântico Entre o céu e o mar, que fez parte da trilha sonora da novela Porto dos Milagres, de Aguinaldo Silva.
No álbum Elba canta Luís (2002), presta homenagem a Luís Gonzaga, O Rei do Baião, compositor de quem recebeu grande influência e que já tinha gravado canções em obras anteriores. Luís foi o principal responsável pela popularização dos gêneros nordestinos no eixo Rio-São Paulo. O álbum, que contou com canções consagradas e pouco conhecidas de Mestre Lua, contou também com as participações especiais de Dominguinhos (Canta Luís), Fubá de Taperoá e Dió de Araújo (Calango da Lacraia) e Zeca Pagodinho (O Xamego da Guiomar). as originou um show a partir da divulgação deste, do qual saíram um CD ao vivo e um DVD, ambos gravados no Rio de Janeiro - Elba ao vivo (2003) que também contou com o clássico Luar do Sertão, de João Pernambuco e Catulo da Paixão Cearense. A obra que marca a saída do selo BMG é Baião de Dois (2005), gravada com Dominguinhos e priorizando suas canções, além de canções dos grupos Falamansa (Chama) e Zezum (Onde está voce).
De forma independente, em 2007 lançou o aclamado CD Qual é o assunto que mais te interessa? que contou com a produção de Lula, Yuri e Tostão Queiroga. O CD discute temas que ocupam as notícias e questionam a contemporaneidade; dos habituais nordestinos - frevo, boi maranhense, ciranda, xote - ao samba. O álbum lhe rendeu o Grammy Latino em 2008 na categoria regional contemporânea e inspirou o DVD Raízes e antennas, lançado no mesmo ano, uma mistura de documentário e gravação ao vivo.
O ano de 2009 marca as três décadas de sua carreira, com o mais recente álbum Balaio de amor, lançado pela gravadora independente Biscoito Fino, cujo repertório é composto por baladas românticas com canções da nova safra de compositores nordestinos. No mesmo ano, surgem os antigos CDs - LPs originais que já haviam sido relançados em CD - da fase mais popular de sua carreira, Alegria, Coração Brasileiro, The Way We Like It e Fogo na Mistura (lançados entre 1982 e 1985 ), que estavam há muito tempo esgotadas, voltaram às lojas, com frentes originais completas, contracapas e encarte - na reedição anterior havia sido suprimida ou reduzida -, letras de todas as músicas, nova remasterização e texto interno com a história do álbum na cartilha, escrita pelo jornalista e crítico musical Rodrigo Faour, que também idealizou a coleção. O mesmo aconteceu em 2010 com o álbum Elba (1981), da série Music Hunters da Sony Music, a única que ainda permanecia inédita em formato digital.
Controvérsia
Em 2001, um jornalista da revista Veja afirmou em um artigo que Elba havia dito em um congresso de OVNIs em Curitiba que ela havia sido lascada por extraterrestres. A ação rendeu ação por danos morais contra a revista, mas o veredicto anunciado em 2006 não ganhou a cantora.
Musicalidade
Em sua versão em CD, o álbum Elba ao Vivo, de 1990, trazia uma versão editada da música Doida e mais duas músicas - no caso, Tango de Nanci (Chico Buarque) e o potpourri nordestino independente / Asa Branca. Isso também aconteceu com os álbuns Encanto (1992), com a faixa bônus Eu vai amo, e Landscape (1995) - este, o último a ter uma versão em vinil, com uma música a menos, que é quero colocar o meu bloco na rua (forró / frevo). Estes não foram incluídos em seu LP original devido a limitações de espaço.
O DVD O Grande Encontro 3 trouxe mais três músicas em relação à edição do CD; são eles: Barcarola do São Francisco, Canção agalopada e A vida do traveller.
Vida pessoal
Em 1973, aos vinte e dois anos, Elba foi abandonada grávida de seu primeiro namorado, um menino de vinte e três anos. Foi sua primeira gravidez. Elba, que na época ainda morava em Campina Grande, estava desesperada, com medo da reação de seus pais por ter uma filha mãe solteira, bem como das dificuldades financeiras para criar um filho sozinha. Elba viajou então para Recife, capital de Pernambuco, onde procurou uma clínica clandestina, onde fez um aborto, com dois meses de gravidez. A artista escondeu o assunto de sua família, e só o revelou em 1997 à Revista Veja, onde informou que teve fortes dores e hemorragia durante o procedimento, o que posteriormente dificultou a gravidez e que não voltaria a tomar essa atitude. , mesmo que não quisesse o filho.
Em 1983, começou a namorar o ator e cantor Maurício Mattar, treze anos mais jovem. Em 1985 eles se casaram em uma cerimônia civil. Elba queria engravidar, mas não estava conseguindo. Depois de dois anos em tratamento hormonal, conseguiu ter um filho, a quem deu o nome de Luã Ramalho Mattar. Após sofrer algumas hemorragias durante a gravidez, necessitando de repouso, seu filho nasceu prematuro, aos 8 meses de gestação, em 24 de junho de 1987, na clínica Santa Clara, em Campina Grande, Paraíba, na noite da Festa de São João, em que Elba cantou para uma multidão, junto com Luiz Gonzaga e Dominguinhos. O médico responsável pelo parto normal de Elba foi o Dr. João Figueiredo do Amaral. Depois do nascimento de Luã e do fim das festas juninas, Elba foi se apresentar na Europa e depois voltou ao Rio com Maurício e seu filho. O casal se divorciou em 1990 e até hoje mantém uma relação amigável.
Casou-se com o modelo Gaetano Lopes, vinte e cinco anos mais jovem, de 1996 a 2008. Foram apresentados por um amigo em comum, Sérgio Matos, em 1996 e, após dois meses de amizade, apaixonaram-se e terminaram as outras relações. e foram morar juntos no mesmo ano. O casal formalizou a união em cerimônia civil em 2003, e em 2008 Elba, sendo muito católica, realizou o sonho de se casar vestida de noiva, com as bênçãos de um padre: Casaram-se na religiosa, na Igreja São Batista , em Trancoso, Bahia, cidade onde é dona de um casarão desde 1980, e até hoje realiza festas nesta residência, reunindo amigos e familiares. Elba e Gaetano têm duas filhas: Maria Clara, adotada em 2002, e Maria Esperança, adotada em 2007. Elba, apesar de já ter um filho biológico, sempre teve o sonho de adotar e também não conseguiu engravidar novamente após o nascimento dela filho. ter uma menina; seu marido, Caetano, era estéril e também queria ser pai. Oito meses após o casamento religioso, Elba e Gaetano se divorciaram.
Já divorciada de Caetano, Elba adotou outra menina, Maria Paula, em 2008. Ela já conhecia a família da menina antes de a criança nascer. O processo de adoção foi mais difícil, por ser solteira e já ter adotado outras duas filhas, mas ela conseguiu dar outra irmã para suas outras Marias. A artista chamou todas as suas filhas de Maria em homenagem a Maria, mãe de Jesus, a quem ela é muito devota.
Depois do divórcio, ela começou a namorar o acordeonista Cezinha, trinta e três anos mais novo. O relacionamento durou dois anos, terminando em 2010. Logo após o término do relacionamento, a artista foi diagnosticada com câncer de mama e, após fazer quimioterapia e radioterapia, foi curada em 2012. Em entrevistas ela revelou que era constantemente agredida por ela. o ex-namorado Cezinha, que era alcoólatra e muito ciumento, revelou que foi perseguida por ele há mais de um ano, por não aceitar a separação.
Desde o rompimento de seu relacionamento, eles tiveram relacionamentos casuais com homens anônimos e famosos, mas não assumiram nenhum relacionamento sério para a mídia.
Elba Ramalho tornou-se avó de Esmeralda Mezkta Ramalho Mattar no dia 16 de abril de 2020, filha de Luã, cantora e compositora, com Amanda, modelo. A menina nasceu prematura de oito meses, vindo ao mundo do parto normal, no Rio de Janeiro.
Elba é prima paterna do cantor Zé Ramalho.
Em entrevistas, ela revelou que desde 1990 faz exercícios diários, onde se tornou vegetariana e praticante de ioga e meditação, afirmando que essas práticas mantêm sua alegria de vida, equilíbrio e beleza. [
Raimundo Fagner Cândido Lopes, mais conhecido apenas como Fagner (Orós, 13 de outubro de 1949), é um cantor, compositor, instrumentista, ator e produtor brasileiro, e um dos integrantes do chamado Pessoal do Ceará
O nome de Fagner foi incluído na lista dos maiores cantores de música latina, principalmente devido à sua afiliação com outros músicos latinos não brasileiros, como Mercedes Sos.
infância e família
Natural de Fortaleza, capital do estado do Ceará, foi cadastrado e se considera nascido no município de Orós, onde cresceu, passou a infância e ainda visita regularmente.
É o caçula dos cinco filhos de José Fares Haddad Lupus, imigrante libanês, e de Francisca Cândido Lopes.
Carreira
Primeiros anos
Raimundo Fagner nasceu em 13 de outubro de 1949, foi registrado na cidade de Orós, interior do estado do Ceará, e foi batizado em 27 de dezembro na Igreja do Carmo de Fortaleza. Aos seis anos, ele ganhou um concurso infantil na rádio local, cantando uma música em homenagem ao Dia das Mães. Na adolescência, formou grupos musicais vocais e instrumentais e começou a compor suas próprias músicas. Em 1968, venceu o IV Festival de Música Popular do Ceará com a música "Nada Sou", parceria entre ele e Marcus Francisco. Tornou-se popular no estado em 1969, após aparecer em programas de televisão em auditórios da TV Ceará, e se juntar a outros compositores cearenses como Belchior, Jorge Mello, Rodger Rogério, Ednardo e Ricardo Bezerra, o grupo passou a ser conhecido como "o pessoal do Ceará". Ainda em 1969, após vencer o 'I Festival de Música Popular do Ceará - Aqui no Canto', Fagner fez uma turnê com o grupo de música e teatro Capela Cistina, foram para Buenos Aires de ônibus, a viagem durou 45 dias de estrada.
A carreira nacional de Fagner começou de forma bastante imprevisível. Mudou-se para Brasília em 1970 para estudar arquitetura na Universidade de Brasília, participou do Festival de Música Popular do Centro de Estudos Universitário de Brasília com a "Mucuripe" (parceria com a Belchior) e ficou em primeiro lugar. No mesmo festival, recebeu menção honrosa e prêmio de melhor intérprete com "Cavalo Ferro" (em parceria com Ricardo Bezerra) e o sexto lugar com a música "Manera Fru Fru, Manera" (também com Ricardo Bezerra). A partir daí, Fagner conseguiu chamar a atenção da imprensa do Sudeste, com suas canções sendo intensamente executadas em bares.
Década de 1970
Fagner (1973)
Fagner, Ronaldo Bôscoli, Luís Carlos Miele e Elis Regina, 1972.
Em 1971 gravou seu primeiro single em parceria com outro cearense Wilson Cirino. Foi lançado pelo selo RGE e não foi um grande sucesso. O objetivo da gravadora era vencer o sucesso de cantores como Antônio Carlos e Jocafi. Ainda em 71, foi para o Rio de Janeiro, onde Elis Regina gravou "Mucuripe", que se tornou o primeiro sucesso de Fagner como compositor e também como cantor, ao gravar a mesma música em compacto da série Disco de Bolso, da Pasquim, que tinha, do outro lado, Caetano Veloso interpretando "A Volta da Asa Branca".
O primeiro LP, Manera Fru Fru, Manera, veio em 1973 pela gravadora Philips, incluindo "Canteiros", um de seus maiores sucessos, música sobre poesia de Cecília Meireles. O álbum contou com a participação de Bruce Henri - baixista nascido em Nova York e radicado no Brasil, tendo feito parte da banda de Gilberto Gil - Naná Vasconcelos e Nara Leão. Catálogo, e só foi relançado em 1976. O cantor também fez a banda sonora do filme "Joana, a Francesa" em 1973, que o levou para a França, onde teve aulas de guitarra flamenca e canto.
De volta ao Brasil, em 1975 gravou seu segundo álbum de estúdio, intitulado "Ave Noturna", lançado pelo selo Continental. O disco alcançou considerável sucesso de vendas e, pela primeira vez, Fagner teve uma de suas músicas na trilha sonora de uma novela, "Beco dos Baleiros", de Petrúcio Maia e Brandão, na novela "Ovelha Negra" da TV Tupi . Ainda no selo Continental, gravou um single com Ney Matogrosso.
Seu terceiro álbum, pelo selo CBS (Raimundo Fagner), foi um sucesso de vendas (na primeira semana, foram mais de 40 mil cópias vendidas. Seu quarto álbum, Orós de 1977, foi arranjado e dirigido musicalmente por Hermeto Pascoal. Década de 1970, lança mais dois discos: Eu Canto (1978) com outro poema de Cecília Meireles - "Motivo", musicado por Fagner e mesmo com crédito da poetisa, o LP teve problemas com os herdeiros e teve que ser relançado com a música "Who will take me is me" no lugar de "Motivo" e Beleza (1979). Eu Canto foi seu primeiro sucesso comercial e também continha "Revelação", com solo de guitarra de Robertinho de Recife. depois que Roberto Carlos pergunta a ele em um de seus shows quando ele começaria a cantar para "o povo".
Ao assinar com a CBS, Fagner exigiu ser contratado também como produtor, e com isso ajudou a lançar vários nomes do Nordeste brasileiro, entre eles Zé Ramalho, Elba Ramalho, Amelinha e o próprio Robertinho de Recife. O selo passou a abrigar tantos artistas do Nordeste e, principalmente, do Ceará, que ganhou o apelido de "Bem-Cearenses de Sucesso".
Década de 1980
O primeiro LP da década de 1980 foi Eternas Ondas, que trazia Zé Ramalho, Dominguinhos, Naná Vasconcelos, entre muitos outros. Nesse mesmo álbum, Fagner fez uma versão, com a ajuda de Frederico Mendes, do clássico de John Lennon e Yoko Ono "Oh My Love", do álbum Imagine, de 1971. Aproveitando o auge da carreira de Fagner, o selo Continental lançou o álbum Together - Fagner and Belchior, uma coletânea que continha faixas do álbum Ave Noturna, único álbum de Fagner lançado pela Continental.
A Polydor, por sua vez, colocou o álbum Manera Fru Fru Manera de volta à venda. Em 1981, Fagner gravou o álbum Tradução, um marco importante em sua carreira. O disco foi lançado em toda a Europa e América Latina. Também em 1981 lançou um álbum em espanhol, um antigo sonho de carreira. Em 1982 lançou Sorriso Novo, cujas canções eram poemas de Fernando Pessoa e Florbela Espanca musicados por Fagner. Em 1983 gravou Palavra de Amor, que contou com os grupos Roupa Nova e Chico Buarque. Nos anos seguintes, gravou os discos A Same Pessoa e Semente, estes últimos com a editora CBS. Ao lado da banda Blitz, Gonzaguinha e outros, Fagner participou do 12º Festival Mundial da Juventude, realizado entre julho e agosto de 1985, em Moscou.
Em 1986 lança seu primeiro disco pelo selo RCA, com o nome de Fagner - A lua do Leblon. Em 1987, Fagner lançou mais um álbum: Romance no Deserto (título em português de uma música escrita e gravada por Bob Dylan no álbum Desire). O disco superou a marca de 1 milhão de cópias vendidas, tendo sido lançado também nos Estados Unidos, importado pela BMG Music / Nova York; as canções "Deslizes", "À Sombra de um Volcão" e a faixa-título estiveram entre as mais tocadas no Brasil em mais de 700 dias. O último álbum da década, O Quinze, décimo quinto álbum da carreira de Fagner, recebeu o Prêmio Sharp de melhor álbum do ano.
Década de 1990
O primeiro disco da década, Pedras Que Cantam de 1991, teve como primeira música de trabalho "Borbulhas de Amor", que é uma versão adaptada da canção homônima, em espanhol, do cantor dominicano Juan Luis Guerra. Fagner ficou dois anos sem lançar um novo disco. Foram vinte meses de preparação até o lançamento do álbum Demais, em maio de 1993. O álbum resgata os principais temas da Bossa Nova, com versões de músicas de Vinicius de Moraes, Tom Jobim e Dorival Caymmi. No ano seguinte, lança o álbum Caboclo Sonhador, desta vez com clássicos do forró, com versões de músicas de Dominguinhos, Luiz Gonzaga e vários outros.
O disco não contém nenhuma música própria. Em 1995, fixou residência em Fortaleza e lançou mais um álbum: Retratos. O álbum recuperou canções do final dos anos 1970, ainda não gravadas por Fagner. O vigésimo álbum de sua carreira foi lançado em 1996 com o título Pecado Verde. nesse mesmo ano, Fagner completou 23 anos de carreira artística. O último álbum da década de 1990 foi Terral, que não tinha nenhuma música própria.
Anos 2000
Em 2001, gravou o álbum intitulado Fagner alone. Possui músicas em parceria com Zeca Baleiro, Fausto Nilo, Abel Silva e Cazuza. A parceria entre Fagner e Zeca Baleiro resultou em um álbum de estúdio e um DVD ao vivo em 2003 com o título "Raimundo Fagner & Zeca Baleiro" além de uma série de shows por todo o Brasil. Em 2004, pela Indie Records, Fagner lançou o álbum Donos do Brasil. O penúltimo disco lançado por Fagner foi Fortaleza, em 2007. Posteriormente, lançou "Uma song no Rádio" contendo uma nova parceria com Zeca Baleiro em 2009.
2007
Em 2007, em entrevista à revista QUEM, Fagner assume que já teve relações com homens. Questionado sobre ser bissexual, ele deixa claro que não gosta de rótulos.
Fagner na TV Brasil, 2014
2011
Em 2011, Fagner foi considerada uma das 30 pessoas mais influentes do Ceará no ano, segundo pesquisa realizada pela revista Fale!
2014
Em 2014 lançou seu primeiro álbum inédito, Birds Urbanos, após 5 anos e voltando a parceria com a Sony Music. Em novembro de 2014, Fagner lançou um álbum ao vivo em colaboração com o cantor e guitarrista Zé Ramalho, intitulado Fagner & Zé Ramalho Ao Vivo, também na Sony Music.
2020
Em 2020, lança, em formato digital, junto com Zeca Baleiro através da Saravá Discos, o álbum Raimundo Fagner e Zeca Baleiro - Ao vivo em Brasília, 2002. A apresentação em Brasília (DF) foi descoberta por acaso e gerou o álbum ao vivo com 10 números de shows e duas faixas bônus gravadas em estúdio.
Em dezembro de 2020, fecha parceria com a gravadora Biscoito Fino e lança o álbum Serenata, uma seleção de serenatas e clássicos da música popular gravada originalmente pelas grandes vozes da Era do Rádio. A canção-título revelava a colaboração muito especial de Fagner com Nelson Gonçalves, feita com o auxílio da tecnologia, a partir da voz original da gravação que Nelson lançou em 1991
Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Rio de Janeiro, 25 de janeiro de 1927 - Nova York, 8 de dezembro de 1994), mais conhecido por seu nome artístico, Tom Jobim, foi um compositor pop, maestro, pianista, cantor pop, arranjador brasileiro e guitarrista. É considerado o maior expoente de todos os tempos da música popular brasileira pela revista Rolling Stone e um dos criadores do movimento bossa nova, com sua música e melodia, ao lado das letras e poesias de Vinicius de Moraes e da voz e violão de João Gilberto.
Biografia
Filho do diplomata gaúcho Jorge de Oliveira Jobim e da dona de casa carioca Nilza Brasileiro de Almeida, Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim nasceu na rua Conde de Bonfim, 634, no bairro da Tijuca, no Rio de Janeiro (então Distrito Brasileiro Federal). Mudou-se com a família no ano seguinte para Ipanema, onde cresceu. A ausência do pai na infância e na adolescência impôs-lhe um ressentimento contido, desenvolvendo no maestro uma relação profunda com a tristeza e o romantismo melódico, transferidos peculiarmente às construções harmônicas e melódicas. Aprendeu violão e piano em aulas, entre outros, com o professor alemão Hans-Joachim Koellreutter, que introduziu a técnica dodecafônica no Brasil.
O bisavô paterno do compositor, José Martins da Cruz Jobim, era natural de Jovim, Gondomar, Portugal. O sobrenome de Jobim faz alusão a esta localização. A bisavó do compositor, Maria Joaquina, era meia-irmã do Barão de Cambaí, Antônio Martins da Cruz Jobim. Também era descendente da pioneira Fernão Dias Pais.
Vida pessoal
Em 15 de outubro de 1949, Antonio Carlos Jobim casou-se com Thereza de Otero Hermanny (1930), com quem teve dois filhos, Paulo (1950) e Elizabeth (1957).
Em 1976, Tom conheceu a fotógrafa Ana Beatriz Lontra, então com 19 anos, mesma idade da filha Elizabeth. Em 30 de abril de 1986, [4] eles se casaram. [5] Tom e sua segunda esposa tiveram dois filhos juntos, João Francisco (1979-1998) e Maria Luiza Jobim (1987).
trajetória profissional
Pensou em trabalhar com arquitetura, fazer o primeiro ano da faculdade e até trabalhar em escritório, mas logo desistiu e decidiu ser pianista. Tocou em bares e boates de Copacabana, como o Beco das Garrafas, no início dos anos 1950, até que em 1952 foi contratado como arranjador pela gravadora Continental, onde trabalhou com Sávio Silveira. Além dos arranjos, também tinha a função de transcrever para a equipe as melodias de compositores que não dominavam a escrita musical. As primeiras composições datam desse período, sendo a primeira gravada “Incerteza”, em parceria com Newton Mendonça, na voz de Mauricy Moura.
Tom Jobim, 1965.
Depois da Continental, foi para a Odeon. Porém, não teve tanto tempo para se dedicar à composição, o que o interessou mais. Foi nessa época que compôs alguns sambas, em parceria com Billy Blanco: Tereza da Praia, gravada por Lúcio Alves e Dick Farney para a Continental (1954), Solidão e a Sinfonia do Rio de Janeiro. Tereza da Praia foi o primeiro sucesso. Depois, surgiram outras parcerias, como com a cantora e compositora Dolores Duran, na música Se é por Falta de Adeus.
Em 1953, as canções Faz a Semana e Pensando em Você foram gravadas por Ernani Filho. Ainda na década de 50, com Vinicius de Moraes, Tom Jobim produziu as canções para a peça Orfeu da Conceição e, posteriormente, para o filme Orfeu do Carnaval ou Orfeu Negro, dirigido por Marcel Camus, ao lado de Luiz Bonfá e Antônio Maria.
A antológica canção Se Todos Fossem Iguais a Você, gravada várias vezes, fez muito sucesso nesta peça. Tom Jobim fez parte do núcleo embrionário da bossa nova. O LP Canção do Amor Demais (1958), em parceria com Vinícius e interpretado por Elizeth Cardoso, vinha acompanhado do violão de um baiano até então desconhecido, João Gilberto. A orquestração é considerada um marco inaugural da bossa nova, pela originalidade das melodias e harmonias. Inclui, entre outros, Canção do Amor Demais, Chega de Saudade e Eu Não Existo sem Você. arranjos e direção musical de Tom, que selou os caminhos que a música popular brasileira trilhou a partir de então. No mesmo ano foi a vez de Sílvia Telles gravar Amor de Gente Moça, álbum com doze canções de Tom, entre as quais Só em Teus Braços, Dindi (com Aloysio de Oliveira) e A Felicidade (com Vinícius).
Tom foi um dos destaques do Carnegie Hall Bossa Nova Festival, em Nova York, em 1962. No ano seguinte compôs, com Vinícius, um dos maiores sucessos e possivelmente a música brasileira mais tocada no exterior: Garota de Ipanema. Nos anos de 1962 e 1963, impressiona a quantidade de “clássicos” produzidos por Tom: Samba do Avião, Só Danço Samba (com Vinícius), Ela é Carioca (com Vinícius), O Morro Não Tem Vez, Paisagem inútil (com Aloysio ), Eu vivo sonhando. Nos Estados Unidos gravou discos (o primeiro individual foi The Composer of Desafinado, Plays, de 1965), participou de shows e fundou seu próprio selo, o Corcovado Music. Em 1964, competindo com os Beatles, Rolling Stones e Elvis Presley, Tom Jobim ganhou o Grammy de Música do Ano por "Garota de Ipanema".
Tom Jobim e Chico Buarque no Festival Internacional da Canção (FIC), 1968. Arquivo Nacional.
O sucesso fora do Brasil o fez retornar aos Estados Unidos em 1967 para gravar com um dos grandes mitos americanos, Frank Sinatra. Francis Albert Sinatra e Antonio Carlos Jobim, com arranjos de Claus Ogerman, incluíram versões em inglês de canções de Tom (The Girl From Ipanema, How Insensitive, Dindi, Quiet Night of Quiet Stars) e composições americanas como I Concentrate On You, de Cole Porter. No final da década de 1960, após lançar o álbum Wave (com a faixa-título, Triste, Lamento, entre outros instrumentais), participou de festivais no Brasil, conquistando o primeiro lugar no III Festival Internacional da Canção (Rede Globo), com Sabiá, em parceria com Chico Buarque, interpretado por Cynara e Cybele, do Quarteto em Cy. Sabiá venceu o júri, mas não todo o público, que preferia em grande parte o vencedor como "Pra Não Dizer que não Falei das Flores" (ou, como ficou mais conhecido, "Caminhando"), composta e interpretada por Geraldo Vandré, pelo seu conteúdo de confronto com a ditadura política que o país atravessava. Assim, grande parte do público vaia ostensivamente tanto a divulgação do resultado quanto toda a interpretação do vencedor, para constrangimento de seus compositores.
Ao aparecer como segundo colocado, Vandré, sentindo o clima pesado do ambiente, até tentou defender os vencedores, dizendo:
“Antonio Carlos Jobim e Chico Buarque de Hollanda merecem o nosso respeito. Nosso papel é fazer canções; o papel de julgar, naquele momento, é do Júri, que está lá” (e ao enfrentar o público assim, foi vaiado em voz alta, também, Ao que reagiu esperando o fim do apupos, para deixar um aviso e uma lição ao público) (...). Só mais uma coisa: pra você, que fica pensando que tá me apoiando com vaias ... (o público inicia um refrão de "É marmelada!") (...). Olha, só há uma coisa: a vida não é apenas sobre festivais! "
A influência impressionista
É reconhecida a influência de Debussy e Ravel na música do maestro Antônio Carlos Jobim, que utilizou motivos impressionistas e estruturas harmônicas semelhantes a desses compositores em sua música popular e erudita, como A Sinfonia da Alvorada.
Uma das marcas registradas de Tom foi sua incrível capacidade de adicionar leveza e elegância à alta complexidade e densidade de suas composições.
Admirador e influenciado por Villa Lobos e Ary Barroso, Jobim também estudou em profundidade a obra de estudiosos como Radamés Gnatalli e Guerra Peixe.
Tom Jobim, Vinicius e o estilo mais intimista da Bossa Nova abriram espaço para os compositores gravarem seus sucessos com frequência, pois tornou-se importante conhecer a carga emocional pensada ou desejada pelos compositores para suas composições.
Tom Jobim, 1972. Arquivos Nacionais.
Tom queria intensamente que sua música fosse cantada pelas pessoas no dia a dia.
Aprofundando seus estudos musicais, adquirindo influências de compositores clássicos, principalmente Villa-Lobos e Debussy, Tom Jobim continuou gravando e compondo música vocal e instrumental de rara inspiração, unindo harmonias de jazz (Stone Flower) e elementos tipicamente brasileiros, resultado de suas pesquisas sobre Cultura brasileira. É o caso de Matita Perê e Urubu, lançados na década de 1970, que marcam a aliança entre a sofisticação harmônica e a qualidade letrista. Esses dois discos são Águas de Março, Ana Luiza, Lígia, Correnteza, O Boto, Ângela. Também nessa época gravou discos com outros artistas, como Elis & Tom, com Elis Regina, Miúcha e Tom Jobim e Edu e Tom, com Edu Lobo.
Ainda aproveitando a veia engajada do regime pós-militar, ele cantou, ainda que com pequena participação individual, no coro da versão brasileira de We are the world, o hit americano que juntou vozes e arrecadou fundos para a África ou EUA. para a África. O projeto Nordeste Já (1985) abraçou a causa da seca no Nordeste, reunindo 155 vozes em um compacto, criado coletivamente, com as canções Chega de mágoa e Seca d'água. Elogiado pela competência de interpretações individuais, ele foi, no entanto, criticado por sua incapacidade de harmonizar as vozes e o enquadramento de cada uma delas no coro.
Tumba de Tom Jobim no Cemitério São João Batista, Rio de Janeiro.
Em 1987 lançou Passarim, obra de um já consagrado compositor, que pôde desenvolver seu trabalho sem medo, acompanhado por uma grande banda, a Banda Nova. Além da faixa-título, destaque para Gabriela, Luiza, Chansong, Borzeguim e Anos Dourados (com Chico Buarque). Em 1992 foi o enredo da Escola de Samba Estação Primeira de Mangueira. Seu último álbum, Antônio Brasileiro, foi lançado em 1994, pouco antes de sua morte em dezembro de parada cardíaca durante a recuperação de um câncer de bexiga no Hospital Mount Sinai, em Nova York.
Algumas biografias já foram publicadas, incluindo Antônio Carlos Jobim, Um Homem Illuminado, de sua irmã Helena Jobim, Antônio Carlos Jobim - Uma Biografia, de Sérgio Cabral, Tons sobre Tom, de Márcia Cezimbra, Tárik de Souza e Tessy Callado, e Tom Jobim - Histórias de Canções, de Wagner Homem e Luiz Roberto Oliveira.
Antônio Carlos Jobim foi doutor honorário pela Universidade Nova de Lisboa / Faculdade de Ciências Sociais e Humanas, por volta de 1991.
O Aeroporto Internacional do Rio de Janeiro passou a se chamar Aeroporto Internacional do Rio de Janeiro / Galeão - Antônio Carlos Jobim pelo Congresso Nacional por uma comissão de notáveis, formada por Chico Buarque, Oscar Niemeyer, João Ubaldo Ribeiro, Antônio Cândido, Antônio Houaiss e Edu Lobo, criada e coordenado pessoalmente pelo crítico Ricardo Cravo Albin.
Em 25 de janeiro de 2011, dia em que Jobim faria 84 anos, o Google alterou o logotipo de sua página inicial em sua homenagem.
Grandes nomes da música internacional tocaram e cantaram canções de Tom Jobim, como Stan Getz, Dizzy Gillespie, Ella Fitzgerald, Count Basie, Oscar Peterson, Sarah Vaughan, além de Frank Sinatra, a Voz do Século 20, simbolizando a consagração internacional da música deles. produção musical. Essa admiração fez com que Tom Jobim fosse chamado pelos músicos de jazz de George Gershwin do Brasil, uma grande honra.
Com a obra de Antônio Carlos Jobim, a música brasileira experimentou uma projeção internacional inédita, rigorosamente inédita e definitiva. Até o movimento da Bossa Nova, a presença brasileira, embora marcada pela excelência, como nas obras de Ary Barroso, Dorival Caymmi, Zequinha de Abreu e Waldir Azevedo, era pontual; com Jobim, porém, tornou-se permanente, estrutural e influenciou a produção posterior.
Uma vertente musical que nasceu do samba-canção abriu-se ao diálogo com as tendências internacionais da música, marcou gerações e exibiu a riqueza que surge da vontade ativa de conhecer a diversidade cultural dos povos, articulando o popular e o erudito, sem qualquer preconceito, reverenciando os clássicos, oferecendo uma nova leitura da música popular, superando estereótipos, expressando assim uma marca indelével de sua produção musical, composta por obras de rara beleza com amplo reconhecimento internacional pela crítica especializada e pelo grande público.
João Gilberto Prado Pereira de Oliveira OMC (Juazeiro, 10 de junho de 1931 - Rio de Janeiro, 6 de julho de 2019) foi um cantor, violonista e compositor brasileiro. [2] Considerado um artista genial por musicólogos e jornalistas especializados, ele revolucionou a música brasileira ao criar uma nova batida de violão para tocar samba: a "bossa nova". Sua maneira suave de cantar também influenciou muitos cantores da MPB. [3] [4] Para a revista Rolling Stone Brasil, foi um dos 30 maiores ícones brasileiros do violão e violão [5] e também o segundo maior artista brasileiro de todos os tempos, depois de Tom Jobim (também músico e compositor e arranjador de seus maiores sucessos carreira de João Gilberto).
Desde o lançamento do single que continha Chega de Saudade e Bim Bom, armados apenas de voz e violão, iniciou-se uma revolução na world music. Dono de um som original e moderno, João Gilberto levou a música popular brasileira ao mundo, principalmente aos Estados Unidos, Europa e Japão. Europa, como os Grammys, em meio à beatlemania.
Biografia
Infância e juventude
Filho de Joviniano Domingos de Oliveira, próspero comerciante, e da Martinha do Prado Pereira de Oliveira, João, na época conhecido como Joãozinho da Patu, nasceu em Juazeiro, no sertão baiano, às margens do rio São Francisco. Lá, viveu até 1942, quando começou a estudar em Aracaju, Sergipe, sempre tocando na banda da escola. Em 1946 regressou a Juazeiro, onde teve a oportunidade de ouvir Orlando Silva, Dorival Caymmi e Carmen Miranda a Duke Ellington, Tommy Dorsey e Charles Trenet nos altifalantes da cidade. Também teve contato com a música em casa, já que o Sr. Joviniano tocava cavaquinho e saxofone como amador, além de incentivar financeiramente a Banda de Música 22 de março. Naquela época, João formava conjuntos vocais com seus colegas de escola.
Aos sete anos, percebeu um erro na atuação do organista da igreja entre as dezenas de vozes do coro, mostrando, desde a infância, o ouvido privilegiado que possuía. Aos 14, ele ganhou seu primeiro violão de seu pai. Ainda em Juazeiro, formou um conjunto vocal denominado Enamorados do Ritmo. Seu maior ídolo na época era Orlando Silva, em quem se inspirou para cantar. Mudou-se para Salvador em 1947. Durante os três anos em que morou na capital baiana, abandonou os estudos para se dedicar exclusivamente à música e iniciou, aos 18 anos, sua carreira artística no elenco da Rádio Sociedade da Bahia.
Início de carreira
João Gilberto e Stan Getz em Nova York (1972).
Convidado a integrar o grupo vocal Garotos da Lua, em 1950, João Gilberto parte para o Rio de Janeiro. No ano seguinte, com destaque no rádio, o Garotos da Lua gravou dois discos de 78 rpm. No entanto, com um início de carreira turbulento, marcado por atrasos, João foi despedido do grupo. Pouco depois, em 1952, teve a oportunidade de gravar um disco solo para a gravadora Copacabana, marcado pela semelhança do canto de João com o de Orlando Silva em seu apogeu, com voz alta e uso de dispositivos técnicos como vibratos, da mesma divisão. de palavras e o mesmo “sentimento”. Curiosamente, João cantava sem violão, o que se tornaria muito ligado à imagem de João no futuro. O álbum, porém, não alcançou nenhum sucesso, Orlando era antiquado e moderno eram Dick Farney e Lúcio Alves.
Na época, João namorava a futura cantora Sylvia Telles. Na época, dividia um quarto de pensão com Luiz Carlos Paraná.
Surgiram oportunidades e Lúcio Alves sugeriu à Rádio Nacional que João gravasse um acetato contendo "Só mais uma chance", de Sam Coslow e Arthur Johnson, em uma versão de Haroldo Barbosa chamada "Só Um Minuto".
Em 1953, grava sua primeira composição, "Você está com meu bem", em parceria com Russo do Pandeiro, na voz de Marisa Gata Mansa, então namorada dele. A gravação foi acompanhada por João ao violão, ainda sem a famosa batida da bossa nova.
Nestes anos, João Gilberto chegou a gravar alguns jingles no estúdio do Russo do Pandeiro, como o do Toddy, com letras "Eu era magrinho / Muito feio e amarelo. // O Toddy levava todos os dias / Engordava e melhorava / Strong ficou. // As meninas agora me chamam de bonito / No esporte eu sou um campeão ". Ele também tocou em festas da sociedade, com honorários insignificantes.
Em 1954, João conheceu Carlos Machado, o Rei da Noite, e com ele pôde participar no espectáculo Esta Vida É um Carnaval, na discoteca Casablanca, com a participação de Grande Otelo, Ataulfo Alves, a bateria Império Serrano, entre outros artistas. João cantou em coro em uma cena e em outra cantou como solista um samba de Sinhô, "Recordar é vive", além de fazer pequenas apresentações teatrais. O show foi um sucesso de crítica e público. Nesse mesmo ano ingressou no grupo Quitandinha Serenaders. No grupo conheceu Luiz Bonfá, Alberto Ruschel e Luís Telles, que se tornou um grande amigo de João. Chegou até a integrar o grupo Anjos do Inferno, em uma curta temporada em São Paulo.
A consagração, entretanto, não viria a João naqueles anos.
Em 1955, João foi para Porto Alegre, no Rio Grande do Sul, com o amigo Luís Telles. Lá conheceu Armando Albuquerque, compositor, pianista, violinista, professor, musicólogo e amigo de Radamés Gnatalli, com quem passou horas estudando música, principalmente harmonia. Após oito meses, João decidiu ir para Diamantina, no interior de Minas Gerais, morar com a irmã Dadainha, recém-casada e com uma filha recém-nascida. Durante os estudos, João percebeu que, se cantasse mais baixo, sem vibrato, poderia avançar ou atrasar o canto em relação ao ritmo, desde que a batida fosse constante, criando assim o seu próprio tempo. Depois de sete meses em Diamantina, João partiu para Juazeiro, onde passou dois meses com a família. Lá compôs "Bim Bom", confiante de que havia encontrado a batida que desejava. Ele foi para Salvador, capital do estado, e por lá ficou alguns dias. No início de 1957, João Gilberto parte para o Rio de Janeiro, para sua consagração.
A apresentação da batida
Chegando ao Rio de Janeiro em 1957, João, de 26 anos, procurou mostrar sua nova técnica aos músicos e, quem sabe, talvez consiga gravar. Tocou para vários músicos, intrigando alguns, entre eles Tito Madi e Edinho, do Trio Irakitan, mas encontrou o seu caminho atuando para Roberto Menescal, numa história bem conhecida e conhecida. Em meio a uma grande festa, Menescal abriu a porta para um rapaz que pedia um violão. Surpreso com o pedido e com a insistência, Roberto Menescal acabou levando para seu quarto aquele que era João Gilberto. Lá, João cantou "Bim Bom" e encantou o jovem Menescal, que fugiu da festa dos pais e fez um pequeno tour pelo Rio de Janeiro, apresentando a nova batida a pessoas como Ronaldo Bôscoli e em lugares como o apartamento de Nara Leão. João explicou algumas de suas novas técnicas a Menescal e Bôscoli: sua mão direita tocava acordes, não notas, produzindo harmonia e ritmo ao mesmo tempo. Além disso, ele usou técnicas de respiração de ioga, o que lhe permitiu alongar frases melódicas sem perder o fôlego.
Nessa época, João se apresentava na casa de Chico Pereira, que gravava a performance em uma flauta doce Grundig. A gravação, adquirida do japonês por um fã sueco e remasterizada por um engenheiro de som francês, chegou à internet em 2009, causando um grande rebuliço em blogs de música e fãs de bossa nova. Chico também ajudou João a se aproximar de Tom Jobim, que trabalhava na gravadora Odeon, para gravar um disco. Ele se encantou principalmente com o violão de João, vendo ali uma oportunidade de modernizar o samba, simplificando o ritmo e incluindo novas harmonias, principalmente algo mais funcional, modalismo, criando liberdade para os arranjos. Entusiasmado, Tom apresentou a João uma nova composição que fizera há um ano com o poeta Vinicius de Moraes, mas que se encostava uma na outra, chamada Chega de Saudade.
Há registros de fitas gravadas de forma amadora pelo cantor Luís Cláudio.
João ficou conhecido no meio musical carioca. Chegou a tocar com Severino Filho e Badeco, cariocas, Chaim e João Donato, com quem compôs Minha Saudade, que logo se tornou um padrão do período. João tocava regularmente na boate Plaza Hotel, que passou a ser um ponto de encontro de músicos. Lá, João tocou com Milton Banana, que adaptou sua bateria ao estilo de João, tocando baixo, com escova e baqueta na caixa. Tom Jobim era frequentador assíduo do clube, onde ia ouvir João Gilberto.
O registro que mudou tudo
O ano de 1958 foi um marco para a música popular brasileira. Em julho, Elizete Cardoso lançou o famoso LP Canção do Amor Demais, com músicas de Tom Jobim e Vinicius de Moraes. O disco, porém, entraria na história da música popular brasileira por outro motivo: João Gilberto acompanhava Elizete ao violão nas faixas Chega de Saudade e Outra Vez, sendo essas as primeiras gravações da chamada "batida da bossa nova" . Em agosto, João lançou um disco de 78 rpm contendo "Chega de Saudade" e "Bim Bom", gravado na Odeon, com o apoio de Tom Jobim, Dorival Caymmi e Aloysio de Oliveira. Esse disco inaugurou o gênero bossa nova e logo se tornou um sucesso comercial. Sua gravação foi arranjada por Tom Jobim, com a participação de orquestra e Milton Banana, entre outros artistas. João inovou ao pedir dois microfones para gravar, um para voz e outro para violão. Desta forma, a harmonia tornou-se mais claramente ouvida. O álbum chegou pela primeira vez a São Paulo, principal mercado do país na época. Foi um campeão de vendas e primeiro lugar no rádio. João participou, então, de programas de rádio e TV, deu entrevistas, fez shows. Logo o sucesso foi para o Rio. Em 1959, João lançou mais 78 rpm, desta vez contendo Desafinado, de Tom Jobim e Newton Mendonça, e Hô-bá-lá-lá, sua própria composição. Em março, lançou o LP Chega de Saudade, que se tornou um sucesso de vendas. Diz-se que depois de conhecer João, Ary Barroso aconselhou-o: "Faça exatamente o que quiser!"
A importância do primeiro disco de João Gilberto é demonstrada por Tom Jobim na contracapa do LP: "Em muito pouco tempo (João) influenciou toda uma geração de arranjadores, violonistas, músicos e cantores".
1959-1962
Chega de saudades de casa
Após o lançamento do LP Chega de Saudade, a nova batida do violão virou moda entre estudantes do ensino médio e universitários, encantados com o violão de João Gilberto. Este disco influenciou a geração de João e a próxima geração de jovens que, ao ouvirem Chega de Saudade, decidiram seguir a carreira de músico. Entre os jovens estavam Gilberto Gil, Caetano Veloso, Chico Buarque, Milton Nascimento, Edu Lobo, Francis Hime, Roberto Carlos, Jorge Ben Jor, Paulinho da Viola, entre outros. Esse disco gerou a mais completa reviravolta na música popular brasileira. João sintetizou a MPB em seus termos fundamentais: ritmo, harmonia, batida de violão e técnica de canto. Além disso, seu estilo, embora revolucionário, não rompeu com a música do passado, pois gravou em seus discos composições antigas de Ary Barroso, Geraldo Pereira, Dorival Caymmi e sucessos de Orlando Silva. Chamado de recompositor pelo músico Luiz Tatit, João transformava canções antigas em novas, segundo sua concepção. Jobim definiu o estilo de João como uma forma leve que pode ser estendida a qualquer música brasileira. João Gilberto definiu a economia como uma marca harmônica inédita. Os arranjos de Tom Jobim, por exemplo, têm como guia o violão de João, que concentra a fluidez rítmica e melódica. Neste LP, foi introduzido o uso de acordes invertidos tocados em bloco. A música Chega de Saudade era inicialmente um chorinho, e João a transformou em um samba seco, com o violão deixando de ser mero acompanhamento e dividindo o primeiro plano com a voz.
Com esse disco, João Gilberto deixou o João pré-bossa do Rio para trás e partiu para sua consagração. Participou no programa "Noite de Gala", da TV Rio, dirigido por Luís Carlos Miele. Ainda em 1959, João gravou a participação nas 78 rpm de Luiz Cláudio, acompanhando-o ao violão, na primeira gravação da música Este Seu Olhar, de Tom Jobim, que tocava piano e arranjava a gravação, relançada em 2005 na coletânea "Este Seu Olhar", CD lançado pelo selo Revivendo do pesquisador Leon Barg. Gravou três músicas da trilha sonora do filme Orfeu de Carnaval, ou Black Orpheus, lançado em single duplo pela Odeon. Porém, ao contrário do que muitos pensam, João Gilberto não participou da trilha sonora original do filme. Também se apresentou na boate Meia Noite do Copacabana Palace e no Country Club do Rio de Janeiro. Em 1960, com a febre de João, vários festivais de bossa nova aconteciam no Rio, como o Grupo Universitário Hebraico, a Escola Naval, a Rádio Globo - transmitida ao vivo - e o Teatro de Arena da Faculdade Nacional de Arquitetura, esta última com a participação de João Gilberto e Chico Pereira, que gravaram o show, além da presença de Vinicius de Moraes e Tom Jobim e ampla cobertura da mídia. Participou do programa "Brasil 60", da TV Excelsior, onde atuou e fez dueto com Orlando Silva, seu ex-ídolo, e teve seu próprio programa, chamado Musical Três Leões, na TV Tupi, de São Paulo. João também participou do programa de abertura da TV Excelsior. Infelizmente, não há registro de vídeo ou áudio dessas apresentações. Todos os novos músicos ligados ao movimento bossa nova copiaram a maneira de João tocar e cantar. João também se apresentou em Minas Gerais, Salvador (com a presença de Vinicius de Moraes), fez uma temporada na boate Arpège, no Leme, no Rio de Janeiro, e gravou um jingle para a Lever, hoje Unilever.
O amor, o sorriso e a flor (1960) e João Gilberto (1961)
Ainda em 1960, João Gilberto gravou seu segundo LP, O Amor, o Sorriso e a Flor, que em 1962 chegou aos Estados Unidos. Começou a exportação da música brasileira moderna. Esse LP trouxe outra inovação: a contracapa trazia as letras das músicas, o que se tornou característico dos discos brasileiros. Vale destacar a composição de Tom Jobim e Newton Mendonça, o Samba de Uma Nota Só, uma síntese da bossa nova nos elementos fundamentais da letra, melodia, ritmo e harmonia.
Em 1961, grava seu terceiro disco, João Gilberto. Seu terceiro LP foi gravado em duas fases: a primeira com Walter Wanderley e sua banda; a segunda, com orquestra dirigida por Tom Jobim. Os antigos sambas voltaram, mas alterados de tal forma, rítmica e harmonicamente, que soaram como novos sambas. Entre os efeitos utilizados por João está o rubato, em que se apressam ou encurtam as frases, cantando num andamento ligeiramente diferente do acompanhamento, "roubando" algum tempo das notas, aguardando com o violão e continuando normalmente. Foi também neste disco que o João, pela primeira vez, gravou sozinho, apenas com a guitarra. Ao que parece, são duas faixas gravadas e não lançadas no disco, segundo o músico Bebeto, ex-Tamba Trio. Ele afirmou que uma das gravações é Falseta, de Johnny Alf. Com a gravação deste terceiro LP, João se eternizou na música popular brasileira, em tão pouco tempo influenciando tanto. A edição americana deste disco teve uma nova gravação de Este Seu Olhar, com melodia modificada, aparentemente por questões de direitos autorais.
Naquele ano, em uma série de apresentações em São Paulo, João mostrou que era unânime na cidade de São Paulo. Apresentou-se para 1.500 pessoas na Universidade Mackenzie, lotou o teatro do Clube Harmonia e do Clube Pinheiros.
O golpe atingiu os Estados Unidos. Lena Horne cantou "Bim Bom" em português no Copacabana Palace, alegando ser fã de João Gilberto. Em Washington, na rádio WMAL, o disc jockey Felix Grant programava para tocar os discos de João diariamente, fato que impactou músicos e aficionados do jazz. João foi considerado um fenômeno pelos músicos de jazz. Herbie Mann afirmou que João Gilberto atraiu a atenção dos americanos para a música brasileira. A revista Life en Español, em extenso artigo de Joaquín Segura, em 29 de outubro de 1962, apresentou aos Estados Unidos a bossa nova de João Gilberto, "Nota de Actualidad BOSSA NOVA - Del Brasil llega a los EE.UU. una music contagious" . O jornalista descreveu viagens ao Brasil de estrelas do jazz como Dizzy Gillespie, Charlie Byrd, Herbie Mann, que voltaram tentando imitar o violão e a voz de João Gilberto, descrito pelo jornalista como o maior expoente da bossa nova. Bim bom, Ho Ba La La e Um Abraço no Bonfá, composições de João, começaram a chegar à França. Nesses anos, João chegou a se apresentar no Uruguai e na Argentina, suas primeiras apresentações no exterior.
Encontro no Au Bon Gourmet
Em 1962, realiza o show histórico O Encontro no restaurante Au Bon Gourmet, localizado em Copacabana, ao lado de Tom Jobim, Vinicius de Moraes, Os Cariocas, Milton Banana e Otávio Bailly, sob a direção de Aloysio de Oliveira. Foi a única vez que Vinicius, João e Tom se apresentaram no mesmo palco. A temporada durou um mês, estendida para duas semanas devido ao sucesso. O público era formado pela alta sociedade carioca e círculos de artistas. O show foi marcante porque foi a estreia de grandes sucessos da bossa nova. Entre eles, Só Danço Samba, Samba da Bênção, O Astronauta, Samba do Avião e Garota de Ipanema, que nesta ocasião especial teve uma introdução inédita escrita por Tom, Vinicius e João. troque o verso "um cigarro, um violão" por "um canto, um violão". como se tornou consagrado. A repercussão na mídia da época foi grande, com várias capas de revistas e elogios em jornais.
João Gilberto fez uma pequena participação no LP "José Vasconcelos conta histórias de animais", da ODEON, na canção A Roupa do Leão.
Primeiro casamento e internacionalização da carreira
Casamento com Astrud Evangelina Weiner
Ainda em 1959, casou-se com Astrud Evangelina Weinert, que ficou conhecida como Astrud Gilberto e se tornou uma das cantoras mais importantes da história da música brasileira, sendo, até hoje, a única artista feminina do país a disputar as principais categorias de o principal prêmio da indústria da música mundial, o Grammy Awards. Em 1964, a cantora foi indicada para Melhor Performance Vocal Feminina em Música Pop, Melhor Artista Revelação e Gravação do Ano. Americano Stan Getz. Em 1966, Astrud foi indicada novamente para a Melhor Performance Vocal Feminina na categoria Música Pop no Prêmio Grammy, que foi ganho, como no ano anterior, pela cantora Barbra Streisand. [40]
O casal se conheceu através da grande amiga de Astrud, também cantora Nara Leão. [41] Com Astrud, João teve um filho, João Marcelo, em 1960.
Concerto no Carnegie Hall
Em 1962, João participou de um show no Carnegie Hall, em Nova York, produzido pela Audio Fidelity Records e patrocinado pelo Itamaraty, com o objetivo de divulgar a bossa nova nos Estados Unidos. Além de João, também participaram Luiz Bonfá, Oscar Castro Neves, Agostinho dos Santos, Carlos Lyra, Sérgio Mendes e Tom Jobim, entre outros.
Em 21 de novembro de 1962, três mil pessoas lotaram o Carnegie Hall, esperando para ouvir, principalmente, Tom Jobim e João Gilberto. Entre os espectadores estavam Tony Bennett, Peggy Lee, Dizzy Gillespie, Miles Davis, Gerry Mulligan, Erroll Garner e Herbie Mann. Houve grande presença da imprensa americana, estimada em trezentos repórteres, cineastas e críticos especializados de todo o mundo, além de uma rádio que transmitia para Moscou e da Rádio Bandeirantes, que transmitia para o Brasil. O programa também foi filmado por uma TV americana, e posteriormente exibido na TV Continental e na TV Tupi, do Brasil. A atuação de João foi elogiada pela mídia americana, em reportagens de veículos como The New Yorker, Newsweek, Time, The New York Times e Down Beat. Apesar de ser um cantor e violonista brasileiro, cantando canções inéditas em português para um público exigente formado por músicos e críticos, João conquistou os Estados Unidos.
Apesar de alguns problemas de organização, com o equipamento de som e com o excesso de apresentações, João Gilberto, Luiz Bonfá e Tom Jobim foram os destaques da noite.
Após o episódio, João se apresentou na boate Blue Angel, no Village Gate em Nova York e no Lisner Auditorium em Washington. A partir daí, João fixou residência no exterior e passou a divulgar a música brasileira moderna pelo mundo.
colheita vermelha
No Brasil, foi lançado o filme Seara Vermelha, que trazia na trilha sonora uma composição de João em parceria com Jorge Amado, composta na década de 1950, batizada de Lamento da Morte de Dalva na Beira do Rio São Francisco, em Juazeiro quando estavam compondo, João cantava a melodia sem parar na casa de Jorge Amado. A esposa de Jorge, Zélia Gattai, conta que, depois de ouvir tanto, o sofredor do casal aprendeu a melodia e começou a cantar. João acabou fazendo um dueto com o pássaro.
A letra da música permaneceu inédita por anos, nunca tendo sido gravada.
Getz / Gilberto
Nos dias 18 e 19 de março de 1963, no A&R Studios, em Nova York, João se juntou a Stan Getz, Astrud Gilberto, Tom Jobim, Milton Banana e Tião Neto para gravar o álbum Getz / Gilberto, produzido por Creed Taylor para a gravadora Verve, com Phil Ramone como engenheiro de som, que entrou na história da world music por gravações como "Corcovado" e "Garota de Ipanema". O álbum, porém, esperava um ano para ser lançado, devido à saturação dos lançamentos da bossa nova nos Estados Unidos.
Tião Neto chegou a dizer, antes do lançamento, que esse seria o melhor disco de bossa nova já gravado.
Nesse mesmo ano, João foi homenageado por vários músicos de jazz e pelo cantor Jon Hendricks, que gravou o disco Salud! João Gilberto - Originador da Bossa Nova e, ouvindo as gravações de João, teve uma ótima aula de canto. Ele também se apresentou com Getz no Canadá.
Um ano após a gravação, 1964, Getz / Gilberto foi lançado no mercado. O sucesso foi imediato. Logo começou a ser elogiado pela crítica, músicos de jazz e aclamado pelo público, o que o tornou o segundo álbum mais vendido do ano. Em 1965, o álbum competiu em nove categorias e ganhou 4 prêmios Grammy. Os troféus recebidos foram: Melhor Álbum do Ano (com estatuetas atribuídas a Stan Getz, João Gilberto e ao produtor Creed Taylor); Melhor Disco do Ano, concedido a Astrud Gilberto e Stan Getz pela gravação da música The Girl from Ipanema; Melhor Solista de Jazz (Stan Getz) e Melhor Engenharia de Som (por Phil Ramone), com Garota de Ipanema.
Ela foi aclamada como a verdadeira bossa nova e há anos é um campeão de vendas, nos Estados Unidos e no mundo. Chegou às paradas da Itália, onde João recebeu o prêmio mais importante da crítica musical italiana, por unanimidade.
A gravação de Garota de Ipanema se tornou o single mais tocado nas rádios americanas.
Atualização do disco
Hoje, o álbum é um clássico da discografia mundial e continua influente e atual. Gerações de músicos de jazz americanos foram influenciadas por ele.
Em 1999, a National Academy of Recording Arts & Sciences concedeu ao disco o prêmio Grammy Hall of Fame.
Em 1993, o álbum foi relançado em CD na Europa pelo selo CTI, distribuído pela empresa alemã Zyx Music, dentro da série "Grammy Award Winners", com a remasterização realizada a partir de fitas do acervo do produtor Creed Taylor que estavam em melhor estado de conservação. Por questões legais, a capa do CD foi alterada e seu nome mudou para "A Garota de Ipanema" (número de catálogo PDCTI 1105-2).
Em 2004, a gravação do disco da Garota de Ipanema foi escolhida pelo Congresso Americano para fazer parte do acervo da Biblioteca do Congresso por ser cultural, histórica e esteticamente significativa para as gerações futuras. A música foi escolhida porque tem uma melodia facilmente reconhecível em qualquer lugar dos Estados Unidos e, portanto, muito popular.
Turnê pela Europa
Ainda em 1963, João parte com João Donato, Tião Neto e Milton Banana para a Europa. Primeiro, na Itália, se apresentaram em Roma, no Foro Italiano. Lá, eles também gravaram uma série de TV. Em seguida, partiu para Viareggio, ainda na Itália, para passar uma temporada na boate Bussola. Nesta boate, João conheceu o bolero Estate, que anos depois gravaria em disco e se tornaria um padrão do jazz.
João começou a sentir espasmos musculares na mão direita. A temporada na Itália foi encerrada pelo fato e o grupo se recusou a se apresentar na Tunísia. João partiu para Paris para ser tratado com um famoso médico acupunturista. Lá, já separado de Astrud, João conheceu Miúcha, na época estudante. Então ele voltou para Nova York.
nós
De volta a Nova York, João tratou os espasmos com médicos americanos em um longo tratamento fisioterapêutico. João recebeu críticas positivas sobre Getz / Gilberto na revista LIFE. O crítico americano Chris Welles citou a guitarra sincopada de João e a voz suave e sensual como a verdadeira beleza do álbum. Miles Davis disse que João Gilberto sabia ler um jornal que soasse bem.
No final do ano, João voltou ao Carnegie Hall, desta vez com Stan Getz, em show que resultou no álbum Getz / Gilberto # 2. Além disso, João já se apresentou em diversos clubes de Nova York, como o Village Vanguard, o Village Gate, Town Hall e o Bottom Line, além de percorrer cidades como Washington, Boston e Los Angeles. Também se apresentou na Califórnia, em temporada na boate El Matador e no Teatro Santa Monica. O San Francisco Chronicle de 10 de setembro de 1964 publicou artigo do crítico Ralph J. Gleason, no qual chamava João de extraordinário cantor e violonista, sobrevivente do show business da música americana e centro de gravidade da bossa nova, grande expoente da arte e do talento.
Brasil
Em 1965, João e Miúcha se casaram. Naquele ano, ele ainda foi rapidamente para o Brasil, onde foi atendido por uma foniatra, por causa de um problema de voz.
Em 1966, atuou por três vezes no programa O fino da Bossa, dirigido por Elis Regina, da TV Record. Apresentado como estrela internacional por Elis, João foi aplaudido por um público admirado. Porém, percebeu a ausência de retorno do palco, recurso utilizado para o artista se ouvir enquanto tocava, e parou na terceira música.
Nessa rápida passagem pelo Brasil, João reclamou da nova produção musical que estava sendo feita nacionalmente.
nós
Mais tarde naquele ano, sua filha Isabel, conhecida como Bebel Gilberto, nasceu em Nova York. Foi lançado o álbum Getz / Gilberto, que tem entrada na Enciclopédia de Jazz dos anos 60, a famosa enciclopédia de jazz de Leonard Feather, na qual João se apresenta como um músico que influenciou profundamente o jazz desde sua chegada aos Estados Unidos. A revista DownBeat elegeu João como o músico de jazz mais influente dos últimos quarenta anos.
Em 1967, João participou num programa de televisão alemão dedicado a Gilbert Bécaud, sendo o único convidado não europeu. Ele também se apresentou no Village Vanguard em Nova York e no Hollywood Bowl em Los Angeles.
Em 1968, ele se apresentou no Central Park de Nova York e no Ninho de Pássaro de Washington.
João ganhou um ingresso na enciclopédia italiana Il Jazz, que o trata como uma das mais belas vozes da última década e um grande arquiteto da afirmação de uma linguagem musical julgada como uma das mais originais e válidas de sua época.
Ele voltou para Nova York, onde se apresentou no Rainbow Grill. Na época, ele disse ao crítico John S. Wilson, do New York Times, que quando cantava, pensava em um espaço claro e aberto, onde os sons são colocados, como se fosse desenhar em um papel em branco. Para isso, segundo João, era necessário silêncio total.
México
Em 1969, João participou de festivais de jazz em Guadalajara, Guanajuato, Cidade do México e Puebla. João então se mudou para a Cidade do México. Durante sua estada, se apresentou na boate Forum, onde trabalhou, e no Museu da Cidade do México, onde recebeu o prêmio, o Troféu Chimal.
Em 1970 lança o álbum En Mexico, recheado de boleros como "Besame Mucho" e "Farolito" e arranjado por Oscar Castro Neves. Nesse disco, Caetano Veloso cita a música "O Astronauta" como a descoberta de uma obra-prima que João trouxe à luz.
1971 - 1979
Em 1971, viaja para o Brasil, quando grava um especial para a TV Tupi com Caetano Veloso e Gal Costa, organizado por Fernando Faro. João cantava sentado no chão e até jogava pingue-pongue, esporte em que era mestre. As imagens desse especial foram perdidas em um incêndio na sede da TV Tupi, mas aparentemente os fonogramas foram salvos.
Voltar para Nova York
João Gilberto voltou a Nova York em 1972. Fez mais uma temporada no Rainbow Grill, desta vez com Stan Getz, que foi um sucesso.
Em 1973, lança o álbum João Gilberto, conhecido como álbum branco, gravado apenas com voz, violão e bateria leve de Sonny Carr. Neste disco, João gravou a sua composição com Jorge Amado. Desta vez, porém, retirou a letra de Jorge e repetiu hipnótica e incessantemente o neologismo "undiú", que dá nome à canção. João interpretou a música com solfejos e violão. Em "Baixa do Sapateiro", de Ary Barroso, João solou a música no violão apenas com acordes, descrito por Guinga como um solo de cabeça para baixo, dentro do braço do violão, um passo em frente na história. A história em que o baterista Sonny Carr toca vassouras sobre uma lixeira de vime é curiosa.
Em 1976, lança o álbum The Best of Two Worlds, com Stan Getz e participação de Miúcha. Ele fez experiência na Keystone Korner, em San Francisco, com Stan Getz.
Em 1977, ele lançou Amoroso e foi indicado ao Grammy de Melhor Performance de Jazz Vocal. Lançou, pela primeira vez, a música Estate, do italiano Bruno Martino, que, depois de gravada por João Gilberto, virou referência na world music, sendo regravada por diversos artistas, como Chet Baker, Toots Thielemans e Michel Petrucciani. O álbum, com arranjos de Claus Ogerman, tornou-se um clássico, marcado pela volta de João às paradas de sucesso brasileiras. João, na época do lançamento, ficou encantado com o disco. A captação sonora da voz e do violão, o equilíbrio com a orquestra e os arranjos de Claus Ogerman foram muito elogiados.
Ele fez uma temporada de shows no Bottom Line em Nova York. Os shows foram um sucesso de crítica e público. Uma das espectadoras foi Jacqueline Onassis, que disse a João que ela era uma admiradora atenta e de longa data.
Nesse mesmo ano, João se apresentou no Great American Music Hall, em San Francisco, e em uma série de shows na boate Roxy, em Los Angeles.
Em 1978, gravou um especial para uma TV holandesa e voltou ao Brasil, trazido pela TV Tupi. Ele causou furor na imprensa com a chegada a São Paulo. Atuou no Teatro Castro Alves, em Salvador, e no Teatro Municipal de São Paulo, onde gravou um especial para a TV. Ele voltou ao Carnegie Hall novamente, desta vez com Charlie Byrd e Stan Getz, para o Newport Festival em Nova York.
Retorno definitivo ao brasil
Chegou ao Rio de Janeiro em 1979, para uma temporada de shows, que foi cancelada por problemas técnicos na casa do Canecão. A última vez que João se apresentou no Rio foi no show O Encontro de 1962. João afirmou que estava apenas procurando um som mais integrado e que estava com muita vontade de tocar no Brasil.
Desta vez, ele voltou a morar definitivamente no Brasil.
Em 1980, João gravou um especial para a TV Globo chamado João Gilberto Prado Pereira de Oliveira, que mais tarde virou disco. Gravado ao vivo no Teatro Fênix, no Rio de Janeiro, para a série Grande Nomes, sempre com o nome completo do artista. No repertório apresentado, de Ary Barroso e George Gershwin aos clássicos da bossa nova, com a surpresa da participação especial de Rita Lee em Jou Jou Balangandãs, de Lamartine Babo. O show foi acompanhado pela Orquestra da Rede Globo, com arranjos de João Donato, Dori Caymmi, Guto Graça Mello e Claus Ogerman.
João também gravou uma participação especial no disco de Miúcha.
Album brasil
Em 1981, João lança o álbum Brasil, com Caetano Veloso, Gilberto Gil e Maria Bethânia. O disco teve como guia João Gilberto, o "mestre" - como disse Sérgio Vaz numa coluna do Jornal da Tarde. - Sua voz foi acompanhada por Gilberto Gil e Caetano Veloso, em uníssono, soando como três vozes de João. Maria Bethânia, quando apareceu, cantou de um jeito que ela nunca havia cantado: não há gritos, gemidos ou drama, havia apenas canto. O disco foi bem recebido pela crítica.
Em 1982, João gravou "Brazil com S", uma participação especial no disco de Rita Lee, "Rita Lee e Roberto de Carvalho".
Apresentou concertos no Teatro Castro Alves e gravou um especial na TV Bandeirantes intitulado "João Gilberto: A arte e o ofício de cantar", com a participação de Ney Matogrosso.
Em 1983, João se apresentou no Festival de Águas Claras, em São Paulo.
Apresentou-se em Roma, no Festival Bahia de Todos os Sambas, transmitido pela TV RAI.
Em 1984, João fez uma temporada no Coliseu dos Recreios, em Lisboa.
Em 1985, participou do 19º Festival de Jazz de Montreux, Suíça.
Em 1986 chega ao Brasil a gravação em disco da participação no Festival de Jazz de Montreux. João gravou Me Chama, de Lobão, para fazer parte da trilha sonora da novela Hipertension. Lobão conta que recebeu ligações de João para aprovação da performance, além de ter que explicar seu estado emocional durante a composição. Lobão inicialmente irritou-se com a supressão do verso "nem sempre se vê mágica no absurdo", mas achou a execução maravilhosa.
Em 1987, João foi agraciado com a comenda da Ordem do Mérito Judiciário do Trabalho, no grau de comandante, pelo Tribunal Superior do Trabalho.
Processo contra EMI
No mesmo ano de 1987, a EMI, dona do acervo da antiga gravadora Odeon, lançou, sem autorização de João Gilberto, uma coletânea (um LP duplo e um CD único) que reunia os três primeiros LPs de João (Chega de Saudade , O Amor, o Sorriso e a Flor e João Gilberto) e o single João Gilberto Cantando como Músicas do Filme Orfeu do Carnaval, também conhecido como single, intitulado O Mito no Brasil e The Legendary João Gilberto. Além da falta de autorização, a EMI, segundo João, alterou o som das gravações e alterou a ordem das faixas. Em 1992, o artista ajuizou ação por danos morais e materiais contra a multinacional britânica, alegando "fim da seqüência harmônica" das faixas e defeitos na remasterização. Desde então, seus primeiros discos, considerados de importância ímpar para a história da música popular brasileira, não estão mais nas prateleiras das lojas, exceto em cópias piratas. Em 1999, Paulo Jobim foi indicado pela 28ª Vara Cível do Rio de Janeiro como perito para comprovar as supostas mixagens sonoras feitas pela EMI. Em seu relatório técnico, Paulo afirmou que a EMI "mutilou" e "deformou" a voz de João Gilberto, "rebaixou" a obra e "cortou literalmente" parte das faixas. Houve também o acréscimo de reverberação, acréscimo de eco estéreo nas faixas que originalmente eram mono e equalização para realçar as altas frequências da bateria e da orquestra em todas as faixas, dados fornecidos pelo especialista indicado pela gravadora. Paulo Jobim afirmou ainda que as matrizes originais dos discos estavam em excelente estado de conservação, sem necessidade de qualquer alteração ao som. Aderbal Duarte, aluno da obra de João Gilberto, testemunha do músico no processo, disse que João já pensava nas alturas de sua voz e violão ao gravar, tornando o som já mixado.
Em 2000, Caetano Veloso foi indicado pela defesa para apresentar relatório crítico. Afirmou que as adulterações prejudicaram a obra de João Gilberto, que se preocupava radicalmente com a excelência da qualidade sonora e com o rigoroso e delicado acabamento das gravações, causando claramente danos morais. Além disso, ao trazer três discos em um único CD, a gravadora contribuiu para a redução de um terço no valor comercial do produto ofertado, o que causou danos materiais. Caetano também mostrou como a própria EMI declarou que não poderia fazer os empates sem a autorização de João. Nas palavras de Caetano, “Por causa dessas falhas flagrantes da ré (EMI), João Gilberto sofreu e continua sofrendo perdas incalculáveis”. Por outro lado, a remasterização da EMI recebeu prêmios internacionais e foi bem aceita pela crítica especializada, o que supostamente atestaria sua qualidade.
Em decisão de primeira instância em 2007, a desembargadora Maria Helena Pinto Machado Martins indeferiu o pedido de danos morais e indeferiu o fim da comercialização dos autos, ressaltando que João Gilberto tinha uma "extrema sensibilidade". “Mero aborrecimento, aborrecimento, mágoa, irritação ou sensibilidade exacerbada estão fora da órbita do dano moral”, disse o juiz. Ela, por outro lado, condenou a EMI ao pagamento de royalties pela obra de João, além de indenização pelo uso da música Coisa Mais Linda em um comercial de O Boticário. Os advogados de defesa apelaram da decisão, que acabou indo para o Superior Tribunal de Justiça (STJ).
Em 2008, houve um início de conversa entre as partes. A EMI trouxe um técnico dos Estados Unidos para acompanhar o músico na audição dos mestres, ou mestres dos discos. João Gilberto, porém, não reconheceu esses mestres como os originais, culminando no final das conversas. Claudia Faissol, então sócia do músico, pediu ajuda ao Ministério da Cultura, à presidente Dilma Roussef e ao Itamaraty em 2011 por meio de um documento denominado "Memorial João Gilberto", assinado pelo próprio músico, mas, oficialmente, o governo brasileiro preferiu ficar de fora da pergunta. No mesmo ano, o STJ decidiu, por maioria de votos, que a EMI deveria pagar indenização por danos morais a João Gilberto. O ministro relator Sidnei Beneti concluiu que "o direito moral do autor, inalienável e sujeito a indenização, recusa modificações em sua obra, independentemente de receber prêmios". Na época do julgamento, o ministro Beneti lamentou a falta de acordo no caso e a falta de circulação ao público de discos clássicos da música brasileira. Em entrevista, a advogada da EMI no Brasil, Ana Tranjan, afirmou que as tentativas de se chegar a um acordo eram apenas fases embrionárias de conversas e que, devido à proximidade do desfecho do caso no tribunal, não houve prorrogação das conversas.
O processo foi de grande importância para os direitos autorais no Brasil, com consequências em diversos processos ainda em andamento e em milhares de discos produzidos no país, já que se discutia a possibilidade de modificação da obra para relançamento. O direito da humanidade de ter acesso à produção cultural e o direito do autor de preservar sua obra foram colocados em jogo, e o âmbito do direito moral do autor sobre sua obra foi definido. O ministro Sidnei Beneti lembrou que o processo foi inédito no Brasil.
Em 2013, a 2ª Vara Cível do Rio de Janeiro decidiu conceder liminar obrigando a EMI a devolver a João Gilberto as matrizes das LPs e o pacto do processo. A juíza Simone Dalila Nacif Lopes, em sua decisão, mostrou a urgência de dar ao músico de 81 anos a oportunidade de conhecer essas obras e atualizá-las. Logo após a decisão, Ruy Castro, em sua coluna no jornal Folha de S.Paulo, mostrou-se empolgado com um possível relançamento, apesar de prever a anulação da liminar. Poucos dias depois, o desembargador Sérgio Wajzenberg, da 2ª Vara Cível do TJ-RJ, decidiu que a liminar seria mantida, bem como a obrigação de devolução das matrizes a João. Dias depois, em decisão de segunda instância, o desembargador André Gustavo Correa de Andrade, do TJ-RJ, manifestou preocupação pelo fato de João Gilberto não ter dado garantias de conservação adequada dos mestres, deixando o material novamente em poder da EMI. Uma semana depois, os advogados de João apresentaram as condições técnicas necessárias à manutenção das matrizes gravadoras, o que levou o juiz a alterar a decisão, sendo os masters devolvidos ao músico.
Marcelo Gilberto, primeiro filho do músico, afirmou que a EMI não teria cumprido a decisão e que os supostos mestres dados a João Gilberto eram, na verdade, cópias dos reais, e apenas o disco Chega de Saudade poderia ser verdadeiro. Acredita-se que a EMI Records pode ter perdido as fitas originais. O advogado da EMI, por outro lado, alegou que todo o material entregue a João era original. [91]
Em 2015, o Superior Tribunal de Justiça decidiu que a EMI não poderia mais vender os registros de João Gilberto sem sua autorização. Em 2018, a defesa do artista entrou com um pedido de revisão de indenização pela EMI Records, cujo controle passou a ser a Universal Music.
final dos anos 80
Em 1988, João cancelou shows no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Sofreu com a incompreensão da imprensa.
Em 1989, João recebeu uma indicação ao Grammy na categoria Melhor Performance de Jazz Vocal, pelo álbum "Live in Montreux".
anos 90
Em 1990, gravou um especial no disco de Maria Bethânia, compartilhando, apenas com voz e violão, a faixa Maria / Linda Flor.
O lendário João Gilberto, coletânea dos três primeiros LPs de João gravados na Odeon, foi lançado nos Estados Unidos, o que resultou em um processo contra a EMI.
Álbum John
Em 1991, é lançado o CD João. No repertório, sambas antigos como Ave Maria no Morro, de Herivelto Martins, Palpite Infeliz, de Noel Rosa, e Rosinha, composta pelo amigo Jonas Silva, ex-crooner de Garotos da Lua, que saiu para abrir caminho para João no início dos anos 50. O disco marcou a gravação de canções em outras línguas: inglês (You Do Something for Me, de Cole Porter), italiano (o bolero de Málaga, de Fred Bongusto) e francês (Que Rest-t-il de Nos Amours de Charles Trenet) . O álbum foi gravado apenas com voz e violão, para posterior adição de arranjos orquestrais feitos por Clare Fischer. João também gravou o primeiro vídeo de sua carreira: Sampa, de Caetano Veloso. Gravado em locais como Estádio do Pacaembu, Bairro da Liberdade, Jóquei Clube de São Paulo e Viaduto do Chá, o clipe mostra o carinho que João tinha pela cidade de São Paulo.
Brahma Comercial
Nesse mesmo ano, João gravou um jingle chamado Bossa Nova nº 1, para a Brahma. Com produção sofisticada, o comercial foi gravado no Theatro Municipal de São Paulo, dirigido por Walter Salles e foi acompanhado por uma série de eventos da Brahma. João estava acompanhado por uma orquestra regida por Eduardo Souto Neto.
Em 1992, João se apresentou no Parque do Ibirapuera, em São Paulo, ao lado de Caetano Veloso, Paulinho da Viola e Rita Lee, por ocasião do aniversário da cidade.
Reencontro com Tom Jobim
Desde 1962, no show no restaurante Au Bon Gourmet, "O Encontro", Tom e João não faziam show juntos. Quando foi anunciado um show com os dois maiores expoentes da música popular brasileira da época, o evento foi classificado como o evento cultural de 1992 pela mídia.
Batizado de Show Número 1, ainda vinculado à série de eventos patrocinados pela Brahma, como o comercial produzido no ano anterior. João se apresentou no Theatro Municipal do Rio de Janeiro, com a participação especial de Tom, e João participou como convidado do show de Tom no Palace, em São Paulo.
No Theatro Municipal do Rio, João fez um show repleto de antigos sambas como Sem Compromisso, Morena Boca de Ouro e Ave Maria no Morro. Ao entrar no palco, João foi saudado por dois mil convidados da Brahma, patrocinadora do show.
O show foi um grande sucesso e se tornou um especial de final de ano da TV Globo, dirigido por Walter Salles Jr. e que resgatou imagens históricas dos anos 50 e 60, como o famoso show no Carnegie Hall em 1962.
Diversas edições desse especial de TV, veiculado pela Rede Globo em 29 de dezembro de 1992, foram lançadas em DVD na Europa e no Japão com os títulos "O Grande Encontro" e "João & Antonio - Programa Nº1".
Trechos do especial de TV também foram utilizados no documentário "Bossa Nova - Música e Reminiscências", dirigido por Walter Salles Jr.
O especial "João & Antonio" também serviu de inspiração para a série "Minuto da Bossa", exibida pela Rede Globo em 1992, dirigida por Walter Salles Jr. e narrada por Caetano Veloso, incluindo material não utilizado no especial por limitações de Tempo.
Em 1993, João Gilberto se apresentou no Teatro Castro Alves, Salvador, com Gal Costa e Maria Bethânia como convidadas.
Em 1994, se apresentou no Palace, em São Paulo, que resultou no disco “Eu Sei que Vou te Amar”, gravado ao vivo, e no especial da TV Cultura, Especial João Gilberto.
Em 1995, João, junto com Caetano Veloso, Gal Costa, Astrud Gilberto, a família Caymmi, Herbie Hancock, Sting e outros artistas, participaram de uma homenagem a Tom Jobim no Avery Fisher Hall, localizado no Lincoln Center em Nova York. A homenagem contou com a presença do então presidente do Brasil Fernando Henrique Cardoso. Os ingressos para o show se esgotaram em apenas um dia de vendas, e diz-se que, no mercado negro, os ingressos foram comprados por três mil dólares.
Em 1996, participou do Umbria Jazz Festival, em Perugia, Itália, e se apresentou em Veneza.
Em 1997, fez especial para a TV Bandeirantes em temporada no Tom Brasil, em São Paulo. Se apresentou em Buenos Aires, onde recebeu as chaves da cidade e o título de cidadão ilustre.
Em 1998 volta a se apresentar no Carnegie Hall, por ocasião da 26ª edição do Festival JVC.
João Gilberto é o homem mais cool do mundo
Jon Pareles, crítico do New York Times, por ocasião da apresentação de João no Carnegie Hall
Apresentou-se na Europa, onde se apresentou em Torino, Roma, Ferrara e participou, como convidado especial, das atuações de Tony Bennett e Caetano Veloso no Umbria Jazz Festival.
Em 1999, fez três shows em Buenos Aires, pela primeira vez com Caetano Veloso.
Ainda naquele ano, João Gilberto se apresentou no Credicard Hall, em São Paulo, inaugurando-o. O show teve grande repercussão negativa, com problemas de som, reclamações e vaias de João.
João Voz e Violão
Em 2000, João Gilberto João lança Voz e Guitarra. Ao ouvir os resultados, João, que preferia o disco sem mixagem, chegou a dizer que a alma havia gravado ali. Percebe-se o arranhar das cordas do violão, a percussão sutil e a pronúncia controladíssima da respiração. O disco, tratado agora como um clássico na época do lançamento, teve novas harmonias para Desafinado e Chega de Saudade, tratadas como superiores em relação às gravações antigas, segundo Nelson Motta, entre resgates de sambas antigos e composições recentes dos amigos Caetano Veloso e Gilberto Gil sugerido por Caetano, entre outras canções, em clima intimista de voz e violão. Em sua eterna busca pela perfeição, John mostrou esse disco, mesmo depois de 68 anos na época da gravação, que ainda tinha muito a ensinar sobre a exploração da célula rítmica da música, técnica vocal, controle da respiração e exercício interpretativo. Na foto de capa, está a atriz Camila Pitanga. O disco teve arranjos feitos pelo maestro Jaques Morelenbaum, mas a orquestração encerrou a movimentação, restando apenas voz e violão. Os críticos americanos declararam que este disco é uma joia.
Na época da gravação, outro projeto foi discutido: a regravação dos três primeiros discos - Chega de Saudade, O Amor, o Sorriso e a Flor e João Gilberto (1961) - com os mesmos arranjos de Tom Jobim. A Universal concordou com o projeto e João já havia escolhido vários convidados para as gravações, como Ivete Sangalo.
Retornou ao Carnegie Hall, São Paulo, Barcelona, Londres, Milão e Recife. Chega de Saudade (78rpm) entrou no Grammy Hall of Fame.
Em 2001, João recebeu mais um Grammy, na categoria Melhor Álbum de World Music, pelo álbum João Voz e Violão. A imprensa brasileira considerou o prêmio injusto, dizendo que João merecia participar de indicações mais nobres.
Ele se apresentou em Paris, em duas apresentações no Olympia, lotado, principalmente, por jovens. A França vivia outra explosão da bossa nova, desta vez fruto da música eletrônica. Ele deixou o público louco ao tocar Que Reste-t-il de nos Amours. Freqüentemente, em seus shows, João Gilberto homenageia a cidade em que se apresenta. Em São Paulo, sempre interpretou Saudosa Maloca, de Adoniran Barbosa; em Portugal, para deleite do público, apresentou a Casa Portuguesa; em Recife, tocou em Recife, Cidade Lendária.
Por ocasião de seu 70º aniversário, João foi homenageado por diversos veículos de comunicação do Brasil.
Atuou na 22ª edição do Montreal International Jazz Festival, no Canadá.
João recebeu a Ordem do Rio Branco do Ministério das Relações Exteriores, com o grau de comandante.
Em 2002 lançou o CD “Live at Umbria Jazz”, gravado em 1996.
Em 2003, ele recebeu o Premio della Critica Heineken na Itália.
conquista do japão
Primeira turnê - 2003
Em setembro de 2003, pela primeira vez, João se apresentou no Japão, passando por Tóquio e Yokohama, totalizando quatro apresentações com quase vinte mil ingressos à disposição do público, que esgotaram três meses antes das apresentações. Em sua primeira apresentação, no Tokyo International Hall, João relatou que tocar para o público japonês era uma experiência que buscava há décadas. Em seu último show, no dia 16 de setembro, João recebeu uma salva de palmas de 25 minutos do público japonês. Naquele dia, um fato curioso: no final do show, João baixou a cabeça e fechou os olhos por 20 minutos. Ao final, ele se levantou e agradeceu a plateia, dizendo que havia beijado todas as mãos, todos os corações ali presentes. O sucesso da digressão japonesa foi festejado com entusiasmo pelo próprio João.
As apresentações de João Gilberto geraram um boom da bossa nova no Japão. Gravadoras relançaram diversos discos de João especialmente para o mercado japonês, como Getz / Gilberto, João Voz e Violão e o gravado no México, além de diversas coleções. Artistas populares japoneses gravaram CDs em homenagem a João. Todas as revistas especializadas em música reservaram páginas de elogios a João Gilberto, tratado como lenda viva da música universal, criador da bossa nova, o mestre brasileiro mais respeitado do mundo, prestígio que João não desfrutava no Brasil.
Em 2004, a Verve Records lançou em Tóquio o CD João Gilberto, gravado ao vivo durante a segunda apresentação no Japão. ou seja, eles são redesenhados, em um processo de desenvolvimento e busca infinita.
Naquele ano nasceu sua terceira filha, Luiza Carolina, com Claudia Faissol.
Segunda e terceira turnês no Japão
Em 2004, ele fez uma turnê no Japão novamente. Desta vez, ele recebeu trinta e oito minutos de aplausos ininterruptos em seu show em Osaka.
Em 2005, João recebeu a Ordem do Mérito Cultural, do Ministério da Cultura.
Em 2006, fez mais uma turnê pelo Japão, onde homenageou o país com a composição “Je Vous Aime, Japão”. Mais uma vez, os shows esgotaram. Nessa turnê, foi anunciado o lançamento de um DVD ao vivo com a apresentação de John no Japão. No entanto, o DVD foi vetado pela vontade do artista, que não encontrou o bom show a ser gravado.
Em 2007, em voto popular da revista DownBeat, João foi eleito um dos melhores cantores de jazz.
50 anos de bossa nova
Em 2008, por ocasião dos cinquenta anos da bossa nova, teve início uma série de comemorações. João se apresentou em São Paulo, Rio, Salvador e Carnegie Hall. Seus shows esgotaram os ingressos em poucas horas. Seus shows eram reverenciados pelo público e elogiados pela crítica, mostrando que, aos 77 anos, João ainda era moderno. Em seu show no Rio de Janeiro, ao contrário das lendas que o cercam, João, de muito bom humor, cantou com o público.
Em 2005, João Gilberto gravou um comercial para a Companhia Vale do Rio Doce em parceria com a agência África, veiculado no segundo semestre de 2008, em âmbito nacional, durante os intervalos do Jornal Nacional da TV Globo. Com narração de Fernanda Montenegro e composição de Nizan Guanaes, o anúncio propunha uma homenagem ao povo brasileiro.
Em 2009, a revista DownBeat, considerada uma das publicações de jazz mais conceituadas do mundo, elegeu João como um dos 75 melhores guitarristas da história do jazz e um dos cinco maiores cantores de jazz.
Em 2011, Claudia Faissol, produtora e mãe da filha caçula de João, perdeu algumas das imagens que fazia do músico há doze anos. O Ministério da Cultura (MinC) na época foi chamado para ajudar na preservação das imagens, tendo prometido um técnico da Cinemateca Brasileira, mas as trocas de ministros dificultaram o processo.
Ainda naquele ano, a trilogia sagrada da bossa nova - os três primeiros discos de João - foi lançada sem autorização na Inglaterra, que estão fora de circulação devido ao processo com a EMI. Uma gravadora inglesa, amparada pela legislação europeia, vem lançando os discos.
Morte
João Gilberto faleceu no dia 6 de julho de 2019, aos 88 anos, em sua casa no Rio de Janeiro. O músico já vinha enfrentando problemas de saúde há alguns anos. O velório aconteceu no Theatro Municipal do Rio de Janeiro e seu corpo foi sepultado no Cemitério Parque da Colina, em Niterói.
Técnica
inovações
Antes de João Gilberto, o violão era o complemento da voz. Na música do mestre da bossa, voz e violão tornam-se uma entidade única. Aparentemente simples, a técnica de John realmente exibe precisão matemática.
HYPERLINK " https://pt.wikipedia.org/wiki/Jo%C3%A3o_Gilberto#cite_note-icone-5 "
Em sua estreia em 78 rpm, Chega de Saudade, João Gilberto deu início a uma revolução na música popular brasileira. Munido apenas de voz, violão e da música Chega de Saudade, mudou os rumos da música brasileira e firmou seu nome na história cultural do Brasil e do mundo.
Com a introdução do microfone e amplificador no Brasil, João Gilberto percebeu que a fonte sonora não precisaria emitir o som intensamente, no âmbito da voz e do instrumento, o que favorece interpretações sutis e internalizadas. Por outro lado, na época das primeiras gravações da bossa nova, o Brasil ainda não possuía equipamentos de fidelidade suficientes para reproduzir sons mais complexos. Por isso, João e Tom Jobim, seu primeiro arranjador, elaboraram harmonias complexas, sob a influência da música norte-americana, e, ao mesmo tempo, simplificaram o som geral, devido ao equipamento limitado. Os gestos, tão antagônicos, porém, se combinam para buscar o núcleo vital da canção.
John inovou na gravação de Chega de Saudade ao pedir dois microfones, um para voz e outro para violão. O motivo é óbvio, apesar do choque que causou aos produtores de discos. Até então, se gravado com apenas um microfone, principalmente voz sobre o violão. Além disso, é da própria natureza do violão ser restrito em termos de volume de som com qualquer instrumento orquestral ou piano. Com a voz, o violão pode competir igualmente, a voz permanece com uma intensidade natural, pois com qualquer aumento de volume de voz já existe um encobrimento de guitarra. Assim, é necessário transmitir a voz em um volume próximo ao da fala comum. Com João Gilberto, voz e violão permanecem na mesma intensidade de volume, com microfones captando as duas fontes sonoras igualmente e, se necessário, a variação de volume de ambas seria em igual proporção.
Para Caetano Veloso, João inovou ao sugerir uma diretriz para o desenvolvimento do samba a partir do samba-de-roda do Recôncavo Baiano e amadurecendo no samba urbano do Rio de Janeiro.
Harmonia
O tratamento harmônico da música de João Gilberto foi pensado exclusivamente para o violão. No LP Chega de Saudade, por exemplo, a participação da orquestra acontecia apenas por meio de pontuação ou de frases curtas, em algumas ocasiões. Nas cadeias harmônicas, ou conexões, João criava as dissonâncias tonais na mão esquerda, no braço do violão, na construção dos acordes.
Nas regravações de antigos sucessos, João Gilberto caracterizou-se pela alteração completa da harmonia original, refazendo-a.
Ritmo
Quanto ao ritmo, que está do lado direito de João o ritmo tem influência tradicional do samba. Ao tocar acordes, não arpejos, João deu ritmo ao violão, de forma que colocou uma bateria de escola de samba em miniatura das seis cordas de seu violão. No entanto, João Gilberto aproveitou a obviedade de marcar o tempo forte, caracterizado pela marcação periódica do samba dos surdos, em um processo denominado por Walter Garcia como o "resfriamento" do samba. Por outro lado, John deixou implícito nos impulsos de toque médio, ou seja, o dedo indicador, médio e anelar. Essa síncope, ou acentuação do tempo do samba fraco, criava música tenso, impulso mais rítmico. João Gilberto tinha controle absoluto sobre o ritmo e sempre fugia do truísmo, da regularidade. Essa batida rompeu com o ritmo do samba "quadrado", criando possibilidades harmônicas antes impossíveis. Assim, João conseguiu atrasar ou avançar o ritmo com sua batida compacta, de forma que modernizou o samba. A voz também tinha uma função rítmica. Ela colaborava com percussão, desenhando ou desacelerando, ressaltando o ritmo pela ausência, ou técnicas vocais. No pulso de John, a oposição entre o tempo forte e o tempo fraco foi relativizada pela equipe. John também mudou a forma de tocar bateria, substituindo as duas escovas ou duas baquetas por uma vassoura e uma baqueta, cada mão com uma divisão diferente.
Texto
João Gilberto caracterizou-se por priorizar a sonoridade do texto, em detrimento de sua semântica. Percebe-se a ausência de tensões semânticas na escolha do repertório, com canções líricas sem tensão apaixonada, como Chega de Saudade, canções quase infantis, como O Pato e Lobo Bobo, e composições próprias, como Bim Bom. (Essa preocupação é tão comum no meio erudito) tanto com os detalhes do texto das canções que cantava, valorizando excessivamente as unidades musicais da canção, que movia, alterava, idiossincraticamente traduzia os detalhes de duração, frequência , intensidade e texto, quando omitidos, acrescentavam ou alteravam partes ou palavras das canções, alterando o efeito, mas não a essência e a identidade da canção. Tanto que era muito comum o compositor se sentir lisonjeado com uma gravação de João, como Caetano Veloso com Sampa, que João mudou para gravar. João Gilberto foi um recompositor, um compositor-intérprete, sendo aquele que não executou o que o compositor criou, mas aquele que executou o que o compositor não conseguiu criar. Para João, a letra tinha a mesma importância que a melodia e o ritmo, afastando-se do senso comum que valoriza a letra, para que, se a letra tivesse um papel extra-musical na música, ela fosse imediatamente rejeitada, alterada ou suprimido por João.
Ele pode até ler jornais que soem bem.
Essencial para o estilo criado por John, seu canto foi mais uma marca da batida da bossa nova. Como já mencionado, João, com o uso do microfone, dispensou e criou um estilo adequado ao uso do violão, com a emissão da voz próxima à fala comum. limpa e seca, como a voz de Dorival Caymmi. Sua dicção era impecável e sem traço do sotaque baiano. Integrar voz e guitarra formava um todo, um único. Às vezes John era a voz como instrumento, à frente ou atrás da formulação em relação ao violão em uma determinada e precisa imprecisão, caindo em várias posições rítmicas, mas nunca prejudicando o equilíbrio da música. Em entrevista a Tárik de Souza, João se declarou fã de Orlando Silva porque ele “fala as frases com naturalidade e não exagera em nenhum ponto da música”, mostrando a essência da canção joãogilbertiana: falar e naturalidade de assunto fugindo dos excessos em qualquer ponto da música. [importante, retirando excessos, John permitiu que a letra criasse emoção a partir de sua própria construção, fugindo da emoção criada pelos artesãos vocais, enriquecendo, é claro, a música. Entre as várias técnicas utilizadas, estão a ausência de vibrato, que conferem peso emocional à interpretação, mas raramente são utilizadas de forma muito discreta; a remoção de forte e dinâmico muito forte; o complemento harmônico de voz e violão, ou seja, a voz envia uma nota que não aparece no acorde do violão, complementando-o; rubato, desacelerando sílabas e frases, deixando o violão seguir em frente para então alcançá-lo, ou se antecipa, remendando versos, para então aguardar a chegada do violão; legato, como Orlando Silva, derrubando assim o mito de que cantava como Mário Reis, que, apesar de cantar baixinho, não usava a calúnia, mas o staccato, que é a "quebra" do fraseado, ou seja, cantando as sílabas separadamente , com silêncio entre os fonemas, em células de tamanho quase igual; John, por outro lado, estendido ou diminuído, reunia as notas em longas frases que se sustentavam graças às técnicas de respiração iogue. Seu arremesso era absolutamente necessário, mas nem sempre foi considerado tão bem, como o estranhamento revolucionário causado por seu corner na hora de apresentação do novo estilo. Gilberto também usou a voz para dar ritmo à música. Com técnicas comuns em conjuntos vocais dos anos 1940 e outros criados pelo próprio John, sua música foi enriquecida. O propósito de John era encontrar o ponto onde eles pudessem falar perfeitamente com a melodia que brotava naturalmente da palavra por meio da inflexão adequada e da "cor" exata de cada sílaba.
Criação
"Você não pode ferir o silêncio, que é sagrado."
João Gilberto foi um artesão diletante de sua música, em eterno "estado febril" de criação, que operava dentro de limites estritos auto-impostos, sem ostentação de voz, velocidade ou condecorações. Passou horas, dias ou meses recuperando - em termos de ritmo, harmonia e melodia - uma música que ouviu em vida, do samba aos boleros, em português, inglês, italiano ou francês. Considerado um recompositor, João justifica seu minúsculo trabalho autoral dizendo que “há tanta coisa bonita para consertar”.
Nesse processo de maturação musical, João Gilberto buscou todas as possibilidades harmônicas e rítmicas da música em que estava trabalhando. Subtraiu notas, mudou o tempo, introduziu silêncios, juntou versos e as palavras mudaram, resultando em algo distante do original. John fez a música mais direta e clara. Um exemplo é a canção Lígia, de Tom Jobim, em que John simplesmente retirava a musa do nome da canção, evitando assim um derramamento, uma tensão emocional que seria chamar gritos altos. Portanto, houve um grande entusiasmo em ouvir João cantando uma canção conhecida pela primeira vez: não se sabia o que estava por vir. John se preocupou obsessivamente com um nível de acabamento muito mais alto do que o exigido pelo mercado, que tem mais do que profissional.
Desde o início de sua carreira, John buscou o passado da música popular para aumentar a consciência do presente. Já retrabalhados no primeiro disco, Rosa Morena, Dorival Caymmi, e It's Only Luxury e Morena Boca de Ouro, antigos sucessos de Ary Barroso. Essa busca pelo passado tornou-se conhecida ao longo de sua carreira, compositores de canções como Janet Almeida, herivelto martins, Noel Rosa, Bororó, Geraldo Pereira, Wilson Batista, Lamartine Babo, etc. Essa busca caracterizou-se pela discrição existencial do próprio João: mais dessas canções que ouviu na infância em Juazeiro, Aracaju ou na juventude em Salvador e início de carreira no Rio.
É percebido na arte de João Gilberto como um projeto nacional, uma aspiração do que o Brasil poderia ser. Usando o samba, ele rompeu com toda a estrutura da canção brasileira.
Influências
No canto, em sua divisão rítmica, João Gilberto declarou publicamente a influência que teve de Orlando Silva, que considerava o maior cantor do mundo. O uso de acordes soltos referia-se à mão esquerda de Johnny Alf no piano. O violão de Dorival Caymmi também influenciou a criação de João, que ainda buscava aliar o samba, a tradição musical nordestina e o jazz.
Segundo Jon Pareles, os vocais suaves de Chet Baker e os acordes de Barney Kessel estiveram presentes no estilo de João. O cool jazz também esteve presente nas harmonias da bossa nova.
Legado
Monumento dedicado a João Gilberto em sua cidade natal, Juazeiro da Bahia
Quaisquer que sejam os novos rumos de nossa nova música, não vamos esquecer a lição de John.
É difícil encontrar na história da música qualquer movimento que possa ser atribuído a um nome. João Gilberto fez isso com a bossa nova. Apesar da grande importância de Tom Jobim no movimento, João deu forma, a possibilidade. Tom Jobim já era um grande compositor e arranjador antes da invenção João-Gilbertiana. No entanto, John também desmontou e reconstruiu Jobim, que assimilou a técnica de John e mudou a forma de compor e arranjar, com as mais diversas possibilidades definidas, tornando-se um ícone do mundo da música, com John ainda discutindo que a bossa nova é um movimento ou um estilo, um momento do jazz ou um capítulo da música popular brasileira. Sabe-se apenas que João Gilberto é seu pai.
Jobim definiu o peso de João na música popular na contracapa de seu primeiro LP, Chega de Saudade, “Em muito pouco tempo, João Gilberto influenciou toda uma geração de arranjadores, violonistas, músicos e cantores.”. A revolução de João Gilberto possibilitou o desenvolvimento da obra de músicos modernos como Jobim, abriu caminho para a nova geração, como Roberto Menescal e Baden Powell, e deu sentido aos talentosos músicos dos anos 1940 e início dos anos 1950 que tentavam encontre uma forma de modernizar o samba imitando a música americana, como Johnny Alf e Dick Farney.
Em nível nacional, qualquer músico brasileiro pós-1958 foi reinventado por João Gilberto. Ou seja, João alterou irreversivelmente o DNA da música popular brasileira. Muitos se lembram do impacto que tiveram ao ouvir João Gilberto pela primeira vez. Gilberto Gil conta que ouviu no rádio, da Bahia, e ficou com medo de ouvir aquele som novo, que o estranhou, mas que logo se tornou uma paixão absoluta. Caetano Veloso conta que ouviu João pela primeira vez aos dezessete anos, em um bar de Santo Amaro, na Bahia, por sugestão de um colega de ginástica, que classificou a música como "maluca", de um "sujeito que cantava fora. de sintonia ", mas quem logo arrebatou Caetano. Para Gal Costa, ouvir pela primeira vez na rádio a gravação de Chega de Saudade de João foi um “impacto profundo e uma atracção imediata”, que, apesar de ser, na altura, totalmente diferente, estranho e novo, Gal abraçado com paixão. Ela conta que depois de João aprendeu a cantar novamente, estudando a emissão vocal de João Gilberto. Roberto Carlos, ouvindo João Gilberto pela primeira vez, ficou tão fascinado com a música que era estática, como uma revelação. Chico Buarque passava tardes inteiras ouvindo e ouvindo o LP Chega de Saudade, tentando decifrar a batida e as harmonias do violão. João também influenciou artistas como Rita Lee, com seu "Bossa'n'Roll", Novos Baianos, que teve João como padrinho musical e mentor na produção do álbum Acabou Chorare, Jorge Ben Jor, Cazuza, na música Faz Parte do meu Show. Atualmente João é reverenciado por artistas como Fernanda Takai, Max de Castro, Zizi Possi, Fernanda Porto.
Internacionalmente, João conquistou primeiro os músicos, depois o público. Junto com Jobim, fez a bossa nova ser ouvida nos quatro cantos do mundo.
A criação original do samba de João Gilberto, que se tornou internacional com o nome de bossa nova e que é, até hoje, a mais importante contribuição brasileira para a cultura mundial, segue a linha de grande parte da música popular que é feita no mundo. . Essa obra de transformação do samba e sua consolidação é obra de uma personalidade artística genial, daquelas que surgem de vez em quando com uma missão civilizadora heróica. Não é de admirar que seja chamado de Mito. Sua trajetória repete a do herói mítico, lutando contra a banalidade e buscando a pureza.
Edinha Diniz
Entre os grandes jazzistas declarados fãs de João estão Miles Davis, Stan Getz, Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Tony Bennett, Jon Hendricks, entre outros. A influência de João Gilberto no jazz é consenso entre os críticos musicais. Atualmente, percebe-se a influência de João em artistas como Stacey Kent e Diana Krall, que teve João como sua primeira referência musical e diz que não se pode ser músico de jazz sem aprender bossa nova. Fora do jazz, John recebeu elogios famosos como Madonna, Jacqueline Kennedy, Eric Clapton, Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre. Bob Dylan, Beck, David Byrne, entre outros, alcançando movimentos de influência como indie rock e dance music. Na Europa, João fez grande sucesso, principalmente na Itália, onde realizou inúmeros shows e até especiais de TV. Passou também pela Holanda, Inglaterra (que, nos anos 1980, teve um movimento chamado new bossa com bandas como Matt Bianco, Style Council e Everything But the Girl), França, Portugal, Espanha, Alemanha e Bélgica. João chegou ao Japão, numa série de concertos, onde lotou salas e recebeu aplausos de até 40 minutos sem interrupção dos japoneses.
São vários os gêneros musicais influenciados pelo estilo de João. No Brasil, Tropicália, MPB moderna. Internacionalmente, New Bossa, Acid Jazz, Drum'n'Bass.
Entre os acadêmicos, João é unânime, sendo objeto de estudo de grandes intelectuais como José Miguel Wisnik, Luiz Tatit, Aderbal Duarte, Walter Garcia, Lorenzo Mammi, Edinha Diniz. Para Garcia, João está para a música o que Guimarães Rosa está para a literatura, Oscar Niemeyer está para a arquitetura e Pelé está para o futebol.
Na cultura popular, João Gilberto é um ícone. Recebeu diversas homenagens na música, tanto nacional como internacionalmente. Tony Bennett se autodenomina um grande fã seu. Foi solicitado para trilhas sonoras de filmes nacionais e internacionais e produções para TV. Recentemente, um autor alemão publicou um livro com John como personagem. É tema de um documentário sobre o processo junto à EMI. Sua figura era tão misteriosa que um perfil falso criado no Facebook conseguiu enganar até artistas e jornalistas famosos, fato negado pelo site oficial do artista.
Vida pessoal
De 1995 até o fim da vida, João morou em um apartamento na Rua Carlos Góes, no Leblon, zona sul do Rio de Janeiro, e em 2015 também ocupou uma suíte no Copacabana Palace. Quase não saía de casa e não recebia visitas, exceto sua filha Bebel e sua gerente, Claudia Faissol, mãe de Luísa, a filha mais nova. Mesmo morando no hotel, ele se manteve fiel aos velhos hábitos. “Pelo menos três vezes na semana também busca comida aqui”, disse certa vez Sebastião Alves, 40 anos gerente do restaurante Rung, no Leblon.
Eu simplesmente quero agradecer ao meu país como guerreiro e trabalhador.
Que lindo é o Brasil!
E dizer que há algo diferente quando há vida na alma do homem que semeia amor por tudo na vida que realmente ele nunca seria tão lindo e extraordinário quanto eles foram e deixaram lindas histórias como livros, músicas e filmes que vão ser lembrado na existência que sempre dá consistência à vida que nos libera a lição extraordinária de viver em um mundo de sonhos e fantasias que podem nascer hoje ou talvez amanhã e que ainda são jovens e livres do pecado quando há amor entre noites e dias teremos sempre uma euforia que nos dá paz e amor a cada dia e por isso seremos sempre leões eternos que sempre levarão uma centelha de luz que nos desperta do corpo sereno, rico, forte e escuro para mostrar a nossa melhor leve veneno leve e vital que nos faz viver e compreender com a vida sob todos os seus ditames que desobstrui os olhos da alma e nos faz felizes pelo jeito que somos e sempre aqui somos mais que um porque no mundo que somos preciso colher as sementes da vida em meio ao calor da alma há um gesto ao prazer de viver que nos domina e nos faz dizer que somos infinitos para a nobreza da pobreza que nos torna ricos e pela nobreza das riquezas que nos fez conquistar o mundo com gestos, amor e alma e assim nos tornarmos mais brasileiros e a vida e a morte nos ensinam a conhecer os ditos para que nunca esqueçamos o quanto vale a pena viver para nunca mais morrer. Obrigado!
Por: Roberto Barros